服装设计精选(十四篇)

序言：作为思想的载体和知识的探索者，写作是一种独特的艺术，我们为您准备了不同风格的14篇服装设计，期待它们能激发您的灵感。

篇1

关键字：服装设计；概念；发展趋势；存在的问题；相应的对策；设计技巧

一．服装设计的概念

设计的含义是确立特定的目标，在达到目标的过程中解决遇到的问题，得出解决问题的对策，最终完成任务。设计涉及产品设计，社会规划，工程组织方案的制定和理论模型等范围。服装设计这个行业主要是设计服装的款式。思维类型在设计不同类型的服装中是不一样的，比如：理性分析的思维在工程设计中得到体现，整体的过程的思维在工业设计以及产品造型设计中体现。在满足个人需求的同时兼顾经济，情感，社会和技术审美的需要是设计的任务。文化创造以及物质生产的首要环节就是设计，设计往往以一定的文化形态为中介，比如：在进行建筑工程的设计时使用几乎一样的建制材料，不一样的建筑形式在不一样的社会文化下是不一样的，服装设计构思差不多，设计风格在不一样的社会规范下也是不一样的。

服装设计作为一种行为，由服装构思来完成，服装设计的特点是综合性强而且涉及面广，它是服装整体的策划过程。服装设计一般会涉及到材料学，美学，市场学，文化学，工程学，色彩学和心理学等方面，它是艺术与科学技术相互配合的亮点所在。统一，加重，平衡，比例和韵律是服装设计的五项基本原则。

二．我国服装设计行业的现状及发展趋势

我国服装设计行业的现状是产业转型加剧，作为传统产业的服装行业，淘汰率在最近几年上升很明显。服装市场升级对产品供给数量的要求减少了很多，导致很多企业一改以前的产品营销，变成了商品营销，还有少数的企业转向了文化营销，对附加值，产品的形象和品牌口碑更加重视和强化。企业发展的重点转变为国内市场，竞争越来越激烈。市场细分与品牌的时代来到，随着市场创新的冲击，市场细分与品牌主要表现在消费群体与产品风格的深度细分，而不再局限于以前的档次，品种和区域的细分。经销商和加工企业进一步分化，服装的品牌越来越受到重视和欢迎，成为企业盈利的非常重要的途径。产业供应链发展趋势更加成熟，中国服装设计趋与不断的完善，不断的进步，不断的发展。

三．服装设计行业存在的问题

首先，现在，我国服装设计行业的发展和国际市场定位方面有问题，这些问题包括：议价能力还有加工能不相符，科技创新能力还有产品生产能力不相符，品牌数量还有加工数量不相符，出口渠道地位还有出口全球占比与不匹配不相符，国际影响力还有产业规模不相符。

其次，不管是在服装设计行业还是其它行业，人才都是行业发展的保障，但是，服装设计行业一直存在人才缺乏的问题，而人才的缺乏就削弱了品牌的创新能力和科技创新的能力。还有就是，由于我国的服装设计行业的发展时间不长，不管是在文化，科技还是在商业方面都不如其它的一些服装设计行业发达的国家，这就削弱了我国服装设计行业的自主的创新能力还有创新的意识。

最后，我国服装设计行业对人力资本的投入比较少，导致专业人才资源比较匾乏，普遍的设计师的意识落后，管理人员的素质也比较低，缺乏世界品牌，更多的着眼于现在，没有长远的考虑，产业结构仍需调整，服装设计行业链带动不足。

四．针对我国服装设计行业存在的问题提出的对策

针对我国服装设计行业存在的问题应该加强市场定位，注重对人才的培养，对员工的素质的培养也是如此，大力引进服装人才，招纳人才，提倡“以人为本”，提升我国服装设计行业的整体的能力；注重品牌，实施品牌战略，创立世界名牌，提升产品的影响力和知名度；通过强化规模经济，合理配置资源，加强和其它相关行业的联手，取其精华，构筑更加完整的产业链，从而提高国际竞争力；

五．服装设计的设计技巧

情感不仅是人们生活必不可少的一个环节而且对人类的思维，行动和感知也有影响。所以，首先，在服装设计中要注重对精神的追求，实现情感化的设计，以满足人们的需求。款式要素造型要素，面料要素，图案要素，搭配要素，色彩要素和风格要素等是服装设计过程中服装的基本造型要素。而这些服装的基本要素在衣服上会表现出它们独特的不一样的情感。要综合运用这些要素，表达出所需要的情感。

其次，创新设计作为服装设计的灵魂，要求服装设计中准确把握设计的流行性，抓住服装设计的时效特征。辅料，面料，色彩和要素是服装流行要素主要方面。为了准确地把握流行，找到流行的实质和根源，需要抓住同事物之间的社会文化，内在联系以及意识形态。还有，就是要牢抓服装设计的市场化，注重品牌的力量，同时突出材料的重要性，因为材料对于服装设计来说是非常重要的，它也是实现服装的最终媒介，设计师就是通过它来进行设计，寻求设计的灵感。

最后，最为表现服装设计整体形象设计的必要方法的工艺还有服装结构，要求在服装设计的过程中还要夯实工艺还有服装结构，大体上，服装结构创新有创新服装的板型和创新结构方式这两个方面，为了达到更好地服装制作，得到做好的视觉效果，需要使用最恰当，最合理和最新颖的工艺手段，提升它在市场的竞争力。摄影师一定要学会对关键要素的把握，把市场上消费者的需求当做导向，注重特色的创新，搭配好产品的材质，款式，色彩和配饰，只有做到真正的体现社会的审美潮流、良好的搭配，板型独特，工艺恰当和合理的设计才能设计出真正的，创新的，独特的服装设计作品。

参考文献：

[1] 帅敏，沈雷 《服装设计中功能和情感平衡的方法》[J] 纺织学报，2006年第07期.

[2] 廖莎，姜航 《论服装设计中材料与设计的关系》[J] 湘南学院学报，2007年第03期.

篇2

一、关于服装史教学

目前在服装史教学的过程当中，大部分情况下都会将中国服装历史以及西方的服装历史区分开来，将中国服装历史理解成是中国“过去的传统服装样式以及设计理念”，将西方服装历史则理解成是西方的“过去的传统服装样式以及设计理念”，而且它们都通过文字或者图像的方式来展现给学生，导致教学与现实过于遥远，而且学生也仅仅能站在历史之外记住一些文本内容，不能进入到历史情境当中，理解服装历史的发展进程。在教学的过程当中，我们需要将西方的现代服装历史作为中国的服装历史当中一个环节来进行理解。由清朝末期民国初期开始，西方的一些有特色的现代服装就已经渐渐地进入到中国当中，而且渐渐地也成为了中国现代服装的主流内容。在此基础之上，学习西方的服装历史自觉性就能够得以提升，它彻底地清除了服装的文化传承以及创新上的障碍。当前在我国各个服装院校当中的老师、学生乃至于业界设计师，对于中国服装的现代设计都存在着一定的芥蒂，很多人都认为学习西方的服装设计风格越多，就会导致自己的风格越少，这是片面的，对我国的当代服装设计发展十分不利，而把西方的现代服装历史看做是我国服装历史发展的一个环节就可以从根本上消除这一芥蒂。

二、关于美学教学

从整体上来说，服装美学可以单独当做一门课程，不过也可以将其作为充分贯穿于服装设计的教育进程当中的通识性知识教学。当前，服装美学大多集中在对服装的形式美进行研究的工作当中，借助形式美规律对服装整体造型、服装颜色、使用面料等进行分析。这是一种将人体形态抛开的形式美。如今的服装美学，需要充分地与现代人心理相互适应，从单纯的服装形式美上升到动态形象美的层次，形象美是借助服装来为人体形态进行二次创造后所形成的新型的美感。事实上，在服装制作完成之后，其形态还没有真正地完成，只在它穿着在人体上，而且人体运动的过程当中呈现出来的形态才是服装的真实形态，此时服装的美感才算是真正地完成。仅仅从服装自身所具备的形式美无法彻底、全面地展现服装的美感。在中国的传统服装观念当中，认为衣服放在衣服架子上，体现出来的美与否是非常直观的，即便穿在人身上也只是更换衣架而已；但是在西方的服装理念当中，坚持的理念是将服装看做是人体“第二皮肤”。皮肤离开人体之后是很难谈及其美与不美的。

三、关于设计教学

进行服装设计的教学过程当中，进行效果图的绘制是比较基本且必要的一项训练，它能够有效提升学生设计思维的表达水平，不过，也正是由于表达设计思维，因此中国以及西方在设计思维上的差异也能够直观地体现与效果图当中。当代服装设计的教学过程当中，需要将效果图的绘制和服装造型实验充分地结合起来，实现人体形态再次创造。在设计教学当中，需要学生们充分地理解服装基本构成原理。进行造型实验的过程当中，学生们可以对人体进行多角度的观察，并且从多个侧面展开形态设计；无论学生们使用平面裁剪的方式或者是立体裁剪的方式，其主要针对的对象都是立体人体，且关心的内容也都是在着装之后立体的形态，令学生们充分地认识到，假如将人体平面化，就会失去很多观察角度，失去创造机会。服装需要在立体的空间以及运动过程当中对着装进行观察，且不断地进行新的理解和反复性的调整，这种设计教学，能够令学生们思维层次提升到创造和设计的层面上。而这就是西方现代服装的设计教育的成功经验。比方说，法国服装设计类院校和我国大部分服装设计类院校之间的差异就是，学生在学习的过程当中基本上都是高强度实践的课程，并融合学校内部的设计制作以及学校外的实习实践，需要学生们在学习的过程当中掌握成熟的实际动手的能力。

从以上三个角度进行观念上的更新和完善，对我国目前服装设计教育而言是非常必要的。借助对中西方服装的设计思维上存在的差异的总结和分析，我们需要更加积极地去吸纳现代文明的成果，反思自身教育存在的弊端，提升人才培养的力度。

作者:张庆 单位:黄河科技学院

参考文献：

[1]孙涛.中西服装设计思维差异对中国现代服装设计教育的启示[J].纺织服装教育,2013(06).

[2]冯志民.中西传统文化的差异及对现代服装设计的影响[J].纺织导报,2014(02).

[3]章建春,吴金燕.中国传统文化元素对现代服装设计的启示[J].美术教育研究,2013(23).

篇3

关键词：舞台服装；设计

中图分类号：J717 文献标识码：A

文章编号：1005-5312（2012）24-0106-01

一、舞台服装设计的作用

舞台服装是为更进一步彰显舞台人物形象而存在的。它不仅是为了满足舞台观众的视觉审美需求，更是为了突出舞台人物形象的底蕴、内涵。所以，舞台服装设计必须要考虑到舞台人物的背景、身份，还要根据场景、剧情的切换与发展多层次、多角度的将人物特性表达出来。

在同一个舞台剧目的表演当中，各个舞台人物的背景不同、身份不同，他们所着舞台服装的用料、样式以及色彩都应该不尽相同，这样才能让舞台观众明确的区分主次，使剧目的主线更加清晰，以增强舞台表演效果；除此之外，舞台服装还应该紧紧跟随人物所处的阶段场景来设计，以表现出丰富的视觉效果。就算是相同的剧目、相通的人物都需要针对舞台形象的变化而做出相应的调整，这不仅能够强化舞台人物形象的内涵、特征，还可以使舞台观众对剧目的理解、认识更加准确，突出剧目的场景主线与主要内在含义。

二、舞台服装设计的色彩选择

在舞台服装设计的色彩选择上，要最大限度体现出人物形象的情绪及性格特征。合理的色彩选用能够帮助将舞台人物形象的内心活动体现，使舞台人物形象更加立体、生动，可以让舞台观众更加了解人物情绪及剧情发展。比如，如果剧目主在体现出恋人之间的温馨、甜蜜，那么女演员的舞台服装设计就应该选用一些明快的暖色调色彩，比如桃红色或是粉红色，这些暖色调的色彩，能够有效的将女孩在恋爱阶段的那些欢乐情绪以及美好幻想展现出来，让观众也能够体会到那种甜蜜与温馨。

所以，舞台服装的设计必须要符合剧情的变化与发展，尤其是在色彩的选择上要最大限度的贴近人物情绪。当剧目开场之后，观众最先注意到的就是服装色彩，这是得以吸引舞台观众的一个主要因素，它能够有效的调动观众情绪，激发观众联想。另外，服装设计的色彩选用还应该主要到舞台的灯光与布景，还有服装的面料，因为这些因素都会对服装色彩造成一定的影响。

三、舞台服装设计的样式及面料选择

除了色彩之外，服装的面料与样式选择也同样重要，它必须满足舞台形象的肢体语言表达。如果舞台服装的设计没有关照到舞台形象的肢体运动，就会制约演员的表达、发挥，会降低剧目的表现效果。比如戏曲服装应该以体现出传统文化元素为主，歌剧服饰要表现出沉稳，器乐演奏要清丽，独唱演员要高雅，而杂技类演员的服装不仅要贴身，还要需要有较高的伸缩性。特别是舞蹈服装设计，它与许多其他的舞台服装设计略有不同。

第一，它需要照顾到舞台人物的肢体语言表达，为演员的舞蹈水平发挥提供充足的空间，使舞台人物能够最大限度的表现出其舞蹈修养。

第二，舞蹈服装除了要使演员的发挥具有充足的空间以外，还须得具有较高的美观性，要同舞蹈主题相符合，只有舞蹈服装和舞蹈演员的舞蹈动作能够完全融合时，才能带给舞台观众最深切的视觉及艺术享受。这就需要从服装的面料及裁剪上大做文章，首先面料要轻、薄还要有坠感有弹性，裁剪上要简洁，尽可能的去重就轻，避繁从简，这样才能体现出舞蹈演员的身姿线条。

第三，舞蹈服装的设计还应该体现出一定的文化内涵，从古至今的歌舞节目都有一定的思想、内涵作为其精神支柱，而舞蹈演员的一切行为动作都是为了展现出这种歌舞内在的含义。所以，在舞蹈服装的设计上也要遵循这个基本表现原则，不论是色彩、配饰还是颜色的设计上都要尽可能的和舞蹈内涵相贴近，这样才能有助于演员对歌舞内涵的诠释。

四、舞台服装设计和生活服装设计的关系

首先，舞台服装与生活服装有密切的关联。舞台服装设计作为一种艺术表现形式其灵感和设计元素应该来源于生活，在这些灵感和元素在来源与生活的基础之上又应该高于生活。所以，在舞台服装的设计上要准确的把握好两者之间的关系，舞蹈服装设计要以生活为基础，这样才能让舞台观众在感受到艺术气息的同时，也不至于缺失来自现实生活的真实性，这样才能真正调动观众的情感元素。

第二，出于对舞台服装表演性因素的考虑，在它的设计上不能同舞台设计相互孤立，它需要同舞台的设计具有高度的一致性，在这方面需要考虑的因素有舞台布景、灯光还有来自演员自身的个性特征，在舞台服装的设计上这些因素是相辅相成优势相互制约的。而舞蹈服装设计和生活服装设计之间的差别就应该体现在这里，大多数的生活服装应该尽可能的倾向于实用性，而舞蹈服装则应该尽可能的体现出艺术性。所以在舞台服装的设计上可以对样式和色彩的运用进行适当的放大。

篇4

[关键字]：装饰性 ； 线 ；表现； 创造

装饰是对自然事物美化的一种艺术处理与表现方法。装饰的内容是多方面的，可以是平面的，或是立体的。服装装饰纹样就是在服装上使用的装饰纹样，作为整个装饰纹样艺术的一部分，服装装饰纹样具备装饰纹样的一般属性和共同特征，即审美性、功用性、工艺性、装饰性等。作为一个相对独立的门类，服装装饰纹样还有自身的特征，如：纤维性、饰体性、动态性、多意性和再创性等。

服装的轮廓线，在服装结构设计中，一种线条经运用后就必定会造成面积与比例上的分割，便形成了服装的造型设计，服装的造型设计就是包裹人体曲面外轮廓的三维立体造型，所以他由许多规则和不规则的线、面、体组成外轮廓造型。

垂直线在人们的视觉习惯中，垂直线往往引导人的目光做上下移动，因此，给人以高度、优雅和严峻感。但是，竖向的线等距离排列的多了，人们的视线就会沿着竖线左右移动，这样就使得竖线变成了宽度，对于身体较胖的人就起不到修饰的作用了。

水平线往往削弱垂直线的长度，给人以平衡、宽度感。它通常引导目光向左右移动。不过，水平线的数量要是增加的话，性格就随着改变了。因为，间隔的水平线一旦增加到一定的数量，就引导视线作上下移动，从而失去了水平线原有特色。

斜线不象水平线和垂直线有各自的稳定重心，而随时有倒下的感觉，常常给人以活泼、不安定、轻。从心理学角度讲，近似垂直线的斜线设计，高度见增，幅度见窄。而接近水平线的斜线设计，幅度见增，高度见小。由于斜线相对比垂直线长，视觉移动距离加长，所以长度加大，增加优美感。因此，人们把它作为设计夜礼服的首选，也不断用在日常生活装中。

服装的结构线，服装的结构线是属于二维平面的，它包括省道线、公主线、肩袖线、分割线、褶裥等内部结构线，从而将服装依据人体的起伏来分割和连接成多个面，由二维平面转化成三维立体服装。

线在服装设计中体现着丰富的特性。

分割性

在一块没有任何装饰线的白布上，除了布本身之外，可以说原本并没有什么形象可言，但我们仅仅用一条横线便可将其分割成两个空间，从而会给人产生上下衣裳的感觉，这就是线的分割性，水平线和垂直线在平面内的相交便会把一个平面分割成若干个面。正是由于线的分割性才使得线在服装上具有基本的造型功能。线被认为是构成物象的最根本、最有表现力的造型手段，而且是最明确、最简便、最易于采用，也是最易于接受的设计手段。

稳定性

在服装设计时，我们会用几根线画出服装的结构，再在这些线构成的面中添色，装饰。在历史长河的服装中，有许多服装存在线的框架，这个框架构成了服装的稳定性。单用块面或色彩在造型，是形成不了服装的稳定性的，如果装饰线作为其外沿，就可以有一定的形存在。在平面中，点与面是不能离开线而单独构成形象的，而线却能单独构成形象。

多样性

从线的分类中，我们就能非常明显地感受到它的多样性了。单一的线就有着许多类型，象直线、曲线、几何线、自然线等等，再根据不同的材质形态，这些线又可进行细分。线可以无穷无尽，不同的人又有着不同的表现情感，不同的工具有着不同的表现能力。不同的欣赏者也会有不同的感受，即同一观赏者在不同时间和情景中感受也会有所变化，线的多样性产生了线造型和服装设计中运用的多样性。

完形性

有时候线的形象并不是完整的，而是残缺和断断续续。但是，人的视知觉会自动地补残，使其形象完整，这就是装饰线的完形性。服装设计中，在领子上的开口，不会影响整体圆领的效果。中国绘画中的“笔不到而意到”，就与线造型的完形性有着密切的联系。所以，将遐想的空间留给使用和观看者，是服装设计中线的重要魅力。

通透性

线的通透性是服装设计一个相当基本的实用性，服装设计装饰线或线编织部分一般都是通透的、开放的，人们的视线可以在构成形象的线中穿梭，仿佛可以透过形象感受到自然那广阔的空间，给人以透气，畅快，自由呼吸的心理感觉。

移情性

单独作为主体的线的情感特性和当线是用来塑造形体时的移情性，两者是不同的概念，有区别但也有联系。中国结，讲求“气韵生动”和“空灵虚无”便是服装辅料中线造型移情性的典范，以线传情是其区别于西方艺术的显著特征之一，它充分体现了中华民族独特的文化内涵和审美情趣。

线是服装设计中装饰的尤物，既古老又清新。自身的变化能够带给服装无穷无尽的变化。透过服装上千姿百态的条状物，能够品位到当今时尚的气息，领悟到社会文化的潮流。当然，服装是一个有机的整体，在进行服装设计时使用线的装饰一定要把握好分寸，注意整体的和谐。很多很好的设计，看似不经意的线的装饰运用，实际上却包含了设计师对造型、色彩、结构、材料等多方面的构想和推敲。

[参考文献]：

篇5

禅宗美学自然观在现代服装设计中的表现。唐时期，禅宗由中国传到日本，与日本本民族生活、文化相融合，形成其独有的艺术形式。日本服装设计师三宅一生，川久保玲等大师的设计根植于日本本民族习俗与价值观。他们的服装有一个共同点:摆脱西方传统模式，沿袭日本传统文化，在传承的基础上增加创造性。设计与裁剪微妙且服务于人体，自由舒适，实用性强，使服装成为陶冶性情的雅致。这种看似无形却疏而不散的设计打破西方传统时装观念，增加服装的功能性，人文性和舒适化，使身体得到极大自由。而这正是玄奥东方禅文化的抒发，赋予设计神奇魅力。我国当代本土服装设计主要围绕中式礼服定制，民族文化元素的沿袭，基于中国传统文化研究的知名品牌近年也逐渐兴起。例如例外、天意、ZiggyChen等。通过独特的手工剪裁和精致的面料，带着对世界、对生活、对生命的认知和想象力去进行设计。除款式设计的自由性与面料的舒适性及用色的本源性，纯粹手工与天然的制作过程也是品牌中的亮点。像梁子“天意”服饰设计中选用的莨绸，其制作过程完全是纯手工，制作工序中无化学成分的污染，这很像禅宗美学“天人合一”的境界。例外“茶叙”设计中，以中国传统印染手法“植物染”给纺织品上色。这种色泽柔和、古朴，自然的散发着天然清香也是例外一贯的环保主张。将中国传统手工艺与现代艺术相结合，才能不使千百年来遗留下的工艺白白流失。除了以上所提及的，禅宗美学的“少即是多”等哲学观点与西方“Lessismore”及“Formfollowsfunction”等设计理念的构想有一定的共性。同样，西方极简主义也是东方禅宗美学中的一种典型，这些思想对具体的设计实践都具有重要的指导意义。

2在现代服装设计中的运用状况

(1)禅宗美学自然观对品牌文化价值感的提升。现代服装行业发展迅速，而研究中国本民族文化内涵的服装品牌却是少之又少。大多数本土服装品牌为追求商业价值忽略自身品牌文化和精神内涵，没有传统文化底蕴做支撑，无品牌文化DNA，在设计上模仿、抄袭现象严重。设计上更多是注重服装外表行式美，而非服装本身。即便如此，中国市场销售额仍然被外来服装品牌所占据。禅宗美学自然关注主体的本质其精神内涵，它的真空妙有之空灵美、触目是道之直觉美、即体即用之生活美以及悟无所得之超越美等追求内心及精神的表达形式，与当今世界对物质及奢侈品盲目追求的风气相违背。由此可以看出，立足于禅宗美学自然观去进行服装设计，在快速消费的时代把握服装企业及服装文化的形成与发展，在注重服装企业品牌文化价值的基础之上确定市场定位从而进行服装的设计。(2)禅宗美学自然观在新型生活方式中的扩展。服装设计本身也是一种新型生活方式的设计，禅宗美学自然观所强调的设计美感主要体现在以下三个方面:1)以最少的要素去传达更多的信息。省略不必要的细节，以简洁舒适取代烦琐复杂的装饰感，用最极简的方式来体现所设计物品的精髓。2)色彩选择的明确性。在色彩选择上通常使用精心挑选的单一色彩，或通过不同深浅与浓淡去表达强有力的视觉信息，使之与设计相协调。3)以平衡、清楚、和谐与简单为设计原则。在服装细节的表达中，倾向于不对称、不规则感的流动美，并以巧妙手法去体现服装的设计，从而展现出服装及穿着者清晰、平静而优雅的品质美。通过对禅宗美学自然观在服装设计中的延伸，将其运用到生活中便是对简单纯粹、宁静朴素的生活方式的向往，注重生命心灵自觉性与身体内在感受力的协调发展。在人心浮躁、物质欲望风靡、快时尚垃圾蔓延中带给消费者新的生活体验。

3在现代服装设计中的运用方式

(1)创新设计理念的提出———禅宗美学自然观之本体论。禅宗美学自然观在中国艺术中以独有的形式丰富了东方美学，并给予通往艺术的真正的生命路径。除禅宗美学自然观中对自然心化和空化的描述，在生命探究中自然观对本体的关注主要体现在将人之本性与自然之法性合为一体的哲学构想，这也是禅宗美学中的一种典型。禅宗美学自然观之本体论作为新型设计理念，其理论内涵主要体现在:在实践中重视本体内心体验，把内心与自然现象统一起来，在生命体验中注重本体感悟、感受和感知的能力，从而提升本体(服装)生命的价值。在设计上的表现形式可以从以下几个方面进行阐述:1)设计风格运用。禅宗美学自然观中对本体的关注，意，即把自然与自由融为一体，自由而超脱，在服饰上表现为“超脱”“自然”“飘逸”之美。外在风格设计中将动与静相结合，自然而无烦琐的修饰，表现为自然、和缓、缠绵、延续的状态。2)版型设计。禅宗美学自然观中“一无所有中蕴含所有”的这一构想，要求服装版型要以巧妙的结构线来设计，形成宽松型、平面式与直线性及自然飘垂感相结合的服饰特征去营造刚柔并济的视觉效果。3)服装色彩。禅宗美学自然观对自然舒适的向往，在色彩选择上多为淡雅的素色，或是经典的黑白，展现出设计者或穿着者的优雅自然与不予追求名利的豁达人生境界。4)面料选择。禅宗美学自然观之本体论中对人生活态度所倡导的是一种泰然处之的优雅，朴素中不乏个性。所以在服装面料的选择上会用到高天然纯度的面料。在制作工艺的表现方式上以最原始的方法去处理面料的毛边，来体现返璞归真的设计感，以物化表现去审视穿着者自身的内心与内在。(2)设计师新型思维模式及理念的扩展。通过对禅宗美学自然观及新型理念自然观之本体论的探究，对于设计师———现代社会高品质生活的创造者，理应从自身做起，修行于生命之本性，保持初心的静默和柔软，在寻找万物本源中体悟当下意识，让一切回归最自然的状态。并摄受散乱心而专注一境，将中国文化的积淀(内涵)与现代设计(形态)相结合，注重服装本身的内涵。一方面是将独特化转为共性，用作品去表现内涵，从而把对生命境界的感悟传达给大众;另一方面将传统文化精髓与现代艺术形式相结合，做有独特内涵的服装，用自然的力量使之和谐，将时间、记忆和情感所积累的感悟分享给更多人，带来精神上的认同度，从而带动人们以正确的价值观面对生活。这不仅是新型设计理念在服装设计中的尝试，也是对我国非物质文化遗产的传承方式。

4结论

篇6

关键词:绳带;服装设计;线

中图分类号:J0

文献标识码:A

文章编号:1672-3198(2010)08-0104-02

1 古往今来,绳带与人类的生活密不可分

1.1 结绳记事

在文字发明以前,人们通过绳结来记事。在史前时代,记载事情是用绳结的变化呈现的、《易•系辞》记载“上古结绳而治,后世圣人易之以书契”。可见,在十万年前的旧石器时代,先民们彼此传递信息、表述思维、帮助记忆,都是用绳子打结,“事大、大结其绳,事小,小结其绳。后来,因为文字的产生,结绳的方法才逐渐被文字所代替。从这些史料中,足以证明绳带和人类的发展有着很密切的关系,直到现在,绳带仍然占人类日常生活中一个很重要的地位。

1.2 绳被崇拜

“绳”字与“神”谐音,中国文化在形成阶段,曾经崇拜过绳子。《风俗通义》记载;上古之时地球上没有人,天神女娲“引绳于泥中,举以为人”。又因绳像蟠曲的蛇龙,中国人是龙的传人,故而绳有着龙神的形象,被古人所崇拜。

绳带与衣服。早在远古时代,人们就已经开始剥制和利用麻类植物的茎和皮制作绳一类的东西,用于捆扎衣物、拉送物品等,还用作装饰、连接及消遣之用。绳带在服装上出现很早,甚至在服装还没有正式出现以前,人类祖先就懂得以兽皮或布料缠裹,在腰间使用皮革或藤条来系扎,到旧石器晚期,逐渐产生编结缝缀工艺,用线、绳把草叶或小片兽皮连缀成大片的材料包裹身体。在我国古代,人们穿戴衣服,最早是不用钮扣的,通常是以带束衣,谓之“衿”。从绳带的使用目的来讲,早期服装中,绳带主要是起着连接和绑束衣片的作用,达到实用与保暖目的。后来,随着社会的进步,有些服装上的绳带已脱离了实用功能,完全用作装饰。山西洪洞广胜寺水神庙壁画宋代的妇女穿戴的襦裙服上,美丽的结饰飘于裙侧、留传到明清两代,河南信阳楚墓出工的彩绘木俑前胸佩玉上的结,正是一种美丽的装饰。

在西方,希腊与罗马人则利用布料的垂坠度,用绳带缠绕包裹出自然的皱褶线条。到了17-18世纪,法国“巴洛克”、“洛可可”式的女装造型中,利用大量的花结和带饰在领口和袖口装饰。日本和服上的宽带是不可缺少的配件,和服的宽带是吸纳西方传教士长袍的衣带与朝鲜人衣着平带的特点加宽而创制的,成为和服上的画龙点睛之物。

2 绳带在服装中的作用

绳带在现代服装设计中使用的范围极其广泛,形式和功能多种多样,使服装风格富于变化。有的是服装造型的主要手段,作用关键;有的则画龙点睛,强调装饰;有的与服装主体相连,是服装的延伸;有的与服装主体相分离,运用自如;有的对比,有的统一;有的简单,有的复杂……除了上衣下裳,服饰品鞋、帽、手袋、挎包等独立服装附属物上也经常出现绳带的踪影,而发带、颈带、吊带、腰带、裙带、绑腿、鞋带等的样式就更为丰富多彩。

绳带不仅仅在服装的局部使用,绳带还可以当作服装的主要材料,服装设计师Jean Paul Gaultier曾经以一袭绷带装的设计震惊时装界,通过绳带制造出贴合女性身体线条的效果,相当女性化,层层线条的包裹也代表了某种含意:一是大环境的影响,装饰性的走向比那些原本花哨的设计来得吃香,因此利用绑带所制造出的视觉效果,除了在服装上制造出自然的皱褶感之外,不对称的线条也可以起到一定的美感;二则是心理层面,服装上的绑带与缠绕,更好似另一种保护,不但可以固定服装本身,那些缎带或是捆绑线条,则好像女性服装之外的另一种无形保护。

绳带在满足一定的实用功能的同时也起到一定的装饰作用。通常圆身的编织物叫绳,而扁身的编织物叫带.也就是说绳是圆的,带是扁的。绳带,从直觉上给人以细长的线形之感,它具有美学意义上“线”的基本特点:形式不同,其性质也各异。有时接近直线,直接、明晰,给人以硬挺、通直、规整的感觉;有时像斜线,不象水平线和垂直线有各自的稳定重心,而随时有倒下的感觉,常常给人以活泼、不安定、轻,斜线显得轻快、有运动感;有时又像自由曲线,富有自由、随意、柔软、女性美特征,能表现出柔软、弹力、运动之感。

绳带的材质是体现其美感的重要因素。从材质上看,绳与带多是纤维材料制成,而其材料质感和肌理却有所不同。质感是材料的自然质地,肌理是指材料质地表面的纹理或凹凸效果,主要由不同的组织结构和不同的表面整理技术形成。绳因为是由两股或两股以上的线拧合而成的圆柱形,有清晰的盘结的纹理,给人的感觉比较坚实有力,且通过光影作用,材质表面能够产生强烈的立体感,给人以丰富的联想。带可以由多种纤维织物或皮革等柔韧材料制成,它的质感完全取决于原材料的特性。细腻、光亮的丝织物轻柔、丝华、高贵,粗实、厚重的棉麻质朴、亲切,而光滑、硬挺的皮革很容易使人感觉到野性原始气息。近年来,材料被艺术家们当作最为直接的表现思想和观念的媒介,具有了独立的审美价值。

3 绳带在服装中的“线”形效果

绳带在服装中“线”的视觉效果,随着线的方向不同,也能激发起不同的心理感受。服装设计师选择不同服装的“线”造型是为了表达不同的设计思想的情感语言。如何将垂直线、水平线、斜线、交叉线、自由线巧妙地构成完美的服装造型,是每个服装设计师孜孜以求的目标。在服装设计中各种不同形态的“线条”诠释着不同的服装内涵。

垂直线在人们的视觉习惯中,往往引导人的目光做上下移动,给人以高度、优雅和挺拔严峻感。在服装中,无论是绳带缝合线还是装饰线,都可以起到竖向分割面的作用,由此修饰不同的体形。但是,竖向的线等距离排列的多了,人们的视线就会沿着竖线左右移动,这样就使得竖线变成了宽度,对于身体较胖的人就起不到修饰的作用了。因此,在采用竖线进行设计时,要针对不同人的体形增减竖线的间距进行调节。(1图)

绳带构成的水平线往往削弱垂直线的长度,给人以平衡、宽度感。它通常引导目光向左右移动。不过,水平线的数量要是增加的话,性格就随着改变了。因为,间隔的水平线一旦增加到一定的数量,就引导视线作上下移动,从而失去了水平线原有特色。(2图)

绳带斜线不象水平线和垂直线有各自的稳定重心,而随时有倒下的感觉,常常给人以活泼、不安定、轻。从心理学角度讲,近似垂直线的斜线设计,高度见增,幅度见窄。而接近水平线的斜线设计,幅度见增,高度见小。由于斜线相对比垂直线长,视觉移动距离加长,所以长度加大,

增加优美感(3图)。

绳带交叉线设计是斜线设计的重复体现,它具有斜线设计的同样效果,通过缝合线与装饰线的结合使用,可借助视错原理改变人体的自然形态,在服装中这种交叉始终表现出迥然不同的装饰风格、丰富多彩的审美情趣和艺术韵律,从某种意义上说比单一的斜线更自由、多变。交错的绑带将腰部线条分割,以达到视觉上非常跳跃轻巧的效果(4图)。

绳带自由线包括波伏线、螺旋线等较活泼、自由、富有变化的线条。自由线设计能给人以天真、优美、饱满感觉(5图)。

总之,绳带在服装设计中具有实用与装饰的双重作用,既古老又清新,绳带自身的变化能够带给服装无穷无尽的变化。从而为服装设计提供更多创新和展现个性的机会。绳带在服装设计中的多样性,能够满足当今多元并存、展现个性的要求。随着科技的高度发展,社会物质财富日益丰富,人们的精神需求也越来越高涨。尊重个性、尊重情感成为一种普遍的要求。服装也是如此,模糊、混杂、变异都不要紧,关键要新奇、要有个性。绳带自身丰富的材质、多变的造型和装饰手法,加之它与服装主体在色彩、质地、部位、大小等方面的对比统一,就能够产生多样多变的服装风格。绳带的设计更好似在一种有限的框架中,寻求一种现实上的突破。

参考文献

[1]常沙娜主编.中国织绣服饰全集[M].天津:天津美术出版社.

[2]李当岐.西洋服装史[M].北京:高等教育出版社,2005.

篇7

[关键词]服装设计 构思技巧 设计对象

服装设计的对象是人，它是美化、装饰人体、表现人的个性与气质的一种手段。因此，服装设计的第一目的是：适合功能，美化人体。同样，这也是服装设计构思要遵循的原则。

服装的存在和发展有着绵延数千年的历史，而作为设计正式出现在服装上只有数百年的时间。构思在设计出现以后变得尤为重要，世界服装设计大师们层出不穷的不凡构思使服装真正具有了前所未见的内容与形式，从而引导了服装市场一次又一次的穿着潮流。

构思，“指作者在写文章或创作文艺作品过程中所进行的一系列思维活动。包括确定主题、选择题材、研究布局结构和探索适当的表现形式等。”在艺术领域里，一般说，构思是意象物态化之前的心理活动，是“眼中自然”转化为“心中自然”的过程，是心中意象逐渐明朗化的过程。无论是在生活还是艺术领域里，都需要进行设计。谈到设计，就离不开人的一系列思维活动，就离不开构思。有些人在设计时常感到构思贫乏，不知如何下手，或是最终的作品与原来的构思差距很大，达不到预想的效果。因此，服装设计构思要依据服装设计原理从以下几方面思考：如穿着的对象、场合、时间及穿着的目的，还有加工条件、市场情况、人们消费心理及流行趋势的分析等诸多方面的问题。

一、T(Time)时间

时间(Time) 简单地说不同的气候条件对服装的设计提出不同的要求，服装的造型、面料的选择、装饰手法甚至艺术气氛的塑造都要受到时间的影响和限制。同时，一些特别的时刻对服装设计提出了特别的要求，例如毕业典礼、结婚庆典等等。服装行业还是一个不断追求时尚和流行的行业，服装设计应具有超前的意识，把握流行的趋势，引导人们的消费倾向。

二、P(Place)场合、环境

场合、环境(Place) 人在生活中要经常处于不同的环境和场合，均需要有相应的服装来适合这不同的环境。服装设计要考虑到不同场所中人们着装的需求与爱好以及一定场合中礼仪和习俗的要求。一件夜礼服与一件运动服的设计是迥然不同的。夜礼服适合于华丽的交际场所，它符合这种环境的礼仪要求，而运动服出现在运动场合，它的设计必然是轻巧合体而适合运动需求的。一项优秀的服装设计必然是服装与环境的完美结合，服装充分利用环境因素，在背景的衬托下更具魅力。

三、 O(Object)主体

主体、着装者(Object) 人是服装设计的中心，在进行设计前我们要对人的各种因素进行分析、归类，才能使人们的设计具有针对性和定位性。服装设计应对不同地区、不同性别和年龄层的人体形态特征进行数据统计分析，并对人体工程学方面的基础知识加以了解，以便设计出科学、合体的服装。从人的个体来说，不同的文化背景、教育程度、个性与修养、艺术品位以及经济能力等因素都影响到个体对服装的选择，设计中也应针对个体的特征确定设计的方案。

四、加工条件

服装工艺的功能性与装饰性要通过相应的加工条件才能体现出来，与服装款式、服装材料、服装工艺三者进行融会贯通。只有能实现的设计才是好的设计，好的设计要有好的构思。设计师在构思时要考虑加工制作的可实施性。比如：①人体平均尺寸、人体运动功能的放松度、当时的流行尺寸；②面料的质地、性能、辅料、配件的选用；③裁剪方法、工艺车缝还是手工艺制作。这样，才能使最后的成品服装既符合设计者的意图，又能保持服装制作的可行性。

五、市场情况

设计师在构思阶段要进行市场调研，把握当时当地的历史潮流和市场变化。资料信息市场：时装信息、流行趋势、设计师手稿资料；成衣市场：品牌、批发与零售；服饰市场：首饰、配饰、美容护肤等；生产一线市场：制作、洗水、制衣、整染、印花等。了解不同的档次要求和品质要求，对成本价格要核算。这样在设计构思时，才能广开思路，广泛借鉴。作为一种产品设计，服装设计效果的优劣不是靠某位专家来评说的，而是由市场来检验的。因此，设计师如果对自己所服务的目标市场一无所知就构思设计，那将非常危险，因为其设计投产后很可能不被市场认可而造成积压，给企业带来巨大的经济损失，甚至使之倒闭。设计师应保持自己的个性和独特的设计风格构思，但这并不等于无视市场的需求。设计师与画家不同，不能孤芳自赏，一定要时刻注意把握市场的新动向，在保持自己的设计风格的基础上，一定要站在消费者的立场上来构思服装，每个细部都经营到位，这样才能在激烈的市场竞争中立于不败之地。

六、人们消费心理及流行趋势

设计的主体是人，好的设计构思要吻合人们的消费心理，满足人们的消费需求。服装流行意味着人们服饰审美心理和审美标准的变化，反映了在不同时代和环境条件下，人们的个性表现和社会规范之间的平衡和协调。服装设计师把握服装流行的脉搏，洞悉服装流行的趋势。构思设计时针对所要设计服装的消费层的消费对象的风格、喜好，以市场需求为设计定位。这样，才能使设计构思顺应潮流、趋向成熟、有所创造。

服装设计构思和一般的艺术创作活动，既有共性，又有个性。其共同点是它们来自生活，来自创作者的思想指导。不同之处在于艺术创作相对有更多的独立性和主观性，而服装设计必须通过生产环节与市场销售才能体现其价值，带有较多的依附性和客观性。由于服装设计的创作活动需要依赖人体，依靠纺织材料和加工生产相结合，所以在服装设计的构思中，必须兼顾到这些必要的因素。

参考文献：

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摘要：服装是流行，时尚的体现，一套好服装，凝聚了服装设计师的设计思维，理念，与心血。今天笔者就来谈谈关于服装设计的一些基本要素。

关键词：服装设计　设计要素

时代感是服装最为突出和醒目的特点。无论是实用类、创意类、还是艺术类作品，首先要考虑时尚感是不容质疑的，它不仅仅是服装流行趋向的反映，更重要的是它还反映了时代背景、经济状况、文化思潮等对人们的生存心态、审美趣味、生活方式等诸多方面的影响。换言之，服装是一种更为直接的人文文化表现，它是现世、现代的人们对于物质和精神的一种可视可感，并在自身加以具体体现，表达其向往和追求的无声语言，这些都会影响到对于色彩、款式与面料的选择。

在确定了系列作品的主题之后，对服装的类别、色彩的情调、廓型与款式结构，以及采用何种质地的相应面料，都应有一个整体的构思。色彩上，可根据主题的氛围确定是冷调、暖调还是中性色；款式上，则应先确定整体的廓型(A、T、H、Y、x、o型)，把服装的大致风格确定下来。如：是直线分割还是曲线分割，是对称还是不对称，是长款还是短款。而面料则应在穿着季节、穿着场合、穿着方式、穿着功能等方面考虑。此阶段的构想主要是搭

一个大框架，以避免在具体设计时出现协调上的混乱。

色彩往往是给观者留下第一印象的部分，它不仅体现着作品的整体意境，而且还表达着作者的心境与感情。在确定了整体系列的主色调后，接下来是对具体色彩的纯度、明度、彩度等方面进行细致推敲。一般来说，一个系列使用的色彩不宜超过4种，在确定了主体色后，其余色彩应呈递减态势，具体的配色方式如下：此种配色无论是确定为冷调、暖调还是中性色调，只在这一色调中选择颜色，如确定为冷色时，可以是一个颜色从浅到深的渐变，也可以是在冷调中变化。如主调为蓝绿，可选湖蓝、钻蓝、深绿、碧绿、草绿、粉绿等等组合，这是在配色中最容易把握的方式，并且效果良好。

这种方法既可以起到强调焦点的作用，又可以造成活泼跳跃的效果。无论是冷色系还是暖色系都可以选择对比色进行点缀，但不宜多，以一、两种色彩为好。如上面谈到的蓝绿色调，为使其更加醒目突出，可加一点柠檬黄或橘红在其中，会使作品有清爽中不失浓郁的味道，当然也就改变了原来作品的情调。

包括黑、自、灰(含灰的所有彩色)和棕色系。黑白灰是永恒的经典。无论怎样搭配都会使作品时尚而醒目。黑色还可以用来做所有彩色的衬托，尤其是用在色彩比较鲜丽的组合上，黑色可减其浮华张扬的感觉，起到调和与稳重的作用，灰及含灰的彩色在系列设计时既可以是灰色系本身的搭配(通过明度或彩度的变化)，也可用纯色点缀，或与黑白组合。当然，系列的整体应在统一的色调里，点缀的纯色也可为同色调纯色或对比色纯色。棕色系是一个优雅而温和的色系。这个色系的乳白、米色、驼色、土黄、土红、咖啡、赭石、熟褐等色彩，是在国际日常装中被广泛使用的，有“黄金色”之称。在配色上它与灰色系的配色近似，当棕色系自己组合时显得温暖庄重、随和深沉、优雅浪漫，配以一两种纯色加以点缀则会有非常别致的效果。

当确定了服装系列设计的大廓型后。即可安排整体款式的主节奏线，多数以上衣的下摆或裙摆的起伏作此节奏线，每款服装的主体结构分割也要有一致的地方，如大体是以直线为主，或曲线为主，或以不对称为主等等。系列设计的细节变化多放在领部、袖口、衣袋、门襟、裙开衩和裙摆等地方，但设计时在整体的一两处下工夫就够了，切不可杂乱、繁复。

一般说来系列设计使用的面料，用不同种类、不同质感、不同肌理的组合为好。一个系列中面料的种类不宜超过4或5种，在具体搭配时有以下的方式可供参考：

1　如系列中只使用了一种色彩，这是可以展示设计者对面料搭配技巧把握的最好时机，使用得好往往会产生平淡中见神奇的效果。这时的面料选用主要是在肌理和质地上做文章，可以是从细腻到粗糙的变化，也可以是从薄到厚的递进，或者可以是从有光泽到无光泽的渐变等等，总之手法多样，可以充分发挥面料的表情和语言。

2　同种风格的搭配。这里说的同种风格是同一种面料的不同结构织法。也可以是同质地和质感的面料进行搭配，如桑蚕丝、乍蚕丝、双皱、重磅真丝、水洗丝、乔其纱等在一起组合运用，整体虽柔软悬垂但动感却千变万化，这样的搭配易形成统一感，但处理不当则会造成平淡呆板的印象。

3　比较好的运用方式是不同质感的面料进行搭配。一般来说，整体有柔软飘逸风格的组合。在重点部位就可以使用硬质面料，如硬的皮、革质面料，反之亦然。

4　面料的再创造。这是近些年来我国设计师在国产面料不够丰富的情况下进行的有益尝试，并收到了良好的效果，面料的再创造可以是对面料的不同打褶，作各种凹凸的有规则或无规则的肌理，对经纬线的抽纱处理造成随意镂空，或把羽毛、金属片、皮条、皮块镶嵌、拼贴在面料上，或使用串珠饰、珠片、珠缀、以及传统的织绣工艺重新装饰面料等等，手法很多，是设计师在开发面料创意时非常好的一个空间。

配饰和装饰往往是作品中画龙点睛的部分，它不仅包括从头到脚的饰物，如化妆、发型、首饰、帽、手套、包、腰带、鞋，还包括一些绢花、围巾、伞、眼镜，其中服装的工艺手法镶、滚、拼贴、镂空、刺绣等等也都属此类，对它们的使用会增加服装的精致感和完整感。在具体操作时，配饰和装饰手法不宜过多，配饰一般不超过3种，装饰手法也以2至3种为宜，配饰的造型和色彩要与服装的整体相协调，材料可选择与服装质感近似的，也可选择强

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对于消费者而言，服装不仅仅具有对身体的保护功能，同时也具有社会功能。服装的社会功能包括两个方面，一是传达社会信息，如社会地位、职业、道德与宗教连结、婚姻状态、以及性暗示等；二是表达个人爱好及审美倾向。随着人们消费水平的提高，服装的社会功能显得越来越重要，一般而言，服装的社会功能所占的比重与人们的消费水平成正比。不同的消费者要传达的社会信息和表达的审美倾向是不同的，而且受到各种因素的影响，消费者要传达的社会信息和表达的审美倾向会不断发生变化，因此消费者期望不断地有新的服装产品来满足其差异化的、不断变化的需求。为此，服装企业需要不断创造出新的产品以满足消费者的需求变化。在众多服装产品中，新颖的款式、不同的色彩组合和饰品的不同搭配等服装设计的创新是吸引消费者眼球的重要亮点，也是服装企业在激烈的市场竞争中获胜的重要法宝之一。

任何一种创新都需要花费一定的投入，对于服装企业来说，创新出符合消费者审美要求的服装产品，同样需要花费大量的投入。如何使得这种创新投入得到合理的利益回报，是每个服装设计创新者要面临的问题。在这个“山寨”成风的产业里，服装设计创新者如何保护自己的利益呢?我们将深入行业内部进行探寻。

高成本维护

在服装市场发展初期，服装设计创新企业为了保护其创新利益，通常在其产品未获得交易合同之前采取严格的保密措施，只有获得授权许可的生产企业才能复制其创新产品。对于未经授权许可而复制其创新产品的模仿者，服装设计创新企业则会通过司法途径对其行为进行限制。

用高成本维护服装设计创新利益的做法是服装设计创新者保护其利益的一种基本做法，在不同服装市场发展时期都存在，只是它的使用范围大小不同而已。服装设计创新者是否使用这种方法取决于它的使用成本，以及使用这种方法的成本收益比。前几年，汉派服饰公司的新品会上，为了防止其新款产品被抄袭，派了大量的工作人员维护现场秩序，严禁客户偷拍。2006年的中国上海国际少年儿童服装及用品博览会上，上海某知名童装展厅里展示的只是些缺乏新意的童装，而真正的新款力作都藏在与展厅一江之隔的生产企业样品间里，只有确认对方真的有订货意向后，才会让客户观看其雪藏的珍品。

为了防止创新产品被仿造，影响到其利益，服装创新企业会申请产品外观设计专利，通过法律手段对未经授权的复制行为进行限制。2006年杭派服装品牌江南布衣，就状告过女装品牌山水人家抄袭，并获得法院的支持。不过由于对服装设计的抄袭界定比较困难，除非是完全照抄原版作品，否则很难被法院认定为抄袭；另一方面，申请专利时间周期比较长，运用法律武器时也需要一定的成本，而服装款式的流行周期很短，对于服装企业来说，除非特别重要的产品，否则申请服装产品外观设计专利的意义不大。因此，很少服装企业会对服装设计创新申请专利保护。

降低创新成本

正是因为限制仿造者未经许可对服装创新产品复制的成本很高，许多的服装企业采取另外一种思路来保护它的创新利益：降低服装设计创新的成本。降低服装设计创新的成本一方面可以降低整个服装产品的成本，使回收成本变得比较容易，另一方面也压缩了仿造者的利润空间。在这一方面做的比较好的便是西班牙快速时尚品牌ZARA(飒拉)。

ZARA是西班牙集团旗下的一个子公司，2005年第一次登上Interbrand的全球最佳品牌排行榜，2006年，ZARA的品牌价值达42.35亿美元，在全球最佳品牌排行榜上的排名已经仅次于Adidas(阿迪达斯)。ZARA没有顶级的设计师，只有近400名平均岁数只有25岁的设计师团队。聘请这些没有成名的年轻的设计的人力成本很低，这400名年轻设计师的人力成本可能还没有一两名世界著名设计师的人力成本高。这些年轻的设计师们随时穿梭于米兰、巴黎等时尚重地观看服装秀，从世界上上万件原创作品中提取适合自己品牌风格的时尚元素，然后设计出新的产品。作为中低端服装设计创新产品，一款新产品在投放市场之前，只要将设计师、市场专家和生产经理等相关的负责人召集在一起进行一个短时间的交流讨论，大家达成共识之后，新产品就可以进入生产环节，并最终流入销售终端。与其他服装企业服装产品生产流程相比，ZARA少了很多的商务环节，因此其商务成本很低。正是因为这种服装设计创新的低成本，ZARA的款式更新速度很快，一年推出的中低端产品超过12000款，平均一天推出30多款，每周补货上架两次，每隔三周就能对专卖店的服装进行全面性的汰旧换新。正是这种廉价、快速的快餐式的创新设计方式，使得它能快速地回收服装设计创新成本并获得额外收益，从而不惧仿造者的竞争，等对方模仿的产品出现之后，对于ZARA来说，该设计已经“过时”了。

提高仿造成本

服装设计三要素中包括款式、色彩和材料。这三者的有序结合才能创造出美的原创作品，为了保护服装设计创新不被模仿，进而使服装产品的创新利益不受到损失，一些服装企业在设计服装产品时会采用专门的面料或者专门的制作工艺，未经授权许可的仿造者没有专门的面料或制作工艺就无法模仿其款式，即使模仿了也不能达到原创产品的效果。

著名的奢侈品品牌阿玛尼的衣服之所以昂贵，除了阿玛尼的良好的品牌效应和售后服务外，还有精细的做工、上乘的面料，最重要的是，其产品的面料有的是特有的。阿玛尼通常会和意大利著名的高等级面料生产商签订合同或者协议，指定某种面料专供阿玛尼，不能向其他品牌出售，阿玛尼服装中一种带莱卡的面料便是其中的一种。阿玛尼通过这种方式加大了其服装产品的仿造难度，增强了阿玛尼服装产品的独特性，进而保证了阿玛尼服装产品设计创新的利益。其他的奢侈品服装企业也采取了类似的方式保护服装设计创新的利益，如：Prada包具和服装所用的特殊尼龙面料、LV包具所用的印花真皮，都是他们品牌各自专属的面料，别的品牌采购不到。最近我国最大的纺织服装企业雅戈尔集团推出了一款免烫衬衫，这款衬衫所用的面料为雅戈尔集团的专利产品，这款面料对外限制供应，因此其他的竞争者没有办法生产类似功能的衬衫。

控制销售渠道

一些具有很高知名度并拥有稳定的消费客户群体的服装企业，为了维护其产品创新的利益，会实行正品专卖制度。通过控制产品的销售渠道，让消费者确信，只有通过指定的销售渠道才能购买到正品。由于指定渠道的不可复制性，就可以避

免模仿者对其产品市场构成利益威胁。即使仿造者可以完全复制出原企业的产品，因为不是从指定渠道销售，不能替代正品在消费者心中的地位。这类服装品牌企业他们往往可以放弃对服装设计创新的保护，任由模仿，而通过品牌和其代表的文化符号来获得客户的认同。

在这个方面，国际顶尖的奢侈品品牌LV(路易威登)做的比较成功，为了维护其品牌形象，防止侵权产品对其收益的冲击，在销售渠道的选择上，多年来，从不通过批发零售形式寻找商或者在其他商场设立专柜，而是一直将其直接开设的专卖店作为LV产品的唯一销售渠道。尽管市场上有不计其数的印有LV标志的手袋和衣服，也有相当多的“山寨”货模仿得非常逼真，而价格只有正品的十分之一，但是LV的忠实消费者都明白，只有到指定的专卖店才能买到正品的LV产品。LV正是通过控制销售渠道的方式将真假路易威登产品的消费者区分开来，让正品LV产品的消费者付高额费用，模仿的LV产品的存在不但不会对正品LV产品的销售造成实质性的影响，反而会扩大LV的知名度并为它积累潜在的客户。

订单生产

服装企业创新产品的最终目的就是为了获得消费者的认同，并获得相应的利益回报，创新产品出来之后，如果能确保其产品能直接到达目标消费群体手中，那么这一创新的利益诉求便很自然地得以实现。通过订单生产来保护服装设计创新的利益的方式广泛存在于职业装、团体服装市场领域和高级定制服市场。比如服装企业为某个企业集团设计工作服，为学校设计校服，或者为军队设计军装，为社会名流量身定制高级定制服等。对于大多数职业装和团体服装的生产企业来说，获得客户的订单是最主要的，它是创新利益能够实现的根本保障，其他的如提高产品的品质，提高设计能力和通过各种手段获得客户订单一样都是手段。获得订单之后，其他模仿者对其创新产品的模仿不会对他的实质利益造成影响，甚至会增强创新者在市场上的知名度和美誉度。同样对于高级定制服装企业来说也是如此，当年香港明星李嘉欣大婚时最抢眼的价值500万的婚纱，在她穿出之后仅几天之隔，市场上便出现那款婚纱的仿制品，标价为888元。而那位婚纱的原创者之所以能容忍廉价仿制品的出现，主要的原因是该设计师已经从他的客户明星李嘉欣那里获得了他应得的创新利益。

建立创新声誉

对于一些刚出名的服装企业或者设计师来说，设计出一件或者一系列的创新服装产品往往并不期望它能给自己带来眼前的经济利益，而是通过现在的服装设计的创新建立创新声誉，而这种声誉能为服装设计创新者带来远期的交易合同。纵观国际国内知名的设计师，无不是通过不断地创造出新的产品，积累声誉以获得市场和社会的认可，从一个无名小辈变成著名的设计大师，并获得应有的物质利益回报的。

2006年9月，由中国商务部主办，杉杉、庄吉、耶莉娅等企业参加的米兰时装周――中国服装品牌联合活动中，中国的服装企业将其最新的服装设计展示在世界面前，很多的国际知名品牌对中国服装企业的设计风格、理念进行模仿，并将中国元素加入到其产品中去，其中最不可思议的是LV2007年春夏时装会上的一款“红白蓝”系列手袋，其设计酷似中国火车站常见的5元钱一个的“蛇皮袋”。

中国的服装企业亮相四大国际时装周的作用是，将中国元素带进了国际时尚圈，让中国元素得到国际服装品牌的认可和使用，使其成为国际时尚的一部分，为中国服装品牌的国际化奠定了基础。此后，中国服装品牌的设计创新也成了国际时尚的创新，中国服装民族品牌就变成了国际的高端品牌，这样中国的服装产品出去了，价格就上来了，服装设计创新的利益就更有保障了。现在，参加各地的国际时装周，展示企业最新的创新产品，成为各大品牌服装企业展示企业形象，提高企业知名度，获得产品订单的重要形式。

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1、服装设计专业是轻纺食品大类学科下的一个高职专科专业。本专业要求自学者学习服装学科的基本理论和基本知识，进行服装设计方法、服装结构、服装生产纸样和成衣生产工艺、服装营销等方面的基本训练，成为具有服装设计、生产管理和营销等方面专业技能的、能够到服装企业生产第一线从事服装生产技术与管理岗位工作的高级应用型人才。

2、专业核心课程与主要实践环节：服装结构设计与制作、服装设计、服装CAD、服装生产管理与营销、排料与推板、服装立体裁剪、服装专业英语、时装画技法、时装画基础、服装配色与图案设计、专业实训等，以及各校的主要特色课程和实践环节。

（来源：文章屋网 ）

篇11

丝绸面料的特殊性主要体现在质地、手感和外观等方面，不同的表现方式所传达出来的风格也将不一而足，而传统的丝绸面料的运用具有很大的狭隘性和局限性，例如古典旗袍、丝绸睡衣等。尽管现在市面上许多能够带给消费者新鲜感的新型丝绸面料，但是设计师在寻求设计方法的过程中，不能仅仅依赖面料的新型开发，而是应该以丝绸面料特有的自然属性展开设计。设计师必须熟练掌握不同组织成分的丝绸面料相适应的工艺技能、设计手段。丝绸面料具备的天然的柔韧性、悬垂性、通透性等是丝绸服装造型设计的重要切入点，合理的设计需将这些属性糅合起来。例如华伦天奴在2010年春夏推出的真丝服装，除了传统的丝绸面料花卉刺绣的设计手法，更多采用了丝绸面料的立体、层叠、叠透的手法。图2的款式中，蕾丝面料、褶边裙的层叠设计、不同部位的立体造型与面料叠透让服装整体显得优雅与精美，把丝绸面料特有的柔美和婉约刻画了出来。另一款服装中（图3），荷叶边的重复层叠增加了服装的体量感，波浪状的繁复线条增添了面料的丰富性，充分体现出了丝绸面料的自然属性塑型特征。而图4这一款中，则是以叠透的设计手法处理面料，充分利用其自然通透的特质，含蓄地展现了面料的花型与色彩，并在面料与人体之间营造了一种值得玩味的张力。无论是立体设计、层叠设计，还是叠透的设计手法，都是依据丝绸面料本身的自然属性特征展开的符合流行趋势的设计手法。丝绸面料的属性特征是设计师首要思考的，只有结合丝绸面料的属性特征，才能真正赋予丝绸面料服装以独特的时尚美感。

二、合理的分割设计

在利用丝绸面料自然属性展开设计的过程中，面料的天然性必然要求服装款式的分割要合理。首先，丝绸的天然不牢固性不允许有过多的分割设计。其次，伴随目前全球经济的不景气，国内经济发展速度缓慢的现状，与丝绸服装设计紧密相关的丝绸面料的涨价、人工的涨价等各种困扰。设计的过程不能仅仅是纯粹的能动的创造行为，它必须是能够将设计思路与生产成本、消费者心理等各个环节相贯穿的综合性的物质创造行为。因此，合理的分割设计在丝绸面料服装设计中显得至关重要。可以通过印染等设计手法，将丝绸服装多体现为面料款，利用较少的分割设计充分体现面料的花型。目前丝绸面料的印染技术已经是相当的成熟，丝绸面料的服装设计师完全可以通过各种印染图案体现丝绸服装的款式特征。笔者在中国丝绸日•“达利之夜”流行趋势活动的作品中,运用数码喷绘等印染技术，在素绉缎丝绸面料上印染了非洲主题的图案（图5、6），采用简洁的打褶皱设计、不对称设计等设计手法，减少款式的分割设计，简约的分割凸显了丝绸面料的花型，从而使得服装在面料、造型、色彩以及装饰手法上有效统一。无论是素绉缎、雪纺还是其他真丝面料，其面料本身的自然性、悬垂性等特征必然影响到服装的款式设计。丝绸面料牢固度远远不如化纤等其他面料，过多的设计分割线不但会降低服装的牢固性，而且会让丝绸面料失去其面料本身塑造的服装自然形态。（图7）用真丝雪纺面料展开设计，越简约的分割设计越能够体现丝绸面料服装的特征。另外，局部的分割设计在丝绸服装中的运用，既体现了潮流服装中的拼接设计手法，又合理地避开了丝绸面料的不牢固性。（图8）

三、结语

篇12

关键词：服装设计；灵感；风格；程序

服装作为人们生活基本需求的“衣、食、住、行”之首，在社会的发展中占有重要的地位。服装设计的灵感则是指一种人们无法自控的、创造力高度发挥的突发性思维。灵感的出现具有突发性、增量性、短暂性、专注性四个特征。

一、灵感的取舍原则

对出现的灵感有所取舍，才能去芜存精，更好地为设计服务。

（1）形象感。首先要求灵感的形象感清晰可辨，这对具象灵感自然要容易一些，对抽象灵感则要求其可感知性强，才能被利用，否则，过于抽象思维的纯理念灵感是无法用于设计形象的。

（2）色彩感。色彩也是激发灵感的主要因素之一。在色谱中的色彩几乎都已在纺织品中出现过，但是，色彩的组合却千变万化，从理论上来说，色彩组合是无限多的。色彩感还包括图案内容，图案缺少了色彩因素会黯淡无光，同样一组图案可以有成千上万种配色。

（3）题材感。题材感在创意服装设计中非常强调主题，主题则由题材来表现。实用服装设计虽然不强调主题（其所谓主题往往是为了称呼方便而定的），但却并不排斥题材的选择。新颖的题材可以让人耳目一新，有清风扑面之感。

（4）趣味感。某些灵感来自结构和工艺方面。在冥思苦想中会找到解决结构问题的窍门，在缝制实践中会得到工艺方面的灵感。选择结构与工艺方面的灵感要注意合乎服装特征的趣味性，这也是抽象设计灵感在服装上的具体表现。非要在服装上表现具象造型是对设计灵感的片面理解，抽象造型处理得好，会使服装情趣盎然，而且比具象造型更含蓄、更有韵味。

二、表现程序

一般而言，灵感的表现程序如下：

（1）漫想。灵感有时是个不可捉摸的思想精灵，无法知道它何时出现。迎接灵感最好是以漫想的方式进行。所谓漫想是指不经意和无羁绊地想象，是在轻松的气氛中进行的。漫想的过程是量变到质变的积累，灵感既可能在漫想的过程中出现，也会在漫想中断后突然出现。漫想也可以利用设计方法中的联想法进行，由一个事物展开放射思维，直至出现所需的灵感。

（2）记录。记录的方式可以是多种多样的，按照每个人的工作习惯和环境条件而定。记录方式大致上有图形、文字和符号三种，或规则或潦草，只要自己能看懂就行。

（3）整理。记录下来的灵感一般是比较潦草而简单的，也并非每个灵感都适合用到服装上去。尤其在记录到众多灵感时，更要注意对灵感的整理。可以对每个灵感进行一定程度的放射思维，并从中找到最佳发展方向。

（4）完成。草图配合人体效果图是虚拟地检查设计的空间状态是否合理的步骤之一。经验丰富的设计者可以在绘制效果图的过程中发现问题并改正。

三、灵感的来源

（1）姐妹艺术。绘画、雕塑、摄影、音乐、舞蹈、戏剧、电影、诗歌、文学等姐妹艺术是设计灵感的最主要来源之一。古今中外的姐妹艺术在很多方面是相通的，不仅在题材上可以相互借鉴，在表现手法上也可以融会贯通。绘画中的线条与色块、雕塑中的主体与空间、摄影中的光影与色调……都能被服装设计所利用。

（2）科技成果。科技成果似乎与艺术设计毫不相干，然而随着社会的进步，不仅对人才结构提出了文理并举、科学与艺术相结合的要求，且具有艺术细胞的科学家的研究成果往往更胜人一筹，因而大力提倡智商与情商共同发展的口号。

篇13

导出合理设计计划与创新设计方向。这一工作，都离不开逻辑思维。它的优点就是严密。也叫直线思维、硬思维。它就像一根垂直的链条，上下都环环相扣，没有松动的余地。所以逻辑思维就显得不够生动，它需要形象思维来弥补不足。但逻辑思维在创作设计中又是必不可少的，它是企业品牌策划和季度企划中不可或缺的工具，它为设计制定了方向和目标。没有它，作品就会缺乏深度、缺乏思想内涵。形象思维服装反映历史、服装反映人文精神、服装是时代思想特征、哲学流派和艺术风格的集中体现。所以服装创意、创新首先要符合时代特征，满足人们渴求精神和生理需求，这样的创意与创新才会有意义。

服装设计与色彩创新

人们几乎无所不在的与色彩发生着密切的关系。无论走到哪里，人们都能看见世界的奇异与艳丽，都能感受到大自然的诗情画意。春天来临，百花盛开，万紫千红，争奇斗艳，使人赏心悦目，流连忘返。正是色彩的魅力，才使世界富有神韵和生机。不能想象，人类如果失去色彩，世界将会变得怎样。色彩是人类心灵的弦。流行色的出现是与常用色相对而言的，各个国家和民族，由于种种原因，都有其自己喜爱的传统色彩，如中国，黄色视为尊贵和权势的象征，所以为历代帝王所选用。传统色是长期相对稳定不变的几种或几组色彩。

传统色一般不会象流行色那样风靡一时，为人们争相使用，或者普遍使用，但传统色会为一个地区的人群或一个民族长期的习惯性的使用。传统色是流行色沉下来的精华，有时它也会上升为流行色。服装设计就是把诸多形状和色彩围绕穿着对象进行综合考虑，以最终实现协调的目的，与形体相协调的色彩，时尚的色彩，无疑丢人们的穿着欲望具有强烈的刺激作用。那么什么样的色彩要算新鲜的色彩呢？流行并不是由单独的个人行为决定的，也非少数设计师闭门造车，灵机一动凭空想出来的，它的变化动向受到社会经济、科技进步、消费心理、色彩规律等诸多因素的影响与制约，设计师只有遵循这些客观规律才能不断创造出新的流行，给人们展现出光彩照人的风采。但是要做好这些并不十分简单。首先，设计师要具有较深的艺术修养，尤其是对服装艺术的敏锐感觉和修养的同时，又由于服装艺术司与人们生活十分贴切的“雅俗艺术”所以要求设计师要有深厚的生活积累。

这是因为服装兼有绘画艺术、造型艺术等等姊妹艺术形式的因素外，自救的形成了服装画，服装模特表演等独特艺术风格，而且更多更广泛的与人们的日常生活紧密联系在一起，它的艺术美感更多的是在穿着者日常的穿着过程中表现出来。设计师无论是设计使用的生活装还是设计纯艺术的舞台表演装，运用自己的艺术手段和设计技巧设计自己的作品时，只有将自己的艺术生命与现实完美结合，他所以设计的服装才能成为现实基础上的富有高雅美感的真正的艺术作品才有可能成为一个流行的主角。另一方面，服装设计师还有掌握流行色变化的规律和当前流行色的流行状况，我认为这是任何一个优秀设计师所必须要做到的，因为设计师不是流行的设计者，而是流行的预见者和展观者，是人们追求流行的引导者。

要把握流行色的脉动频率，必须把握流行的变化规律，流行色变化的社会因素。流行色也是一种使人感觉强烈的心理刺激，正如色彩是一种刺激一样，持续反复的的刺激会使人对某一种色彩感到疲倦，于是便产生了欲求刺激的意识，人类喜欢欲求新奇的天性和决定了流行色的动态变化，而人的逆反性，补易性由使人们在寻到新的刺激后的一段时间又想回到原来的状态或与原来近似的状态。于是流行色产生了流行周期的变化。

服装设计的面料创新

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兼顾服装内涵与外延的整体统一，能够结合自身不断积累的深厚文化底蕴：固守民族文化充分发挥主观能动性，自主创新：对时尚有敏锐的触觉，具有自己的特色；能用发展的眼光看问题是优秀服装设计的关键。

关键词：

内涵与外延；整体与局部；创新；时尚；环保；发展

服装作为微型活动的建筑，内在意识的选择外物化。实际上，是设计者本身思想和三观的展现。服装的设计并不是商业环境下速食的快餐，经受不起时间的考验。它应作为一种人生的积累沉淀，一种对生活对生命的感悟，在把握时尚发展脉搏的同时融合自身对文化的理解，所呈现具有深度的作品才称的上是优秀的服装设计。

一、服装的内涵与外延结合

服装以其外在呈现为直观的传达。服装设计是赋予产品内涵价值的过程。一件作品能折射出作者的三观，通过加工提炼从而实现升华为艺术。将其思想渗透到服装中使服装更有生命力更具鲜活的感染力，再结合外在的形式充分表达出来。使作品给读者带来更深的启迪。反之，而那些相近貌似的相对形式的作品，其实质是混乱无序空洞无条理的。优秀服装设计是既注重内在功能价值又能通过好的形式展现思想，二者有机统一的设计。这样的服装设计突出作品的思想内涵，而且还通过好的形式以艺术的方式展现，从而提升精神与审美的价值。

二、设计中局部和整体的统一

只有通过不断地概括总结提取服装的社会需求且形成独树一帜的风格才能在行业竞争中立于不败之地。麦克拉肯得出结论说，服装构成了“一种特殊规则”，这种规则由于缺乏选择和组合的规范而几乎受到全面限制。[1]在当今，穿着者作为服装的载体，寻求服装设计符合自己的精神需求所体现出服装的个性化趋势日益加强。当你的设计缺乏个性始于重复，跟与模仿的时候，就会失去消费者的青睐，在众多的设计品牌里淹没，甚至被忘却。为此设计师要在市场在商品消费的大环境下找到自己的售众，就需要结合服装的特殊性更好的迎合市场需求。

三、推陈出新，革故鼎新

中国服饰数千年来一直遵循传承优秀民族文化的观念。儒家思想的代表孔子提倡“文武”，他认为服饰不可以不分贵贱，必须“约之以礼”。老子的道法自然依从人的本真，也是设计师们灵感迸发不断设计的来源，墨子的节用非乐提倡的实用朴实的设计等。设计师要结合内心对民族文化的认知归属感并能更好的萃取保留名族优秀文化，海纳百川，博采众长，不断创新，从而成为优秀民族文化传承的人。面对儒家思想我们应取其要义仁礼去其阶级制度。从生活中汲取能将设计自然融于理念的方式与此同时能体现民族文化，将其内涵充分彰显的方法。坚持民族文化主体性和创新性之间找到切合点，将服装内容和形式完美统一起来，用服装形象反应社会生活。在国际国内大的形势下，共同前提中，保持其区别于其他设计师有强劲生命力的个性特征，实现中国服装在全球文化中的主体性。

四、把握时尚，与时俱进

服装设计所属的时尚品味的好坏正是决定服装最终是否符合大众潮流的重要因素。莱佛的时尚定律阐述了时尚具有适应时代的特性，经典的服装是当时代集体智慧精神的产物，服装会受到社会生产力政治格局的影响且是具有决定性的作用。[2]当服装的生产符合时代的步伐时他将和时代一同发展，市场供求营销会影响其产品的寿命。相较克鲁伯的研究是相对于各个阶段的晚礼服的衣长衣宽，揭示了服装作为一个时尚的循环，而后的研究通过服装体现社会生活的动荡。[3]及时较好的归纳类似背景的产品在市场上呈现的规律能帮助产品在市场上抢占先机，加大市场份额所占比例从而以规律延长产品在市场上的寿命。这些对于时尚研究的解读也正是作为设计师需要不断认知探索最迫切紧密的关键步骤。

五、用发展的眼光看问题

在实行可持续发展战略的当今，我们要发展节俭环境友好型经济。以时装行业的发展为例;面料的生产作为纺织时装产业的基础，促进时装产业的更替，会凭借各个季度服装的潮流趋向来生产风格，类型不同的面料。如何既能满足社会需求又能控制和减轻环境污染，成为未来设计师予以高度关注的问题。当下的种种污染使我们心有余悸，面对危机四伏的环境，赖以生存的栖身之所已与我们的生活甚至生命休戚相关。不仅是自身的生存问题而且更会影响到以至于整个人类的生活发展的状况，为此设计要以环保作为基点，融入防治结合，双管齐下的思想意识。一方面是针对已经产生的问题提出合理的解决措施，因地因时制宜；另一方面追寻产生结果追源溯流。要保证环境的安全,使人类与自然环境和谐共处。我国仍然存在许多服装行业在环保上的问题,与发达国家相比在总体纺织质量水平上存在差距：

1）环保技术、标准，还不够完备。服装生产设备和技术落后。不但出台标准的速度落后国外而且检测设备和专业技术人员也不齐备。检验方式技术层面上的推广和精准度可信度上,也存在着较大的差距。

2）我国纺织产业对环保型纺织材料的开发不够重视。在技术上的创新也落后于其他国家。没有或不适合进行生产和处于试验阶段的纺织品是研发生产过程一直存在的现象。

3）服装生产的流程设备技术落后有待提高。以高支密和高强力为高档织物的标准,对织物的风格类型把控这一环节意识淡薄。

4）服装行业的环保意识观念急需强化。企业面对全球的绿色经济席卷而来缺乏敏感性，使接受挑战变得捉襟见肘。生态纺织品认证的观念并未得到众多企业的支持与实行,只有些许企业意识到相关问题从而去实行绿色认证。由此，在国内外总的趋势下我们要更好的辨别作为服装设计的要领更要懂得结合市场和环境用发展的眼光，环保的意识来设计出更符合时代的作品。优秀的服装设计是需要有足够的文化底蕴，艺术修养；需要懂得如何把握服装的内涵外延整体统一的表达；需要紧跟时尚的潮流用发展的眼光看问题解决问题，需要懂得如设计、美学、摄影等众多学科的跨专业的综合型性人才。

作者：阮程展 单位：福州大学厦门工艺美术学院

参考文献

[1]叶朗美学原理北京：北京大学出版社2009.4.

[2]克雷克时装的面貌北京：中央编译出版社1999.03.08.

[3]高格细说中国服饰北京：光明日报出版社2005.9.

[4]宗白华中国艺术意境之诞生，见艺境北京：北京大学出版社1987.

[5]莱佛，品和时尚：法国大革命至今，伦敦：哈里伯出版社，1937年.

[6]莱佛，时装风格，伦敦：牛津大学出版社，1949年.

[7][美]克鲁伯和理查森，跨越世纪的女装时尚.