绘画艺术的特征精选(十四篇)

序言：作为思想的载体和知识的探索者，写作是一种独特的艺术，我们为您准备了不同风格的14篇绘画艺术的特征，期待它们能激发您的灵感。

篇1

一、“功利化”

艺术品在艺术市场这台称重器上成为买卖交易的主要流通物，市场的资源配置掌管天平的平衡，在一定的时期和特定的物件上，掌握秤砣重量的大小则是市场消费。从佛经和有关史料中发现，佛教特别重视采用绘画艺术手段进行其教义的宣传。古代传统的佛像或佛教绘画是非功利化的。佛教造像佛教在中国的传入，一开始就表现出经、像并重的特点。佛教造像成为膜拜的主要载体主要以佛像艺术形式来教化和供奉，是佛教流贯的做法。在艺术的潜移默化中，心志升华，自然会顶礼膜拜佛教，仁禽义兽的美德善行都集中附会在释迎牟尼身上，使其成为超人化的崇拜偶像。佛像或是佛教绘画自古以来就是人们精神信仰和心中对美好生活的祈求对象，是精神世界的功利性，而不是作为物质性质的功利性。它洗涤人们内心的杂念，使人向往高洁善良的人生追求，和对美好生活的向往。古董、佛像等艺术品对多数投资者和收藏者来说终究只是投资，商品涨多了必须回档以调解市场成为他们获取自身利益的一个物品，当今，国富民强，佛像或佛教艺术品升值空间巨大，为投资收藏者提供了积累财富的源泉的机会。而神性和膜拜的心被现实消费利益驱使。实际上来看，艺术家们心中明了，在这个以消费为主的时代，物质的过度消费造成人们强大的精神压力，可以说当代人的生存压力是历史上前所未有的，人们心理极度孤独，极度泛滥成灾，想平静下来但现实又不应许，这个时候就需要找到这样一种东西――能平衡现实和精神、心理压力的媒介，正是这样，艺术家们用明锐和极富洞察力的双眸看出了这个世界的藩篱。创作出符合人们心理创伤能抚平心中消费物质欲望的佛像作品。从这一点来看，艺术家是在找自己艺术作品发展和销路的方式和媒介，大多数绘制佛教艺术品的艺术家是无所谓信与不信佛教信仰的，他们只是用佛教绘画这个招牌来招揽买家，所以说“功利化”在当代都市佛教题材绘画艺术是很明显和突出的。

二、艺术形式和语言的多样化

佛教题材绘画艺术的多样化是指，当代都市佛教题材绘画作品在题材和绘画内容以及艺术形式和创作语言上很广泛。综观中国古代佛教绘画，从题材上大体上可以分为像和图两个类别。

在当代都市佛教题材绘画内容中主要形态有佛像 “佛”亦即“佛陀”，小乘佛教一般只限于指释迎牟尼。而大乘佛教则一切“觉行圆满”者。佛教佛像的绘制要求有规定的范式，而这些范式均出自佛教的佛典。佛像，菩萨、罗汉、弥勒、飞天等题材，在当代佛教题材艺术的发展中占有很大的部分，从事佛教题材绘画的艺术家不只仅限于对传统佛画艺术的赞叹，也开始站在时代的历史层面，运用现代艺术的笔触和绘画技法以及艺术语言，来绘制具有现当代艺术审美趣味的佛教题材绘画作品。比如油画家曾浩，对传统佛教飞天艺术形象进行大胆革新，他采用西方样式思想和浪漫古典主义情怀，用油画技法和风格来表现具有当代性质的佛教题材绘画艺术样式，创作了一系列的油画艺术作品，创造了神奇般转换飞天形象的视觉感受，出现了我们从未有过的飞天艺术形象，很具有开拓和创新精神。

三、创作观念的综合性

当代都市佛教题材绘画艺术在题材内容的多样化的前提下，佛教题材绘画作品的艺术创作观念呈现综合性。由于大众文化和审美趣味的多变，艺术创作形式、审美方式等艺术创作理念发生了很多的变化，出现了综合运用各种艺术创作观念来描绘佛教题材绘画艺术作品。传统的审美方式比如：“秀骨清像”是南北朝时期人们审美理想和社会审美风尚的集中体现。现而今对佛教艺术的形式而言不再是传统意义上的四样式创作观念，而是多种艺术形式和艺术语言的综合体运用，从绘画艺术形式来看，当代都市佛教题材绘画艺术主要有：传统国画形式、西方油画形式、水彩形式，比较有代表性的艺术语言主要有：传统写实意义上的佛像艺术语言、当代对传统佛教艺术进行革新运用的艺术语言、抽象艺术形态以及消解主义形式语言等，在传统佛教题材绘画的艺术样式里进行革新于改造。使其成为当代最具表现性的佛教题材绘画艺术。

当代世界范围来看，中国不少艺术家在艺术实践上引起全球目光的关注，运用中国传统的汉字解构出的天书艺术形象，解构中国传统文化的意义硬壳，解放了禅悟灵思。而艺术家曾浩借助西画和中国传统飞天艺术形象创作出独具一格的新形象飞天造型受到国际的喜爱。而西方现代主义思想的传人使艺术从易感转变为费解，创意观念和新颖的思想成为艺术获取胜利的焦点，传统意义的审美从过去的感性审美走向理性审美的范畴。很多艺术家以现代人的思想和艺术创作观念重述着历史、重塑着偶像、大量的绘画艺术品成为愚乐大众的“新亮点”，当代艺界看似一派欣欣向荣，但却乏杰作。

篇2

引言

翻阅历史的古书，人们总会发现能够记载在史册上并与男性艺术家并驾齐驱的女性艺术家廖若星辰。进入新世纪以后，女性艺术家随着时代前进，在多元化的文化空间中找寻着自己的绘画语言，女性画家们更加注重自我表达。女性艺术家们向着人性的深层探寻，在多元的文化空间中，彰显着人文主义的女性精神，创造着女性艺术的新天地。这一时期具有代表性的女性艺术家，如喻红、夏俊娜、申玲等人。

现代女性艺术的特征

1.绘画语言的自述性

女性绘画语言的自述性是指画家在作品中体现出的诸如女性判断、女性感受及女性审美等因素，通过主题与形象阐述女性的价值观与艺术观，显现出女性对自身的观照与认识。女性绘画在我国的美术发展中具有艺术语言不断成熟，艺术观念丰富多元的创作特征。当代社会下，女性画家是一支由弱到强、不可忽视且富有特色的艺术表现力量。她们以女性特有的柔韧和对世界的敏锐观察，对生活的细腻感受，以自己独特的审美视角和女性创作风格，带给人们审美愉悦和审美享受。

喻红的《目击成长》系列就是采取回忆录的形式再现生活的片段。她投向的视点是“平平淡淡的生活瞬间”和“轰轰烈烈的历史事件”，是她个人近四十年的生命历程。《目击成长》是喻红真正对自我历史或自我情感的历史表达的开始，分为两个关联部分：一部分是喻红自己挑选的令人难忘的新闻照片，另一部分是她以自己和女儿从出生到现在为主角的绘画作品。历史照片往往描述一群或数群人的集体经验，但是喻红却试图将个人从群体经历中分离出来，孤独的情绪即使在描述群体活动时依然十分明显。成长系列以女性作为女儿、妻子、母亲特有的视角描绘着时代的变迁和不同时代人的精神面貌。

2.感情的投入

女画家作为创作的主体，在社会与生活中的多重角色使她们有了不同于男性画家的生命情感和思维特征：她们经历过情爱、生育、哺乳和琐碎的家务，体味过幸福、痛苦、欢笑、疲倦、充实、无奈等与千千万万女性同样切身而又真实的感受，这就注定了她们有着不同于男性的能力，她们更善于接受和感觉印象。她们有女性体味世界的细微和善意，又将自己卷入情感意愿和审美意愿的女性执拗和女性表达惯性。女性画家将感受与素质融入作品主题与形象，就使得绘画洋溢着女性的风采，熔铸着女性的理想。

喻红是在青春的困扰中开启了对艺术的最初梦想，85新潮的喧嚣和的政治动荡使喻红厌倦那些大而空的观念和对政治的狂热，渴望把内心的无奈、盲目、怀疑表达出来。她女友肖像系列就是那个时代的产物，虽然画家笔下的女性形象削弱了动人的面庞、退去了繁丽的色彩，但其藐视的目光、松弛的动态、自由的意志却具有一种女性自然自得的力量。易英曾评论过喻红的作品：“喻红在‘女画家的世界’画展上展出了一批女性肖像，尽管对象不同，神情各异，每幅画在形式上也尽量拉开距离，但实际上是画的她自己。这当然不是指她以自己为模特儿，而是说她把自己内心的追求与渴望偶像化了……”可见她在创作每幅女友时所投入的感情细腻而真挚。

3.对古代文化的吸取

女性艺术发展离不开世界各国深厚的文化底蕴，女性艺术的发展既借鉴了传统文化中人文化、民间化的神韵、气质、美感，也借鉴了现代文化中的观念性、复杂性和包容性。随着时代的发展，人们素质的提高，对艺术的欣赏能力也逐渐提高，这就对艺术家的要求也越来越多，所以女艺术家们既要传承古代文明又要与时俱进，创作出体现现代人的东西，这就需要古为今用。

喻红的《春恋图》与《天梯》是分别根据宋徽宗临摹的唐代张萱《捣练图》和埃及西奈山凯瑟琳修道院的中世纪绘画画就。她的个展“金色天井”中的《天井》以意大利天顶画《大力神和四季》为蓝本，《天问》仿照敦煌莫高窟壁画《赴会佛和菩萨》，《天择》参模了戈雅的铜版画《荒诞的行为》，《天幕》则以新疆克孜尔千佛洞的《四像图》为蓝本。四幅新作均被置于展厅屋顶，成为一个现代艺术空间里久违的人造“天顶画”，艺术家尝试通过对传统文化的研究和重新解读，结合对现实社会的关注和反省，创作出跨越不同文化藩篱、直追生命本质的作品。喻红曾说过说，“中国古代绘画对大部分观众来说都是久远的，时间上远，空间上远，心理接受度也很远。但那些东西是千百年积淀下来的、具有人性力量的。我希望让观众重新拾回过去的美好事物。”传统文化为现代女性艺术的发展提供了深厚的文化底蕴，现代的文化气息为中国女性提供的多方位的思考方式。

结束语

艺术作为一种文化的精神样式，既需要男性的关怀也需要女性的关注。我们生活在一个物质与精神都在不断发展变化的新社会，这个社会为更多的女性艺术家提供了丰富多元的创作源泉和至广大尽精微的表现天地。艺术是不分性别的，让我们跳出性别的定式思维的巢穴，解脱陈规的束缚，让人的本质力量在自由的空间里得以舒展，使情的物化和心灵的对象化真正具有独创性的审美价值。

篇3

油画从古典到现代无论怎样发展变化,都具备着油画自身的艺术特征,虽然很难完全用语言文字去概括,但有一点是可以肯定的,那就是油画的艺术特征来源于油画的物质材料、绘画工具和由此决定的油画独特的创作方法,及其创造出的与其他视觉艺术所不同的视觉效果。同样,数字化的艺术特征也必定是来自于数码视觉技术所创造的不同于其他视觉艺术的视觉效果。

一、图形与创作的规则性

从计算机图形的物理属性来讲,数码绘画作品是一种非物质性的程序语言,它没有重量和体积,所有绘制的图形都由0和1两个二进制代码虚拟构成,但在视觉上是可感知的。我们利用数码视觉技术进行数码绘画创作,必须通过各种数码绘画软件,例如Adobe Photoshop和Corel Painter等。而这些数码绘画软件在本质上都是由软件设计工程师用计算机语言编写的程序,它的工作要按设定的程序办事,因此在它所产生的计算机图形和数码绘画的创作过程上,就有了非常明显的“规则性”数字化艺术特征。

这种规则性首先体现在图形的绝对精确化。比如用图形软件画出的正方形之类的几何图形,绝对是精确和均匀的,与用传统媒介绘制的图形相比,缺少了手绘自然、随机化的特点,更多的是体现现代主义设计概念中的“机械美学”。再如Photoshop软件中的各种滤镜效果,貌似是一种偶然而随机的效果,实际上滤镜效果对画面的影响程度要通过创作者对参数的调节得到,并且影响的程度绝对均匀;其次是创作过程的绝对程序化。例如利用三维设计软件绘制物体材质,所有的材质必须先做成平面图片,然后在包裹在已经建好的物体三维模型上,再通过修改影响材质的参数来调节它的受光度、平铺的密度等,最后通过渲染器来渲染最终的二维效果图,先后的次序不可颠倒,而传统绘画的创作过程相对来说就比较自由。

正是数码技术的这种规则性,体现了数码绘画艺术独特的媒介技术美学特点。当然,这种规则性容易导致图形和创作过程呈现出僵硬呆板、缺乏生机的“机器”味道,艺术趣味明显落后于传统绘画作品,使得数码绘画很难在艺术的殿堂里与发展成熟的传统美术相提并论。对于这一点,不仅仅艺术家和观者意识到了这个问题,数码绘画软件的开发者也在通过软件的更新换代解决这个问题。近年来,随着计算机软硬件的发展,数码绘画作品中机械化的痕迹逐渐减少,以至于现在有些数码绘画作品,乍看之下已经和传统绘画作品难以分辨了。

二、视觉的模拟性和色彩的数字性

数码技术在计算机设备中是以二进制代码进行运算的,再通过模拟现实图形显示出来,这使得数码技术可以模拟任何现实当中的笔触效果,如油画、水彩、色粉、钢笔、铅笔、水墨等,并将不同笔触风格完美的结合起来,使画面效果更加丰富饱满。我们可以在一些作品中看到,在专业的数码绘画软件中,还可以通过模拟真实画笔的笔触方向、湿度等特性,来更真实地模拟传统绘画的审美特点。

现实中的色彩差异和明度对比,数码设备是通过显示设备,以像素为单位在屏幕上用不同的明度、纯度、色相来模拟的。在数码设备不断发展的今天,已经拥有高达数千万像素的显示工具,例如苹果公司不久前推出的“视网膜”屏显技术,已经逼近人眼分辨程度的极限,这使得数码绘画的清晰程度超过了以往所有的绘画艺术形式。

再来看数码绘画中色彩的数字性。计算机提供的色彩和传统的颜料是有区别的,有经验的人可以分辨出大约13000种颜色,而传统绘画中的色彩是通过减色法获得的,颜料混合的次数越多,色彩的明度和纯度就不断地降低,因此有很多种人眼可以分辨出来的颜色无法调出,也就是说传统绘画不能表达出自然界中人类能分辨的所有颜色。而电脑屏幕的色彩是通过RGB三原色的加色原理混合后获得的,现在一般的电脑屏幕都能显示24位色,也就是能显示16777216种颜色,这已经远远超出了人眼可以分辨的色彩范围,足以真实地还原出自然界的各种色彩,因此数码绘画的色彩表现力大大超过了传统绘画。因此艺术家在用数码设备绘画的时候,可以完全不用考虑现实中的颜料问题,可以只以视觉的需要为原则设计画面,只要你能想到的色彩都可以达到,这种色彩比现实颜料更纯净,没有杂质,当然前提是要看创作者对这种计算机色彩的理解程度如何。这就是传统媒介所不能比拟的数码绘画色彩的数字性。

三、表达的虚拟现实性

上文我们谈到了数码绘画视觉的模拟性和色彩的数字性特点,由此自然就导致了数码绘画艺术的第三个数字化特征,即“虚拟现实性”。

“写实”曾经是西方古典绘画所长期追求的一个主要目标,从亚里士多德在《诗学》中提出“摹仿说”到20世纪照相术发明,还有不少人在追求“超写实主义”又称“照相写实主义”绘画,试图以手绘的画面产生只有照相才能产生的逼真效果,其复杂的写实技巧令人拍案叫绝。随着数码绘画艺术日趋成熟,其精确的造型能力和丰富的色彩表现,使得数码绘画能够更加逼真地摹仿自然影像,艺术再现的真实性因数码绘画的诞生而达到了一个崭新的高度。

此外,CG艺术通过各种技术手段表达对于现实和超现实世界的各种艺术遐想,可以更好地拓展表现对象。数码绘画艺术的表达方式在前面提到的写实之外,可以跨越更广阔的想象空间进行创作。近年来不断发展的三维技术,使得数码绘画的表现更具有冲击力。数码艺术家可以完全凭借自己的想象来创作现实中不存在的虚拟物品、场景甚至生物,还可以虚拟改变历史和未来的各种饱含创作者想象力的场面和情节,更加刺激人们精神世界中的种种幻想需求。科幻、魔幻等题材越来越成为常见的表现内容,其多元化的表现方式则更为丰富。虚拟现实所具有的对感官世界的强大的冲击力成为艺术创作表达的新追求,它为人类创造出对包括摄影在内的传统媒介来说不可能实现的视觉形式,提供了一种全新的视觉感受,也构成了它自身独特的数字化美学特征。

四、网络艺术的交互性

网络时代的数码绘画艺术还有一个最为重要的特性,那就是交互性,包括人与数码设备、人与人、数码设备之间的交互。数码绘画艺术是典型的数字平台,它完全打破了时间与空间的限制,多元化、跨媒体,可迁移性强,使大众、艺术品、艺术家可以紧密地联系在一起。交互性给数码绘画艺术的观者带来了全新的艺术体验,也广泛影响了大众的审美与文化观念,让大众不仅是在“欣赏美”,同时也在“创造美”。

篇4

一、书法艺术并非抽象

何为抽象，本意乃是指人对客观世界的认识思维的一种过程。在艺术中，有意义的抽象无非是指那种无确切内容的生动形式而已，我们亦可称之为抽象的形式。再看书法与抽象之关系。中国的书法离不开中国的文字。从表面上说，文字似乎是属于主观意识的东西，其实文字一旦创造出来就已经成了具有具体形象的客观存在。草书无论其怎样龙飞凤舞，总离不开原来的那个字，而每个文字的草法都有一定的法则。同时，任何书法作品都表达某种确定的文字内容，作者在书写时总是选择与他需要抒发的感情相一致的文字内容。故而结论是：任何抒发作品都有确切的内容，抒发艺术却非抽象！

二、抽象形式之美与抽象美

书法本身虽不可离开文字，但人们在审美过程中可以离开文字内容。实乃书法是一种形式感极强，而其形式又有较大相对独立性的艺术。因而在欣赏过程中人们常将它作为一种“抽象形式”之美加以感受。

承认书法之“抽象形式”之美与承认抽象乃完全不同的两回事。抽象形式之美不在抽象而在形式！形式美之外的抽象美是并不真实存在的。

三、气韵生动的线

“气韵生动”是我国美学中代表书画艺术形式最高的美的标志。它既是创作的总要求，也是评论的总标准。所谓“气韵生动”就是具有生命之活力，运动之气势，音乐之韵律，感情之光环。而书法艺术之线，正具有以上特征。一言概之即“气韵生动”。以为它有生命的活力，故其生机盎然，变化无穷；因为它有运动的气势，故其元气淋漓，大气磅礴；因为它有音乐的韵律，故其金声玉振，跌宕隽永；因为它有感情的光环，故其赏心悦目，益人神智。

四、有感情的形式

书法艺术线的这种活力、气势、韵律，归根结底是为了寄托作者的感情，它们融为一体，“违而不犯，和而不同”。元陈绛曾在《翰林要诀》中说：“情之喜怒哀乐，各有分数，喜则气和而字舒，怒则气粗而字险，哀而气郁而字敛，乐而气平而字丽。情有轻重，则字之敛书险丽，亦有深浅，变化无穷。”这段话说出了线及其组合的变化，与书写者感情变化的密切联系，而“气”则是联接两者的纽带。因此，我们可以称这一点为有感情的形式。正是这种有感情的形式，使人感到愉快，舒适，振奋，得到美得享受，产生“振衣千仞岗，濯足万里流”之感。

由于书法的形式是一种有感情的形式。而人的感情无比丰富，人的性格千差万别，所以书法艺术对作者个性的要求是非常强烈的。清刘熙载说：“笔性墨情皆以其人之性情为本，是则理性情者，书之首务也。”我们常说字如其人，正是此意。所以可以说，没有个性的书法作品就不是真正的艺术。

五、实事求是对待书法艺术

人们在观赏书法作品的时候，虽然单纯从形式上也可得到美感，但若要了解其内容，甚至了解作者高尚的人格，就能收到更深刻的美的享受。我们必须正视和研究这种美的众多层次。例如在观赏岳飞写的诸葛亮《出师表》时，正是自然地把书法形式、文字内容、作者品格三者溶于一体，从而磅礴之气，爱国之情溢于胸间，这不是最高的美得熏陶吗？

可见书法艺术的美是多层次的，不能用一个公式来囊括一切。我们尽可能地希望有更多地在内容上形式上珠联璧合、相得益彰的好作品出彩。但不该认为文字上不直接反映当前显示内容的书法作品就不能为人民服务。要懂得审美本身就是一种教育。一种高尚的享受，它陶冶人的性情，纯洁人的灵魂。此外，书法艺术形式美的发展对于推动其他造型艺术也有积极而深远的意义。

篇5

【中图分类号】G？摇 【文献标识码】A

【文章编号】0450-9889（2014）01A-

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绘画作品的内在气势与力量、外在节奏与韵律之美主要体现在其艺术情感上。这里所指的艺术情感是画家在绘画创作过程中产生的、作为绘画创作动力和表现对象的态度和体验。这种艺术情感被很多画家视为绘画创作及绘画作品的灵魂。西方美学说，艺术是情感的符号。也有人说，艺术就是情感。因此，艺术情感在绘画创作过程中往往具有统摄作用，主要表现在以下几个方面：第一，艺术情感表达的需求构成了绘画创作的动力；第二，情感的再度体验构成了绘画创作的核心；第三，艺术情感是绘画作品中艺术形象的重要构成部分；第四，艺术情感引领着画家走向艺术的巅峰。由此，绘画作品在创作过程中，其艺术情感又具体表现出以下五个特征。

一、艺术情感的共性――原生态特征

从社会性考虑，人类的情感可以分为追求自由的情感和扼杀自由的情感两大类。绘画创作正是一种追求自由的活动，它不完全受社会道德规范的制约，人的很多愿望都可能在绘画创作的虚幻体中得以客观化地“实现”。由此得出，崇向自由、追求自然是艺术情感的根本性质。艺术家在绘画创作中，能拥有更大的自由，获得更多新的价值、新的方法。另外，绘画创作是一个完整的行为过程，个体是这一行为过程的主宰，绝少被外界干涉，因而具有较大的能动精神，有利于个人创造力的最大发挥。在这一行为过程中，艺术家还必须创造性地解决问题和熟练地运用技术，这样，才可以超越自由度和能动性，获得强烈的创作意识和情感表达。

从绘画的本质上来说，中国的传统文化是有别于西方的，中国的审美情感也区别于西方社会，如同样以水为媒介，中国水墨画重气韵，西方水彩画重光影，二者的不同从绘画的诞生就已经形成，虽然二者可能走过相同的一段路，如原始绘画时期，但发展的终点不同，结果也不尽相同。

二、艺术情感的差异性――个性化特征

艺术家个体发展过程的不同影响着艺术家的个体性格，而个体性格又深深地影响着艺术家的艺术作品，情感的个性特征即画家的个性特征。艺术情感是绘画作品与个人感情合二为一的情感，作品中富含的思想和作者的情感是融合为一体的，因为认识与情感不可分割，思想支配和制约情感，对情感起支配和制约作用。

由于情感主体的差异，对同一题材或相似构图的作品，不同画家对绘画对象的选择不同，创作的风格也会不同。在2010年“流水欢歌――中国水彩名家广西写生活动”中，我们发现一个有趣的现象，画家在写生中往往三三两两的聚在一起画画，但是绝对不会出现一模一样的构图。大家在面对同一个场景时，各自的兴趣点各有不同，如周刚老师对房子比较感兴趣，而刘永建老师则偏好竹林大树。画家们的表现手法也各不相同，李绍忠的淋漓、周刚的凝重、郭宁的洒脱、刘永健的稳重……他们的绘画风格深深地融合了自己的审美观念，并把对生活、对事物及对人物的情感体验融入自己的作品中，而有相似性格、生活经历的人则更容易产生共鸣。

个人性格作为艺术情感的主要特征，影响着绘画作品的表现主题。一般来说，每个画家都有一个比较固定的绘画表现题材，如徐悲鸿的马、郑板桥的竹、黄格胜的桂林山水、黄胄的新疆风情、刘文西的陕北情怀……这些主题都与画家的性格和成长经历有关，不同的情感就有与其对应的绘画题材。个人情感形成的最大因素来自家庭，如米勒出生于农民家庭，其对农民、农村有一种深厚的情感，在欣赏农民、农村题材的艺术作品时就会产生强烈的共鸣。性格也是决定题材选择倾向的主要因素。从性格的内向和外向两大类型来看，一般来说，性格外向型画家多以室外的人物、场景或风景等气氛活跃的元素作为其创作内容，如莫奈、雷诺阿、黄格胜等。而性格内向的画家则更喜爱表现室内静物、人物或抒情性的风景，如勃纳儿、维亚儿、刘寿祥等。例如勃纳儿的大部分作品都以家人、浴缸及宁静的风景为表现内容。从勃纳儿的生活日记中我们可以看出，他很少与人交往，喜欢一个人在乡间孤独的生活而不喜欢热闹。

三、艺术情感的地域性――风格化特征

人从出生开始，便置身于地理环境、社会文化和家庭之中，并受传统文化的熏陶。地域民族的传统风俗与文化对个人性格的影响伴随终身。不同文化的民族有不同的道德理想、价值观念、生活方式和气候条件，而这些都会在人的性格上打上烙印，对于艺术家们表现得更为强烈。

地域气候可以影响一大批艺术家的性格情感，一方水土养一方人，一方水土有一群风格相近的画家组成的画派，如黄土画派、漓江画派、岭南画派等，这些画派都有着明显的地域烙印。从气候上来说，南北方气候不同南北画家的性格也不同，如北方人情感粗犷，而南方人细腻。笔者在西安美术学院和广西艺术学院这一北一南两所学校学习时总结发现，北方绘画作品大气恢弘，多以大幅面为主，南方绘画细腻柔美，多抒情。南北方作品各有各的风格，各有各的特色，这些特征不仅仅是地域，更是地域特征之上的南北个性情感的差异体现。

从民族思想来说，每一个民族都有其势力范围，这决定了这个地区的人的精神层面建设，世界上每一个民族的文化各不同的，每一个民族的绘画艺术都有各自鲜明的特点。如中国水墨气韵生动，西方油画精致，埃及壁画的历史性，非洲土著的原始粗犷……这些鲜明的特点不是一朝一夕就能形成，而是经历了上千年的文化积淀。一个民族的艺术个性是由这个民族的心理特性所决定，是某个地域民族的普遍的社会审美心理特征。不同民族地域个性的差异与环境的不同形成了个体带有民族性的独特的性格特征，最终深深地渗入到各自的绘画艺术创作中，形成个人独特的风格特点。透过塞尚的作品《圣维克多山》我们可以发现，他孤独而固执，倔强却又充满自信；而法国的米勒长期生活于农村，他热爱农民，其作品具有淳朴的农民性格和气质；毕加索豪放大胆、个性强烈的绘画风格，来自于热烈、狂放、强悍的西班牙民族性格。因此，笔者认为，盛行于一个地区的艺术作品是有深深的联系的，因为作品作者的个性都是在这个地域孕育出来并受社会和家庭的影响而形成。如中国传统美学思想是被中国的传统文化深深地影响着的，同时具有儒家、老庄以及禅宗的哲学思想，重视和强调人与自然的统一性，主张天人一致，天人合一。这种审美观崇尚“神似”，讲究艺术要有情感的表达。这种美学思想贯穿至今，到了开放的社会主义的今天，依然主导着中华大地上的艺术家们。

四、艺术情感的时代性――历史特征

艺术情感是一定历史时期的个人情感，即艺术情感既是社会历史内容的情感，又是个人的独特的情感。在同一个时期，社会因素影响画家的性格，画家的作品反映社会生活，艺术情感具有时代性，艺术作品也被称为“凝固的历史”。阿恩海姆认为：“我们的视觉依赖于我们的视觉观念，既然不同的时代具有不同的视觉观念，那么不同的时代自然也就呈现出不同的视觉面貌。”从绘画创造的角度来说，艺术品不仅是个人绘画的创造，更是时代的产物。绘画作品不管是什么样的风格样式、艺术手法、思想内容，都不可避免地印上时代的痕迹。如意大利文艺复兴时期的人文主义思想诞生了米开朗基罗、拉斐尔等大师的艺术风格；19世纪后半期，物理学光学取得了巨大的进步，产生了“印象派”用科学方法分析景物微妙色彩变化的绘画风格。

从艺术作品的欣赏环境来说，绘画作品随时代的变化而变化。同样的作品在不同的年代有着不同的意义，同样的艺术作品在不同的民族得到不同的回应，这些都是在上千年的时光中形成的。比如石涛的美学思想产生于明末清初，当时我国的封建主义已经发展到了晚期，随着资本主义生产关系的萌芽，带有启蒙性质和民主主义色彩的哲学、文艺思想也同时发展起来。在文学创作上，出现了“诗何必古选，文何必先秦”的大胆思想，思想家们极力提倡要充分表达作者的个性，坚决反对用前人的规则来束缚今人的创作，认为好的艺术作品都是任性而发。他们反对封建礼教，抗议“礼”对人的真正情感的压抑和摧残，反映了要求尊重人的情感，摆脱封建礼教束缚的强烈愿望。这种具有民主主义色彩的反传统的进步思想，与当时社会的民族矛盾交织在一起，以一种特殊的形态表现出来，不仅内容极其丰富，更强化了反抗精神。石涛的美学思想正是明末清初这一特定历史条件下的产物，是适应社会民族矛盾和阶级矛盾交织、社会商品经济发展、资本主义缓慢成长和社会民主主义思潮逐渐成熟的历史需要而产生，这也是石涛美学思想具有强烈的反传统战斗精神的根本原因。

五、艺术情感的延伸性――再生性特征

艺术情感是一种再次体验的情感，它包含理解感情的全过程，即理性地理解情感，然后将这种理解贯穿绘画创作，并指导整个绘画创作过程。绘画贵在创新，创造是绘画的生命，将想象变为艺术现实是创造；将心象经过绘画和制作得以呈现是创造；将客观现实对象转化为艺术形象的写生，并使之形式获得完美，也是创造。绘画的创造就是将现实中的对象升华为艺术的一个过程。

篇6

关键词：矢量图形；表现特征；模拟；装饰；综合；随机

中图分类号：J2-39 文献标识码：A 文章编号：2095-4115（2013）06-25-3

数字绘画艺术是指通过各种绘图软件进行艺术创作而产生的数码艺术图形，根据成像模式不同分为两大类：一类是矢量图，另一类是位图。以矢量处理的图就是Vector（矢量图），也就是“图形”。以像素拼合组成的图像即Bitmap（位图），也就是“图像”。虽然在某种程度上这两种图像是可以相互转换的，但在本质上具有截然不同的特性。矢量图形是用数字来描述画面中的特定曲线即路径线，通过对路径线的编辑、制作形成的各种图形。因此实质上矢量图形是一系列的数值，这些数值决定了图形在屏幕上的显示方式。艺术家就是运用矢量软件这种独特的技术表现，制作出独具魅力的矢量图形。

近年来，随着技术的进步，表现力的提升，矢量风格大行其道，无论是商品包装或是品牌宣传，矢量图形无处不在，俨然成了视觉传达领域的新宠儿。它正以自己独有的方式感染和引导着人们的精神追求和视觉审美。因此，通过对矢量图形艺术表现特征的研究，开拓其独特的创作空间，提高它在现代社会中的视觉表现力，具有重要的艺术价值和现实意义。

一、精准化轮廓构建超真实模拟

矢量图形的“模仿”功能是令人赞叹的，这种“模仿”有两层含义。

第一层含义是“仿真”，是指对“真实”的模仿。因为矢量图形本质上是看不见的数字符号，最基本的视觉元素即是路径线和其形成的面的组合，但是这些数字流通过视觉元素在画面中生成了具有光影、色彩、肌理、三维等感觉特性的视觉对象，运用人们的视觉经验，最终描绘出客观存在的各种事物。矢量图形中对真实感的模拟并不像绘画那样直观、自如，它是通过路径线生成的许多切割面的叠加而逐渐形成的。因此矢量图形的“真实”实质上是对视觉经验高度概括后的再度表现，它的模拟是一种更加纯粹的描绘。凭借着精确的计算结果，呈现出的是清晰的边缘处理和锐利的轮廓线，能真正体现出丝丝入扣的精准，通过刻画入微的细节，对真实感的准确描绘，将不可能性模拟还原出来，清晰地呈现在大家面前，这种真实是超越了影像资料和视觉经验的，往往能刻画出人的肉眼视力所不能达到的清晰度和精确度，使拟像比原作更真实，更深刻，让体验者感受到超出常理的视觉经历，在满足了新奇的视觉体验的同时，也运用软件技术提供的一切可能，重新创造心境中的世界，使审美幻境无处不在。图1是一张眼部特写，无论是眼部的结构还是光影的反射都惟妙惟肖：光洁自然的皮肤过渡，眼球上隐约可见的红血丝，甚至连每一根睫毛的生长都清晰可见。无论清晰度还是视觉角度，在生活中、在摄影作品中都很难达到，但是通过矢量图形的细心描绘却活生生地展现在我们眼前。这不得不让我们感叹矢量图形在模拟性上的表现力。

第二层含义是对其他艺术形式的模仿。矢量图形在绘制点、线、面等基本造型元素上有着自己的特点和优势，它们不仅可以点、线、面互换，而且可以随时通过路径线进行调整和修改，一些在手绘中比较繁琐的过程在矢量图形软件中却能轻松完成，不但在技术上十分优越，在视觉上也更显精致。无论是造型复杂而色彩单一的传统图案、剪纸、白描和版画，或是对油画、水彩等具有明显笔触特征的绘画形式，虽然在观念上、表现手法上继承了其他艺术形式的语言特征，但通过矢量技术的处理，使模拟、创作出的作品同时具备了两种气质，即传统的艺术风格与流行的表现形式相结合一一其构图和造型是传统的，而展现给观众的是洁净、单纯的矢量图形风格。

二、规则性简化构建装饰性审美

追求视觉秩序是人的天性，数理与美的观念在世界文明的早期已经十分发达。贡布里希在《秩序感――装饰艺术的心理学研究》一书中指出“审美来自于对某种介于乏味和杂乱之间的图案的观赏。”对“乏味和杂乱之间”的这个度的把握，就成为我们制作有美感的物品的一项基本能力。

矢量图形是由数学对象所定义的直线和曲线组成，极其精准。这种技术来源使矢量图形形成了规则性展现，如均匀、有序的渐变效果；规则、准确的几何图形；无限重复、堆砌的元素等等。许多矢量插画作品就是以一个单元形为基础，进行有条理的复制、拷贝，通过变化图形元素的大小、颜色和角度等方法，在视觉上追求统一中有变化，规整中求新意，无论画面有多么的眼花缭乱、复杂繁琐，这种图形元素中所含的视觉构成，即使脱离了元素本身，也一样与元素有着形式上的联系并具有强烈的次序性和规则性。另外，矢量图形运用技术优势，擅长将表现对象程式化，如把自然对象平面化、概念化，对光影、质感、颜色等真实因素进行简化，运用重复、对称、对比、添加等装饰手法使画面显现出一定的形式美感。如图2，作品将人物的头发概念化处理，运用平涂、饱和的色块，明确、细致的勾边，配合重复、连续的花卉图案描绘整个画面，把矢量图形的装饰性视觉特征发挥得淋漓尽致。

总之，矢量图形其独特的规则性造型法则，有着独具价值的造型潜质。许多艺术家充分利用了这个特点创作出许多节奏感强烈，极富装饰韵味的矢量作品。

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关键词：灵感来源创作思维积累展现

1灵感源于生活

画家必须深入生活，随时留心观察自然景色、周围环境、各阶层人物、各民族风情、各种建筑、社会现象、特别是人情世故、风俗习惯、历史渊源等。将这些观察、感受、分析、研究的信息储存在脑海中，形成许多艺术显现，成为日后创作的积淀。伴随着创作思路，逐渐从已有的积累中迅速地搜索出有关信息，并将其范围逐渐缩小，向创作思维靠拢、逼近、诱出若干思想火花，当突然爆发出一个偶然的奇想时，点燃了整个思路而突然贯通，形成灵感。这就是灵感产生的过程，生活中看到的景物，有的当时没有引起我的注意，有的是一时没悟出合适的表现形式。在冥思苦想进行创作的构思时，这些潜藏在脑海深处的东西，在翻阅速写的偶然启示下，会突然爆发出来。如果创作时没有真实甘受，就应该放下画笔去感受生活，等充实后再回到画架前。生活是艺术的源泉，也是灵感的源泉，一切灵感都是生活经验的产物。所以说生活的积累是产生灵感的基础源泉。

2灵感源于文化底蕴

艺术各门类是相通的、交叉的、互动的，文学、诗歌、绘画、音乐、雕塑、舞蹈、建筑都有相互融通和渗透的界面。文学的美和境界有助于提高绘画的品味。诗歌与绘画更是关系密切。唐代大诗人、画家王维的作品既是诗中有画，画中有诗。音乐中的标题音乐如贝多芬的田园交响乐既是音画，以音乐语言表现田园风光。雕塑的表现手法也与绘画有许多相通之处。舞蹈也是一种造型艺术，生动绚丽的舞姿是绘画的丰富素材。叶浅予的画表现舞姿最为传神。建筑艺术中的对称、高耸、曲线、直线的协调、凝重、流畅等要素对绘画都有借鉴价值。作为一个画家，要对文学、诗歌、音乐、舞蹈、建筑等学科都要涉猎，加深研究以拓宽自身的文化底蕴。

3灵感源于勤奋

灵感只是创造性活动中认识的飞跃和升华，他只是提供了解决问题，取得成功的契机，起到催化的作用，并不能代替整个创作过程，还需要付出创造性的劳动，画家的成长必须经过艰苦的学艺过程。齐白石画鱼虾经常每日观察鱼虾的动态。刘海粟曾遍游国内名山大川，在自然环境下作画，年逾九十仍上黄山。通过长期观察、临摹、体验、耳濡目染，自然而然地掌握画法的奥秘，达到浑然天成，出手不凡。无论走到哪里我都喜欢手拿一个速写本，记录自己喜欢的人与物，在创作时也多了很多素材和灵感。俄国大画家列宾写到：“灵感是对艰苦劳动的奖赏”。柴可夫斯基也说过：“灵感是这样的一个客人，他不爱拜访懒惰者”。所以没有勤奋就难以产生创作灵感。

4灵感源于独立思考

画家的作品所表现的是自己独特的思路、见识、表达和感受，是具有个性的产物。因此，不能止于摹仿名家、名作。要从大家的作品中吸取营养，经过消化吸收，依自身的人生观和艺术感触来进行创作，独立思考才能触发灵感。深藏的苦难岁月刻记跃然画上，是源于画家对生活的深切感受和想象的迸发，突出其个性；是源于心灵的再创作；是思想、理念、观察和情感结合后的升华；是超越自然物表层向提炼出来的更高层次的情感倾诉。

5灵感源于个性

“个性，从广义讲是一个人区别于他人的稳定的、独特的、整体的特性。”它包括一个人的性格、气质和能力等。画家的个性不同，他们对生活的兴趣、关注点也不同，对生活的感受、心理体验也不同，所表达的思想、情感也不一样，灵感的形成和产生也有很大差异。绘画创作灵感的激发和降临，因人而异，因个性不同而有别。一些画家在创作实践中，形成了一些独具个性的、易于激发灵感降临的习惯和癖好。当然，不是所有的画家都有此类习惯癖好，在一定条件下，同样可以获得灵感。个性对画家的创作灵感、作品风格虽有很大影响，但个性不能决定画家的社会价值和艺术成就。无论何种类型个性的画家，经过主观的艰苦努力，都有可能达到艺术高峰。

我喜欢在风景中散步，散步是我在创作灵感与生活之间自然架起的一座桥梁，会使我在平静的心态中感悟周围生活，可以使灵感在有意与无意之间获得，我认为灵感不是刻意求得的，也不是常在无意识状态下偶得，它是在有意中追求，在松弛的无意识状态下产生，当对生活的感受多起来后灵感也就随之产生。在北方很多美丽的风景是我无从想象的，阅历的浅薄限制了创作灵感的来源，更无法展开想象的翅膀，所以说灵感是源于对生活深刻的感悟和阅历的积累。

有时灵感也会来自于偶然，在某种特定环境下，面对某种物体，经过巧妙的结合达到理想的效果。我开始迷恋丙烯画也是很偶然的巧妙结合，做油画底用的丙烯与水相溶，竟然出现了意想不到的效果。经过反复推敲实践形成了一种风格，一种特定的符号加上一种能够体现自己个性的表现方式。

6灵感源于知识的积累

灵感不是凭空制造的要多读书、多进行知识的积累。当知识的积累达到一定程度时灵感的火花就会迸发出来。

灵感来自于多方面，要善于挖掘善于捕捉！

世界各国的绘画都是自然地理、人文、宗教、历史背景下的产物。是与世界观、价值观、哲学观和思维方式相契合的。我们学习西洋画法，要进行消化、辩证吸收、借鉴和融通，将优秀的、具有特色的因素与我国固有文化相结合。将国画的立意、构思、布局、取景、意境、远近、疏密、繁简、浓淡、深浅等章法与西方绘画的立体表现、投影、光彩折射、光度变化等手法以及对物象、形象、心象、意象及幻想的结合方法溶于一炉。达到东西方交融；古典与现代的融通；理性与情感的统一、科学与艺术的契合；这就大大提高了绘画艺术的展现力。升华成一种全新的绘画技法。

画家是通过绘画语言和表现技法来抒发对画的哲学思考、理念、深度和意境。绘画的表现技法在不断地改进和更新。绘画底料材质的改进，画笔、颜料的技术进步，与之相适应，技法也随之有所更新。中西画都有其基本理论、章法及技法。比如说：国画的画论及画谱等。西方画的线条、投影、透视等。在实际运用中，各画派又有着自己的侧重点及特色，形成多彩纷呈。表现技法基本功的勤学苦练就显得十分重要。布局、笔触、着色、光度以及表达内在情操的深度等都需要日积月累地练习。就和小提琴家天天练指法和弓法一样。绘画表现技法基本功的深化和积累可以帮助画家发现思想潜意识中的可燃点，从而增加了突发的灵感所诱燃的机率，增加了灵感出现的机会。

参考文献：

[1]苏和.论油画创造力的思维灵感与表现形式.南京艺术学院学报，2001，01.

[2]赵九杰.生活灵感状态——浅谈油画风景创作.美术研究，2000，02.

[3]现代汉语词典.务印书馆，2002.

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关键词：绘画艺术治疗；自闭症；团体绘画；自发性绘画

自闭症儿童作为一个特殊群体，是当代儿童发育障碍问题中一个越来越重要的问题，也是在各类残疾儿童中增长速度最快的一类。根据国内现有的研究，中国自闭症儿童在40万到100万之间。随着医学和心理学的不断发展，自闭症的研究也将成为热点问题。本文重点探讨通过对自闭症儿童的绘画艺术治疗，促进自闭症儿童心理发展的可行性；并提出通过绘画艺术治疗，对自闭症儿童进行康复治疗的思路。

一、方法的选定

儿童自闭症是以交流障碍、语言障碍和重复刻板行为三联征为特点的精神疾病，无论从成因、发展方式和治疗手段与成年人的自闭症都有很大区别。绘画艺术治疗是在艺术治疗师的协助下，实现透过艺术创作表达存于内心而未表达出来的思想与情感。绘画对儿童来讲，是一种最初的语言，一种最自然、最直接的讯息传递，是儿童表达自己的最重要途径之一。它不需要依赖于日常语言，绘画过程本身有助于自闭症儿童情感的抒发和情绪的宣泄，促使其心理因素的健全、和谐发展。

二、研究过程

2.1研究对象分析：在太原方舟自闭症康复中心选择60例自闭症儿童，其中男56例，女4例。对入组被试的家长及老师详细和完整地说明本次研究的内容和意义，获得自愿参加研究入组病例儿童的家长和老师的书面同意。

被试组纳入和排除标准：①年龄4～13岁；②孤独症儿童行为检查表（ABC）评分分≥53分；③完全符合美国《精神障碍诊断和统计手册》第四版（DSM-VI）规定的CA的诊断标准；④排除精神发育迟滞、Asperger综合症、儿童少年精神分裂症、选择性缄默症、特定感受性语言障碍、强迫症、Heller综合症等其他广泛性发育障碍等疾病。

2.2干预前后测量：要求干预组与对照组各30例，两组干预前后均接受儿童孤独症诊断量表（由精神科医生完成），孤独症儿童行为检查量表（ABC），儿童孤独症评定量表（CARS）的评定工作。

2.3干预实施：干预组接受团体绘画艺术干预活动，在相同的时间里，不控制药物治疗措施；对照组接受其他的干预治疗。干预组被试分为5个人一组，共6个干预小组。每次团体绘画艺术干预时间在90～120分钟之间，每组每周实施两次团体绘画艺术干预，共实施15周，总共为30次。

实施内容：①先通过热身练习，使自闭症儿童有机会熟悉绘画艺术疗法，激发起他们的兴趣，帮助降低儿童对绘画艺术治疗体验的敏感性，使自闭症儿童能够放松下来全身心的投入到治疗中，将思想和情感尽可能的表达出来。②通过创作不同种类的肖像和自我象征的过程让自闭症儿童注意力调节到他们自身、他们的外貌、体型和态度。使他们对自己的行为、动机及与他人的关系有更深的领悟。在这样的过程中，团体成员的反馈对儿童至关重要，经常可以让他们认识到平常被忽略或否定的部分。③画不同的场景来探讨自闭症儿童的情感与情绪的健康状态。④自闭症儿童通过自发性绘画，用非威胁性的方式表达出他们的问题、感受、恐惧、期望和关注，以此挖掘内在的无法表达的潜意识内容。⑤团体绘画有助于探索和提高社会化及沟通技术，从而使团体成员在交往上有所改善。儿童可以研究自己如何与他人互动，以及他人如何与自己互动。在进行团体绘画中，个体的角色往往与其在家庭或其他社会关系重点角色有关。团体协作的威胁性较个人创作低。

在治疗过程中，让儿童尝试了使用各种纹理的材料，对所选材料必须具有肌肉运动知觉的、视觉的、或者是嗅觉的吸引力。对各种材料进行感知、推动、拉扯、挤压，从而鼓励和支持儿童发展前运算能力。将绘画与其他艺术形式结合起来，给自闭症儿童带来更广阔的创造性表达的领域。如将音乐与绘画相结合，增强感觉刺激和思想感情的表达。

三、讨论

通过绘画艺术治疗，使大部分的自闭症儿童直观能力和观察能力得到了一定程度的提高。通过直观与言语的整合，把语言同事物形象统一起来，提高自闭症儿童的语言表达能力，引导他们由浅入深，从感性认识向理性认识过渡；对自闭症儿童的美术作品进行充分肯定和鼓励，使他们能够有更多的自我表现机会，展现其独特的表现方式，促进创造力的快速发展。通过听音乐作画，创造不同的情景，开发自闭症儿童的思维和想象力；通过剪，撕、粘、捏、折等肌肉运动的活动，促进感知觉的发展；在绘画艺术治疗过程中，通过彼此间的互动，使自闭症儿童感觉自己并不是孤立的，自己是这个集体中的一员，将自己融入集体当中，培养自闭症儿童的适应能力和人际交往能力，有助于形成和发展自闭症儿童的健康的个性心理品质。在自闭症儿童的绘画作品中发现较少反映他人的生活，更多的是表达自己的内心感受。因此在团体活动中应重视共同分享作品，促进沟通，提高与周围的协调能力和责任感。

四、建议

针对自闭症儿童的早期干预和治疗，通过相关理论和实践经验，对绘画艺术治疗在自闭症儿童中的应用提出以下建议：

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关键词：莱芜梆子传统戏；艺术特征；社会价值

中图分类号：J825 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）11-0172-01

莱芜梆子传统戏经历了二百多年发展演变。从地方小曲发展到今天成为非物质文化遗产重要保护戏曲。发展过程满足了当时人们的文化生活需求，在戏曲发展中逐渐融入了莱芜地区的地方语言特点，生活需求、文化教育发展等诸多地方因素。逐渐形成了地方戏的民间艺术戏曲，其来源于群众，地域性强是人们生活中的娱乐方式之一，以广大群众参与为主，具有浓郁的民间传承性，莱芜梆子传统戏的发展在民俗学、社会学、人文学、文化艺术等研究领域中都有着重要的体现。

一、文化艺术特征

从莱芜梆子传统戏的艺术发展看，贯穿着莱芜地区的历史发展，融入了莱芜人民的力量，传统戏的发展离不开莱芜丰富的文化底蕴的积淀，造就了传统戏独特的民俗艺术文化，有着浓郁的地域性发展；从内容看，传统戏曲的内容涉及面较广，分为袍带戏和生旦戏，前者包含皇帝、爱国、清官、忠臣戏等内容，后者包含爱情、人生、伦理戏等内容，用戏曲的形式把社会各个层面歌颂真善美、鞭策假恶丑的社会现象具有社会娱乐性；传统戏的表现形式幽默风趣，大量运用民间歇后语，使语言通俗易懂乡土气息浓郁，有利于人们欣赏理解，加强了观众的观赏性；传统戏建国前共有324出，建国后演出的剧目共有158出，改变移植的传统剧目56出，包含了地方歌舞和说唱艺术形式，与当地人文风俗结合起来，大批的民间剧团成立，加强了地方群众的积极参与性；传统戏的流传形式从形成一直都是口传心授的形式，直到现在大部分民间剧团一直在沿用这种教授模式，自1956年剧团正式成立，才开始抢救性政策，剧团实行曲谱记录剧本。记录老一代艺人的戏曲知识，更准确的学习传统戏曲的精华，具有重要的传承性。传统戏曲独特的地方民间艺术唱腔，丰富了莱芜人民的生活，自2008年申遗成功，成为莱芜人民传承和保护的重要戏曲艺术形式。

二、社会价值

（一）从审美方面，任何事物的发展都离不开审美艺术，黑格尔“一部音乐作品的生命实际存在要靠每一次的重新演奏”。戏曲也是这样，戏曲创作者把他的审美思维转化为艺术作品，它的审美价值在戏曲中是一种潜在性的，通过观众欣赏转化为审美功能。传统戏内容来源于生活，包含社会发展各领域。通过戏曲的形式反映当时社会中人们的生活状态和对生活的不满和对幸福生活的向往。在旧社会人们娱乐的方式很少，戏曲的出现是他们娱乐的主要方式，通过戏曲传播，人们了解并接触审美，从传统戏中最主要的戏词、服饰、表演动作都与当地的方言生活相联系，莱芜属于北方，语言发音比较呆板、平直豪放，不像普通话那样柔和，戏曲语言与地方方言相结合，语言通俗易懂，动作简单易学，在保持了莱芜梆子传统戏曲的特点外，提高了人们的审美意识。传统戏曲的审美思想真实体现了当地社会发展。

（二）在文化艺术价值方面，艺术“是人们实现现实生活和精神世界的形象反应，也是艺术家知觉、情感、理想意念综合心里活动的有机产物。在社会生活尤其是人类精神领域内起着潜移默化的作用。”莱芜梆子传统戏经历了二百多年的流变，这种戏曲形式来自于人民生活，也对人们的艺术精神直接产生重要的影响。人们也通过戏曲形式反映他们对生活的美好向往。莱芜梆子传统戏是由当地民间歌舞演逐渐变而形成的，包含了多种地方艺术元素，高亢激昂的唱腔、地方方言与戏曲相结合，表现出了浓郁的地方文化艺术，形成了独特的莱芜地方民间戏曲艺术，代表了莱芜地方的音乐文化，具有重要的文化艺术价值特点。

（三）在教育方面，莱芜梆子传统戏的内容一般都是颂扬“忠、孝、节、义”方面的道德观，在观看过程中就从潜意识中形成了正确的道德观，形成了正确道德理念，戏曲是一种大众性的戏曲艺术，戏曲题材来自于生活劳作之中，内容丰富、人物刻画的生动逼真，反映现实生活。加强了人们在现实生活中的对错区分，传统戏表演形式风趣幽默，善于表现人们的生活，生动活泼的戏曲语言，巧妙的运用歇后语与风趣的打比喻，是传统戏剧重要的喜剧因素。传统戏说唱口语化、通俗化，贴近百姓生活真实的生活气息。在感情方面爱憎分明，农民的朴实豪迈的性格，形成对感情表达方式的直接性，传统戏曲中很多都是教导人们养成真确道德行为的戏曲，传统戏曲不仅丰富了广大人民的精神的食粮，更引导人们行为规范养成的典范。

莱芜梆子传统戏是旧时期人们娱乐进行交流的主要手段，在学习和观赏过程中学习，一方面丰富了自己的精神世界，另一方面增强了自身的艺术修养，促进了传统戏曲的传播与发展。

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1.绘画艺术的内容美

绘画艺术的内容美主要包括艺术作品的主题和题材，并可以将其理解为绘画艺术在正常意识形态特征中所具备的的审美内涵。绘画艺术所具备的社会性特征，可以归结为现实与艺术相结合的反映产物。并可将其内涵理解为对于社会的理性认识，在抽象的绘画作品中，内容美大多来自于艺术家的主观创造，还有许多主题不明确的作品，由于并不能表现思想内容，便属于“非主题性艺术”。在绘画艺术审美特征中，中西方绘画艺术由于受到的文化背景影响不同，绘画作品的表现内容也有差异，中国绘画在发展过程中，运用人物、花鸟、山水和肖像等意象，并始终保持着自身的独特性。而西方绘画通过对历史、宗教、人物和风景的影响，与中国绘画相比，传统西方绘画在内容美方面更为写实，而中国绘画则重视形象的类型化和概括性，并在表达思想内容的方面，重视运用象征和含蓄的意象，追求画外的绘画境界。在绘画艺术的审美特征中，中国绘画在内容上寄托着对于美的理解，而中国画的灵魂也正是绘画的内容美。中国绘画受到哲学影响，将神韵和意境作为中国绘画艺术中的最高境界。在绘画过程中，对于内容美的强化需要把握意与象的结合与运用，将神韵表现在艺术与现实的处理方面，从而连贯艺术构思与象征意境的发展，从而推动绘画艺术内容美的发展。

2.绘画艺术的形式美

随着绘画艺术的发展，人们也更为重视艺术作品的形式美，绘画艺术的形式美体现在形式结构的多样统一中，而绘画作品形式结构具体表现在构图方面，构图的原则是多样统一，并且让绘画内容中，取得统一，让艺术作品呈现出整体的和谐美感。与西方绘画相比，传统中国绘画，在构图形式上，通常会在画面上留下大量的空白，从而表达出淡泊的创作思想。在中国绘画的形式构图中，充分运用浓淡、疏密、宾主和虚实等形式，富有表现力的线条也正是绘画艺术的形式美之一，在世界绘画艺术的发展历程中，线条始终处于重要地位。线条随着绘画艺术的演化，更具有表现性、含蓄性和象征性。色彩作为艺术作品的重要因素，对于绘画作品往往起到关键的装饰作用，从而促进绘画作品的完美，而色彩也能体现出绘画的形式美。随着色彩运用方面认识水平的深化，色彩在绘画作品中国的作用也更为重要，在中国绘画中，色彩上的浓淡运用，也是画风演变的重大趋势。

二、个体的道德素养生成

道德素养作为社会意识形态的重要内容，也是个体在日常生活过程中的重要规范和准则。道德素养能通过社会舆论对日常生活起到约束作用，而道德素养的生成主要体现在主观和客观两个方面。道德素养的主观方面以个体的到的活动为中心，强调接受和认知道德素养的主观能动性，并表现在个体对于伦理行为等客观规律的认识、社会道德目的认知以及个体与他人是否符合道德标准的认知。

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华夏儿女在和自然抗争中，形成了自己的独特艺术情感，绘画艺术在这个过程中也逐渐的得到了发展，绘画的方式也越来越看重个人感受和内在心理的意象表述，用一定形式上的艺术方式表现人类的情感和心理感受。“道家”、“儒家”“墨家”思想传播也影响到绘画艺术的形式，古今传承的思想，创造了中国视觉艺术的意象思维模式。中国传统绘画基于“意在笔先”、“外师造化，中得心源”、“似与不似之问”等，并且加入了人类的生活思想，生活意境，让人们产生了对生活的想象和生活的寄托。中国绘画艺术重视的是意境，可以说意境是中国绘画的精髓所在，它是人类心理和物质的结合。

二、中国传统绘画对现代绘画艺术的影响作用

1.对意境的追求

中国的绘画艺术借助自然意境、意向、气息、神韵来表现出方式的写意和精神的内容。古人对笔墨的依赖和追求，组成了中国传统的思想，那对笔墨的热爱最终发展为中国传统绘画变现神韵的精神支柱。“笔墨”在中国传统绘画中占有着独特的地位，在整个中华艺术的发展中有着极其重要的作用。“笔墨”二字很难准确解释的词语，简单的来说就是指使用毛笔水墨在宣纸上画出一些圆形、粗细的线条、刚柔、疏密、急缓融合在浓淡、干湿、涨、渍、破等，同时还包括画家对中国绘画的感受和对艺术境界的认知和理解，以及画家通过这些笔墨培养出来的气质、内心和情感心理等，画家这些内心的种种因素都影响着作品的最终风格。水墨和色彩构成了中国传统绘画艺术，它强调流利自然的手法，不受限制，讲究意境。中国传统绘画是中国古老文化中的重要构成部分，笔墨艺术和中国传统文化精神两者相互联系，共同影响着中华人民的精神世界。

2.与现代技术的结合

我国的现代绘画吸收传统绘画和西方绘画的精华，可谓是“取其精华，去其糟粕”，而且在此基础上不断的创新。我们对现代绘画的理解要秉持着两个观点，第一，我们要突破时间、空间的限制，把它和它的时代相结合，从时代的角度看待绘画艺术，因为每一个时代都有它的“现代绘画”；第二点，现代绘画都有着独特的风格和形式，例如绘画受到新媒体、新理念的影响，改变着现代绘画的面貌。现代绘画为了彰显时代特征，多借用现代社会人总的精神特征。当代画家为了展示社会的真实特征，走进自然，贴近人民生活，通过人们精神和意识走进时代的文化环境中，作品只有用现代人的审美观念和时代精神相融合，才能展现出活力和创造力，只有符合现代人的创新观念，作品才能成为一种文化标志。纵观历史文化、艺术的发展，每一样文化和艺术的发展，都不会是孤单影只的，都是伴随着社会背景的演变而进展的。现代绘画艺术的大繁荣，促使了一批新的年轻的画家的诞生，他们善于使用客观的真实手法来画出社会中的多样主体，使现代绘画艺术更加的具有多样化和多变化的特点。从思维和感情上紧跟时代的脚步，让现代绘画在中国文化上更加的突出，更具时代精神。

三、结语

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关键词：综合材料；绘画技法；教学

1综合材料绘画在教学中的影响力

1.1综合材料是当代艺术的主要特征

20世纪以来，随着审美情趣的提升，越来越多的人将绘画作品的美感锁定在材料的运用上，这促使砂石、亚麻以及玻璃等新型的综合材料进入艺术的界限。在20世纪中期，材料之美和色彩以及造型被认为是衡量绘画艺术的重要参考指标。为此，艺术家们开始了对综合材料的探索和研究，使得综合材料的运用达到了顶峰。直至21世纪，当代艺术中综合材料的运用成为艺术审美的主要特征。

1.2综合材料绘画技法是当代教育的重要组成部分

综合材料绘画技法的运用对于教学而言，是一次新的挑战。它不仅仅是对艺术的强化，更加表现为艺术的原创性，赋予审美以新的内涵。随着科技的进步，人们对文明也有了新的探索，综合材料在绘画中的主体地位得到了很大的提升，由传统的媒介和载体逐渐向文化的方向转变，在中西方文化交流的过程中，综合材料绘画技法更是世界性的纽带，成为当代教育的重要组成部分。

2综合材料绘画技法在教学中的运用

2.1重视对材料的研究

在绘画技法中，造型表现是其最主要的画面因素之一，色彩凭借其强烈的感染力，也是组成画面因素的元素。在绘画艺术发展的初期，运用绘画材料本身来表现艺术的需要。然而，随着艺术家们审美眼光的变化，现代绘画教学不仅仅局限于纸张、颜料以及工具本身，更多的是将目光锁定在木材、丙烯以及塑料制品等方面。实践证明，这确实起到了良好的渲染效果，曾一度成为艺术节的宠儿。多种材料的运用不仅使得学生充分认识到绘画材料的多样性，在本质和特性上对其有一个了解，更重要的是，学生在使用综合材料的过程中或多或少地会吸收到其中的一些文化，对于中华文化的精华可以说是一次无形的继承，在沉淀中学习，在学习中发展。当然，教学的本身是让学生从客观的角度去认识综合材料的性质，而不是过主观意识的遐想给材料强制性赋予某种文化特征。此外，从建筑审美的角度来看，绘画材料从平面向非平面过渡，砂石、木材以及玻璃等也被运用其中。

2.2重视传统，关注现实

综合材料绘画技法突破了传统单一材料的局限，通过多种材料的运用，给人以一种视觉上的震撼，同时，当人们看到生活中的材料被应用于艺术形式，也是一种享受。材料是绘画的表现主题，是艺术的承载物，而材料本身就具有一定的价值，能够给人审美的感受，在艺术作品的教学模式中，更应该注重传统材料中所含有的精神内涵，如材料的起源、材料和中华名族的关系以及材料的发展历史等。所以，在综合材料的教学中，除了教授学生大纲要求的知识点之外，还应该在无形之中将其与中华文化融会贯通，使得学生在艺术欣赏中体验另一种美感。此外，艺术的创作应该结合学生生活中的实际经验和感受，综合材料绘画技法的教学不能与现实脱离，更不能一味地灌输艺术的思想，否则，创作的作品只能是单一而又孤独。所以，在真正的教学中，应该以中华文化为准绳，以生活经验为依据，以艺术审美为亮点，从而确保学生有一个正确的发展方向。

2.3强调中西绘画的比较研究

艺术没有国界。在综合材料绘画技法的教学中，还需要结合中西方绘画艺术，通过对比和研究，将两者巧妙地结合起来。就普通的绘画作品而言，西方强调焦点透视，即尊重近大远小的原则，只有一个焦点主体物，而中国的画面则有多个焦点，突出的是散点透视。此外，西方绘画技术强调的是立体感，将事物的本质表现在画面上，而中国则是强调一种神韵，留给人想象的空间。所以，两者之间的融合难免会给教学带来一定的挑战，但是，从长远的角度出发，中西结合的方式对于弘扬中华传统文化，吸收西方文化中的精华具有重要的意义。所以，在绘画技法的教学中，要打破中西方艺术分离的现象，将中西元素互相融合。随着艺术的发展，中西方的文化交流对于促进双方在政治以及经济方面的交流也起到了良好的推动作用。可以说，强调中西方绘画的比较研究，对于学生而言，是知识面的拓展和艺术修养的提升；对于国家而言，是中华五千年文化的衍生和传播；对于国际而言，则是相互之间的交流和合作。

3小结

综合材料绘画技法的运用是教学史上的一次革新，对于人们的艺术审美情趣也是一种提高。它综合了学生的生活经验、社会关系以及物质空间等方面，将艺术绘画效果发挥的淋漓尽致，在精神层面的表现上也更为生动活泼。作为一种创新的艺术形式，它承载着不一样的使命，相信在未来的发展中，综合材料绘画技法将成为艺术的主流。

参考文献：

[1] 许蚌.分解与实验：综合材料绘画技法在教学中的运用[J].安徽文学，2010（03）.

[2] 郑怡艳，郑铁宏.材料的研究在艺术思维中的作用[J].包装世界，2011（06）.

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关键词：现代装饰画艺术；视觉；语言

中图分类号：J525 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）29-0197-01

装饰画作为现代绘画种类的一种，其发展历程经历了几十万年，其中装饰艺术的原始概念可以理解为原始人将猎物牙齿做成项链，促进准艺术的产生而产生的。艺术的产生和发展都运用了装饰，让人们产生一定的审美情绪和审美表现。随着时间的推移，装饰画内容得到不断和创新，逐渐发展成为一门受人喜爱的公众艺术。特别是进入现代社会，经济的飞速发展对装饰画提出了更高要求的特质和精神，对装饰画的视觉语言提出丰富和创新的要求，促进了装饰画的种类增多和范围推广。为了进一步提高对装饰画的认识和运用，需要对装饰画是视觉语言进行深入研究，将装饰画的装饰作用与实用作用完美的结合在一起。

一、对视觉语言的认识

视觉语言是由设计原则和视觉基本元素共同组成的一套符号系统，是组成艺术品的基础，而设计原则是指艺术品创作中的互相对比、合理布局、和谐结构与统一平衡。视觉基本元素和设计原则是艺术家进行装饰画创作遵循的方法和原则，艺术家往往会根据自己作品的需求对视觉语言进行合理选择和准确适用，实现装饰画创造的合理性，提高装饰画的装饰作用，给人们传递特定的文化信息。

二、现代装饰画艺术视觉语言的特征

（一）独特的材质运用

材料作为现代装饰画的重要组成部分得到了广泛的运用，材料在装饰画中的准确运用对提高装饰画的色彩、肌理和质感都有积极作用。材质作为现代装饰画视觉语言特征的重要体现应该得到艺术家的重视，在进行装饰画的创作时要根据装饰效果的需求进行材质的选择和使用，运用合适质地的材质达到提升表现效果的目的。另外，艺术家在进行装饰画的创作要加强与人文环境的联系，最大程度的对居住环境进行美化，实现民众审美情趣的提升。

（二）独特的色彩美感

在装饰画艺术中普遍应用的一种色彩对比形式是补色对比，补色对比的运用可以提升装饰画的吸引力，在第一时间内将观赏者的眼光吸引住，为观赏者提供丰富的视觉盛宴。同时，装饰画作为造型艺术的一类，主要的表现语言是线条、色彩和二维空间。其中色彩作为装饰艺术中极具魅力的绘画语言，可以将绘画者的审美情趣和审美意象展现的淋漓尽致，在进行色彩的运用时可以采用自然色彩的运用方法，将要表达的绘画情感融入到装饰画的色彩设计之中，实现理性与感性的完美结合。目前装饰画中主要的色彩形式包括观念色彩、意念色彩和理念色彩，在不同的装饰画的中往往采用不同的色彩形式。另外，在运用色彩时要注重与内容的和谐统一，实现色彩与题材的呼应，为装饰艺术带来更具美感是绘画作品。

（三）独特的构图和创意

为了体现装饰艺术与其他绘画艺术的与众不同，往往需要绘画家具有新颖的绘画创意，从色彩、造型、画面和构图上进行大胆的尝试和创新，实现装饰艺术整体水平的提升。在现代装饰艺术中创意往往被作为考量绘画作品格调和内涵的重要标准，为此在进行装饰艺术的绘画构思时，艺术家要充分发挥自己的创造力和想象力，拒绝传统绘画理念的束缚，大胆的进行绘画形式的尝试，形成具有独特风格和绘画技巧的装饰艺术。另外，目前装饰艺术主要采用的构图模式是饱满型，这种构图模式是对传统构图方法是延续，实现了装饰艺术在传统绘画的基础上的再创造，具有极强的感染力。

三、对现代装饰画艺术视觉语言的创新

现代装饰画艺术的设计观念已经发生了翻天覆地的变化，展现了许多新的视觉语言特征，对装饰艺术的发展提出了更高要求，因此可以从以下几方面对现代装饰画艺术的视觉语言进行创新：其一，创新绘画的手段和形式。现代装饰艺术不在单纯的局限在平面内，逐渐在空间中得到运用，可以在创新装饰绘画艺术手法时结合雕塑的装饰手法，实现对装饰画艺术视觉语言的革新。另外，绘画家可以运用自身的表现技法进行装饰造型的创新让绘画效果更加完美；其二，对制作和材质进行创新。随着科技的发展和绘画理念的转变，需要对装饰艺术的视觉语言进行创新，引入新的绘画材质和制作手法，实现装饰艺术的进步。

四、结语

装饰艺术经过长期的发展和更新，已经得到人们的普遍认可和喜爱，特别是随着时代的发展和进步，现代装饰艺术已经不再等同于传统意义上的“装饰”，逐渐增加了独特的功能性。因此，研究者要加强对现代装饰艺术的研究，促进其视觉语言的进一步革新和完善。

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关键词：抽象艺术；文化特征；价值

1抽象绘画的概念

抽象绘画（Abstract Painting）是泛指二十世纪的一种绘画风格，它包含多种流派，并非是某一个具体派别的名称，它的形成是经过长期持续演变而来的，其主要的特征是为了脱离模仿自然的绘画习惯，从而划定与传统绘画的界限，打破绘画必须模仿自然的传统观念。抽象绘画是以直觉和想象力为创作的出发点，仅将造型和色彩加以综合、组织在画面上。尽管抽象艺术与写实艺术是那样的面貌迥异，但实际上两者有着一脉相承的内在联系，它们都是对客观世界的一种真实表现，从抽象的本质上来说，抽象更接近与对象的真实，它强调的是对象的本质特征和艺术的“真”。

2抽象绘画的文化特征

抽象艺术是西方艺术家反叛传统理性精神，扬弃模仿论建立起来的艺术观，是在艺术语言和表现手法方面进行大胆探索和实验的成果，要透彻了解这一点，就需要从其文化特征方面去分析。

2.1注重精神性的探索

抽象艺术家强调在创作中要以人为中心和主体，突出人的主观能动作用和创造价值，以人的存在方式思考并认识客观世界，逐渐淡化艺术的写实性而加强精神性的探求；同时抽象艺术家还特别强调画家主体性的最高层次，即精神方面的自我完善和自我实现。精神属于内宇宙、内自然范畴，它具有追求自由和反抗束缚的特征，因此，抽象艺术家结合自身的意志、能力及人格，运用独特的个性艺术语言和形式去体现精神。

2.2以抽象为核心的本体论思想

就抽象艺术家而言，传统的写实绘画形式，包括静物画、风景画和人体画，其技巧、构图等概念对他们来说可以完全不论。他们认为绘画的内容和目的就在于绘画本身。他们开宗明义地要构造一个非现实的、纯形式的和陌生化的世界。抽象画家克莱夫・贝尔认为：“艺术表达的审美情感不是来源于感性现实，而是在作品中由线色关系的组合所产生的意味。”这充分强调了艺术作品中形式的独立性和对“物象”世界的审美超越。抽象艺术家努力探索色彩、线条、块面和构图等形式因素，追求点、线、面之间的构成关系和颜色的对比与和谐，用心营造整个画面的节奏韵律、各种关系及整体的气氛。他们在绘画形式的创新、材料的开发、媒介的运用、个人语言的探索等方面取得了前所未有的突破。

2.3抽象艺术的审美价值观

西方传统艺术建立了一种统一的绝对的美的标准――真实和优美，而西方抽象艺术则致力于表现人的自我主观意志。应该说，抽象艺术除了表现美感，也同样表现怪诞、丑陋、痛苦和不安，从而使艺术创造空间和审美视野被大大拓展。艺术表现不再是一元的、单向的和唯美的，而形成了多元并存的艺术格局。传统艺术那统一而绝对的标准在抽象艺术面前失去了它的意义和评价功能。抽象艺术呼唤着重新建构新的评价标准――艺术中最有价值的东西不在于技巧和内容，而在于不断地发现和创新。用独特的方式去表达画家对生命的体验，其鲜明的个性意识和强烈的生命情调是抽象画家的精神内核。总之，抽象艺术强调了艺术家的本体地位与价值，强调了艺术自身的规律，强调了语言形式和表达方式。

3抽象绘画的价值和意义

抽象画从诞生之际就书写着与传统写实艺术迥然有别的文化态度、表达形式和价值体系。作为一种成熟的艺术体系，它的价值主要体现在以下两个方面：

在思想价值方面，抽象画的探索打破了许多限制，新思想加上新技巧、新材料，在艺术中引起新的表达方式，它让我们重新观察自己、重新观察世界，事实上，抽象画比以往任何时候都尽可能在更大程度上表现自我。它使我们意识到，艺术可以成为生命情感的组成部分；可以成为恣意的表达语言；可以释放对现实的反叛；可以张扬主体精神；可以抒发想象、直觉、潜意识和本我的力量。

在文化价值方面，从艺术形式的变革层面来说，抽象画拓展了艺术的形式疆界与艺术空间。画家不拘泥于技巧和模仿现实，在艺术观念、艺术表现手段以及艺术语言等各个领域发挥出巨大的能量。就审美体验层而言，抽象画致力于表现人的内心世界、注重个人的生命体验，同时关注艺术的视觉性和审美作用，抛弃了传统绘画的文学性和情节性。因此，抽象画构成了一种全新的审美形态和文化批判功能。

事实上，解读一幅绘画的意义，不仅有赖于绘画的内容、风格和手段，更多还要取决于观赏者的观赏态度。而观者，态度又是特定的社会情境的产物。所以，意义并不是恒定不变的固有因素，而是随着时代和社会的发展不断变化的。意义产生于创作者和观赏者解读艺术的态度。抽象画的兴起，不仅只是形式上的创造，它还是人类表达心灵的手段。从这个角度来看，抽象画就是把心灵和形式联结起来的必不可少的中介。绘画意义总是由我们自己来感受生发的。当我们试图去发现心灵赋予意义时，抽象画就提供了一个最佳的可能，它使心灵变得更加活跃。抽象画作为外在于心灵的客体，它们的意义就存在于唤起我们的无限的感知能力的过程之中。从这一点来说，抽象画才具有最大限度的释义自由。真正的意义潜藏在构成的手法之中――在矛盾、对比、平衡和冲突的表现手法中，从而内心与自然的秩序得以交融与彰显。

4结语

抽象艺术摆脱了与物象的原形相似的东西，割断了艺术和物象之间最后的联系，创造了一种全新的感情符号的语汇。当我们面对这种与传统艺术完全不同的艺术形式时，我们首先必须摆脱传统艺术审美的框架，以新的视角审视抽象艺术，用现代精神体验抽象艺术的精神。当我们对抽象艺术的精神有深入把握以后，就可以挖掘出潜藏在画面形、色关系的深层意义，最终获得与抽象艺术的精神共鸣。

参考文献：

[1] 米歇尔・瑟福（法）.抽象派绘画史[M].桂林：广西师范大学出版社，2002.