传统艺术形式精选(十四篇)

序言：作为思想的载体和知识的探索者，写作是一种独特的艺术，我们为您准备了不同风格的14篇传统艺术形式，期待它们能激发您的灵感。

篇1

中国的传统艺术以其灿烂多姿的形式呈现于世人的面前，并为动画爱好者们提供了大量的设计素材，不论是从整体动画风格还是个体角色设定哪个方面来说，都凝聚了中国传统艺术的内涵。评论一部动画片的成功与否，不仅是要看其故事发展的情节，还需论其文化底蕴和内涵。中国传统文化历经了上下五年前的历史变迁，积累了大量的、丰富的艺术形式，这些传统文化艺术为动画中造型提供了丰富营养和表现元素。

1、中国传统戏曲

要想真正的将中国传统艺术元素运用到动画造型的刻画中去，那就一定要透过外在的皮肉，将中国传统艺术元素渗透其中。也正是渗透在动画造型中的这些中国传统元素真正打动了现代的观众。中国戏曲它起源于原始歌舞，是一种历史悠久的舞台艺术样式。它约有三百六十多个种类，其中较为著名的戏曲种类：京剧、豫剧、越剧等，京剧更是奉为中国的国粹。中国戏剧中丰富多彩的传统文化形式为动画造型的设定提供了大量的创作素材，如动画短片《骄傲的将军》中角色的造型设定就借鉴了京剧脸谱的表现形式，吸取了戏曲造型的特点，既有程序化的规范又有鲜明的个性表现。片中主要人物大将军造型的设定就是在京剧“花脸”的基础上加以夸张变形，从而突出表现其人物威武、真实的性格特点。

2、中国传统水墨画

水墨文化可以看作是最能代表中国传统艺术的一种形式，它的浓淡相宜；它的水墨交融；它的浑然天成无不展现出独特的中国意境。中国水墨元素正因为拥有着独特的民族语言特色和古典文化的底蕴，引起了中外很多动画造型师们的关注。它开启了人们对于点、线、面及图形的一种全新的动画造型方式。从中国最早运用水墨艺术形式来表现的动画片《小蝌蚪找妈妈》到经典水墨动画《山水情》，都是以写意的方式，以墨带画，笔触简练，线条流畅的表达了民族的个性，表达了国人的情感。

二、中国传统艺术形式在动画造型中的运用形式

动画造型要求形式感这一点是毋庸置疑的，我们在做造型刻画时不仅要靠文化艺术修养的积累，还应考虑采用怎样的手法去具体表现它。一个成功的动画造型设计，需要我们在了解剧本文化内涵的情况下用最为贴切的手法去表现出来，这一点至关重要。

1、中国传统“线纹样”在动画造型中的运用

线，是中国智慧的祖先们最本能寻找到的一种最便利、最直观的记录方式，现存最早的战国帛画《龙凤人物图》中就赋予了线条神奇的艺术魅力。线，包含着中国传统文化中最原始的艺术因素，也孕育着最早的审美意识。从仰韶文化中的“鲵鱼纹”到青铜文化中的“饕餮纹”再至魏晋时期连绵婉曲的线描风格，无不透露着线条在中国传统艺术形式中的表现力。

2、中国传统装饰性色彩在动画造型中的运用

在中国传统的色彩象征里，有五种最基本的元素：黄色象征土、白色象征金、蓝色象征木、红色象征火、黑色象征水。而在这些传统颜色元素中，最被人们熟知和使用的是红色，现也称为中国红。其实在中国原始社会，红色也是第一个被应用于人类生活的颜色。中国传统色彩的运用会给动画造型的设定带来浑厚、醒目的感觉，如动画片《九色鹿》中虚实结合的装饰性色彩的运用，典型的中国红突出了神话传说的意境，营造出一个亦真亦幻的神奇世界。

三、结语

篇2

1我国传统造型理念对现代艺术设计的影响

我国传统文化经过了一个长期的历史发展过程，它承上启下，继往开来。从一万八千年前的山顶洞人使用的装饰用品开始，到五千年前的仰韶文化，经历了夏、商、春秋，人们掌握了青铜冶炼、铸造技术；从商周青铜器到汉代工艺品；从举世闻名的“唐三彩”再到精美优雅的宋代瓷器；从明代苏绣到清代家具，这些构成了我们中华民族的工艺设计历程。当然，还有我国的书法、绘画、戏剧、建筑和民间艺术。中华民族上下五千年的文化所产生的传统民族造型形式丰富多样，这些造型理念对现代艺术设计都产生了巨大的影响。在当前多元化的世界文化格局之下，传统民族造型形式的发展要将民族性与现代化融合统一作为自己的选择，重新构建具有鲜明民族文化特色的传统造型形式，在保持中华民族文化特色的同时，真正承担传承民族文化精神的使命。以尊重和强调文化艺术的民族性为前提，使传统造型形式超越单一的西方中心主义或中华民族的本位思想。作为中华民族文化标志之一，传统的民族造型形式定将获得新的发展。

2我国传统图案纹样在现代艺术设计中的运用

我国古代艺术设计活动产生了丰富多彩的图案纹样，像彩陶、青铜器和金银器的出现，给我们后人留下了许多宝贵的图案纹样。例如，原始社会的彩陶图案，不同的彩陶在制造的过程中在造型设计、装饰花纹纹样、色彩、技术工艺等方面都有所区别，而彩陶的制作过程也出现了从简单到复杂的过程，图案形式也是经历了从简洁、明快到纷繁复杂的过程。盛行于商周时期的青铜器，在图案方面一定程度上是在彩陶图案上的继承和发展，但是在制作的材质、工艺、造型、功能等方面都有了很大的区别。青铜器独特的造型设计与装饰设计蕴含了当时人们的物质观念和精神观念。如今现代的艺术设计，继承了传统的工艺美术和传统图案与纹样。在现代化的服装设计当中，古典装饰图案纹样都能够较好地表达我们民族文化的风格、形式。从审美价值来看，我国传统图案纹样是最能反映我国特色的艺术形式。它能够体现中国文化内涵，又符合当今世界潮流，体现了民族的就是世界的。作为现代的设计师必须具有全球的文化视角，自觉继承我国的优秀文化传统，掌握本民族的文化精华，从中汲取精髓，使自己的现代艺术设计更具有民族文化的特色。我国的传统图案纹样的发展与继承和创新是分不开的，它是一个动态的变化过程，是一个不断发展传承的过程。它拓展了传统手工艺的范围和形式，增加了一些新的品类、形式、风格和材料。同时，在于能否将先进的现代文化、科技和传统艺术相结合，能否适应当今社会的文化物质需求，能否不断推陈出新。本质上来说，这就是在继承的基础上的创新。

3我国传统艺术形式与现代艺术设计的融合

篇3

［关键词］ 中国文化；中国动画；表现特征

中国的动画事业，经历了曲折、艰辛的发展，而又取得了轰动世界的成绩。这期间，动画题材多样，艺术风格表现丰富。从万氏兄弟的《铁扇公主》到现代版的《宝莲灯》，从电影院里气势恢宏的动画电影到情节多变、叙事丰富、造型生动的动画系列片，动画片以其特有的艺术形式受到不同年龄层次观众的喜欢,中国文化内容在动画中发挥了重要作用，动画对中国传统文化还起到了传承发展的作用。

一、中国文化元素与中国动画

（一）文学作品与动画

动画中的中国文学元素始终伴随着中国传统动画片的发展，中国早期动画片《铁扇公主》是在迪斯尼的《白雪公主》取得成功之后产生的，创作者想通过中国传统的神话题材，来展现中国动画的魅力。虽然作品把原来故事中孙悟空打败牛魔王和铁扇公主的情节改成孙悟空唤起民众，与大家一起战胜牛魔王，从而将象征性的抗日内容放入影片。这种隐喻的表现手法一方面表现了万氏兄弟的爱国思想，一方面也是“文以载道”的中国传统意识形态的表现。《铁扇公主》中传统元素的成功运用，拉开了我国动画片“中国风”的序幕，奠定了中国动画的民族风格，开创了中国动画的新纪元。

动画片《大闹天宫》也是取材于中国古典文学名著《西游记》，而动画中的形象同样具有东方民族气质，美猴王的行为也是民间赞颂的楷模，动画中的场景、人物形象的创造也具有中国民族符号语言，动画中还贯穿了中国民乐风格的旋律。总之，传统动画中的文学艺术元素贯穿始终。

（二）戏曲文化与动画

中国的动画艺术一直与中国戏曲文化相连，有着割舍不断的情结，中国戏曲的独特形式与中国传统动画相得益彰，构成了具有强烈的民族特色的动画风格。自从1935年万氏兄弟创作的我国首部有声动画片《骆驼献舞》诞生后，继而在1957年上海美术电影制片厂提出了“探索民族风格之路”的口号，从此就开始了中国动画的民族风格发展。中国动画艺术家从中国传统文化当中汲取营养，力求表现出中国特有的民族风格。先后诞生了《骄傲的将军》《猪八戒吃西瓜》《大闹天宫》等一系列具有中国文化、民族特色的优秀动画片。在人物表现上，将戏曲因素引入动画片，在一些运动场面，戏曲舞台效果明显，这些成功的尝试，开启了传统戏曲与动画相结合的开端。动画片《骄傲的将军》中，不仅借鉴了京剧中的脸谱形象而且借鉴了京剧中的动作，动画片中将军的造型源自京剧中的花脸造型，伸手指人时，食指和中指并拢，和京剧中的表现一样，配合戏曲的鼓点，角色动作具有京剧中节奏优美明快的特点，充满了中国独特的京剧传统特色。将军的形象和表情借鉴了京戏的风格，影片的背景音乐运用民乐，使画面与音乐完美地结合在一起，既有中国的艺术风格，又有鲜明的性格特征。

二、中国多民族文化与中国动画

（一）民族传统故事在动画中

中华文明源远流长，每个民族都有自己的民俗、民歌、民间故事和英雄传奇，都有津津乐道的人和事。几千年来的中华文明为动画电影创作提供了取之不竭的素材和源泉。

（二）民族艺术表现形式

中国动画创作中的水墨、剪纸、皮影、木偶等最具中国特色的动画制作技术及表现手法深深地影响着世界动画艺术的创作。中国动画在中国传统文化背景下，动画创作的艺术家们通过有意识地对传统艺术遗产的吸收及正确地借鉴与继承，中国动画形成了独特民族艺术体系与美学品格，以丰富多彩又独具一格的民族风格样式及民族艺术手段，展示了中国动画的魅力。

中国早期动画片中有许多表现风格借鉴民间的艺术手法，如木偶、泥偶和布偶、剪纸等艺术，通过不同的材料和不同的表现手法，创作出了很多耳熟能详的优秀动画形象。以木偶和泥偶为主的《阿凡提的故事》《神笔马良》《孔雀公主》《曹冲称象》《崂山道士》都是偶类动画片代表。《阿凡提的故事》是偶类动画的成功之作，动画中不仅形象突出可爱，内容也通过一系列诙谐幽默的民间故事起到一定的寓意。偶类的动画片制作方法特殊，造型纯朴可爱，动作稚拙赋予动画片独特风格。从场景造型上看，场景中的道具相对逼真，增加了动画的可视性，同时拓宽了动画的表现形式。偶类动画片形象立体，质感比平面动画的形象更让人觉得亲切真实，但受条件和制作限制，偶类动画片中动作笨拙，过渡不够连贯，面部表情、细部不够突出，正是偶类动画片的这些特点更凸显出偶类动画片的纯真可爱，也更能体现出创作者的个性风格。

中国传统动画中强调动作的舞台效果，有极强的观赏性、虚拟性、表演性和符号性，动画在表现上借鉴和采用了传统戏曲、水墨画技法、民间剪纸、皮影和木偶等艺术形式，体现出了强烈的东方文化气息并成功地塑造了很多观众熟悉的动画形象。

三、中国传统绘画的表现形式

（一）绘画的“写意观”

中国绘画发展历史悠久，绘画风格多样，其中写意最能体现中国特色。在动画发展中动画创作者把写意的手法借用到动画中，同样也取得了轰动世界的成绩。在动画片《牧笛》中，不仅形象用水墨造型，而且表现牛在水中的镜头时，巧妙地运用牛和鱼之间运动关系来表现牛在水中的镜头。背景运用墨色的焦、浓、重、淡、轻来显示空间的透视和清晰的层次空间，又通过人物和动物在空间活动的比例关系、透视关系来判断空间的大小，影片弱化叙事强调意境，音乐在作品中也起到了渲染画面的作用。传统的音乐与水墨画融合在一起，有着出神入化非同寻常的效果。影片中主要场景以皴染的笔法干湿浓淡相结合，画面丰富而有序。人物和老牛细节处理，准确传达人物的内心世界，把人和老牛的性格、所思所想、情感生动地表现出来。

（二）中国传统绘画的表现形式

中国的传统动画造型设计注重从我国的传统绘画中吸取独特的艺术元素。动画从产生时就与绘画有密切联系，动画片在我国最早的名字为“美术片”，早期创作出的许多优秀动画片，都非常强调画面美术性，与绘画的密切相连，展现了中国绘画特点。张光宇、张正宇为《大闹天宫》造型，李可染为《牧童》造型，韩羽参与了《三个和尚》的造型，众多的艺术家为动画的发展作出贡献。绘画艺术的许多美学思想、艺术风格、造型风格等都影响了中国动画风格的发展。

汉代画像石、画像砖、北魏石雕、各种流派的绘画、民间工艺都是动画片的创作源泉。《哪吒闹海》的人物设计参考了敦煌、永乐宫的壁画和民间版画，吸收了这些艺术形式中的艺术特点，采用装饰画风格，色彩鲜艳，风格雅致，想象力丰富，线条简练，配以民间画常用的青、绿、红、白、黑等色彩，把传统艺术提炼加工，塑造了具有鲜明民族色彩的动画形象。《九色鹿》的画面色彩艳丽，画面采用了莫高窟壁画的风格，音乐采用唐代特色，画面奔放浓丽，充满了想象力和生命的张力，尤其以九色鹿与动物们出现的场景最为突出，画面充满浪漫主义色彩，场景中到处开满了五彩缤纷的花朵，红色的土地，绿色、蓝色的叶子，加上身披九色的鹿，各种深色的蝴蝶，黄色和红色的鸟儿，红、白、蓝的兔子，各种各样的动物和植物竞相绽放着生命的光彩和活力，影片中又通过九色鹿真善美与告密者的丑恶虚假嘴脸对比，引发出善与恶的斗争思考。

《三个和尚》具有鲜明的民族特色，影片中大量采用中国传统的艺术风格，借用中国画中以简代繁、以少胜多的艺术手法，简化背景突出人物情节起到了事半功倍的作用。影片中还采用了民间音乐，情节与音乐同步，音乐的节奏就是叙事的节奏。画面颜色淡雅，但是用色与表达内容相统一，颜色变化传达出作者想表达的东西。片中红色的袈裟，板胡的演奏，暗示出小和尚年少、活泼、聪明调皮；瘦和尚穿着深蓝色的袈裟与坠胡，暗示出瘦和尚的狡猾贪婪；胖和尚穿着浅黄色的袈裟配以浑厚的管乐，衬托出胖和尚不拘小节憨态可掬的性格。而胖和尚出场时，被太阳追着走，胖和尚身上颜色的变化也体现出胖和尚的感觉的变化，胖和尚在烈日下，首先是白白的脸被晒为浅红色，然后是红色，在扎到水里洗脸后，脸随之恢复成白色。这一系列颜色的变化体现出胖和尚对于炎热天气的心理感受。创作者通过对画面不同细节处理表现，丰富了动画的表现形式，更加突出了动画的民族化。《南郭先生》《小蝌蚪找妈妈》《山水情》等众多优秀动画片，充分地与中国传统绘画相结合，形成了具有中国风格特点的动画片。

四、结 语

中国传统文化博大精深，渗透到社会各领域，并有独到的创造。从传统优秀的动画片中可以看到，到处充溢着浓郁的民族化气息，给人以耳目一新之感，对当时的动画民族化探索起了极大的鼓舞和推动作用。

当下动画中，应该加大对传统文化元素的吸收和扬弃，走民族化的动画之路。

［参考文献］

［1］ 聂欣如.动画概论［M］.上海:复旦大学出版社，2008.

［2］ 孙立军,张宇.世界动画艺术史［M］.北京：海洋出版社，2007.

［3］ 赵冬.中国优秀动画电影100部［M］.北京：中国时代经济出版社，2008.

篇4

关键词：传统年画;平面设计;运用

1传统年画概述

年画在我国历史悠久，是我国古代先民的艺术创造，是民间迎新春、祈丰年的一种民俗艺术品，是独具中国文化气质的艺术符号，它也是广大群众用来美化环境、反映社会生活、寄托思想情感、表达心理愿望的一种大众艺术形式。年画历史源远流长，无论是题材内容、刻印技术还是艺术风格，都具有自己鲜明的特色。年画一直是人民大众喜闻乐见之物，然而其创作者都为民间匠人，因此一直不为达官贵人、文人墨客所重视。民间年画所表现的生活感情和情趣，是乐观向上、充满信心的，与有的传统绘画里的那种士大夫的落寞心理、萧疏情趣截然不同。民间年画是中国民俗美学的体现。它不仅对民间艺术的其他门类曾产生深远的影响，而且与其他绘画形式相互融合，成为一种成熟的画种，具有雅俗共赏的特点。著名年画专家王树村先生曾指出：年画的创作中有三诀，“画中要有戏，百看才不腻；出口要吉利，才能合人意；人品要俊秀，能得人欢喜”。这正是中国年画的艺术魅力和创作原则，也是传统民间艺术最宝贵的价值所在。传统年画的题材大体可分为五类。一类为神像，以门神为最常见，其他如财神、灶王、关王、八仙等。二类为吉祥图案，画面精致美艳，最受百姓欢迎。三类为历史人物及故事，多为百姓崇敬喜爱的先贤。四类为戏曲故事。五类为市井风格。传统年画是一种纯手工艺制品，这就决定了年画的制作不可避免地受到艺人个人因素的影响，并形成了繁多的流派与风格。

2平面设计对传统年画艺术形式的借鉴

中国传统年画有着悠久的历史，它萌芽于汉代，形成于宋朝，繁荣于明清，越千年而不衰，成为中国传统绘画艺术中覆盖面最广，使用、欣赏人数最多的一个画种，而且对邻国，日本、朝鲜、泰国等国家都产生了深远影响。创新是设计的灵魂，平面设计可以依托传统年画艺术形式从以下几个方面加以借鉴和拓展。

2.1借鉴年画的造型与技法

形式因素是世界范围的内容，它包括了对整个绘画语言的总结，这其中又有着民间绘画理论的规定作用，所以我们对民间画诀的价值有必要进行论证。中国传统年画包含了大量的神像，它最能体现民间宗教的特色。此外，中国民间文化中蕴含的传统儒家文化思想，也通过年画题材的选取和修辞方法生动传神地表现了出来，它的伦理型的审美取向使中国民间年画极富教育作用。年画的造型手段采用了中国传统的民族绘画的线条形式，但年画的刻线不是形式的拼凑或相加，而是综合了如“十八描”等多种传统技法用笔，还大胆地吸收了外来的“泰西笔法”，亦即西方的焦点透视的笔法，创造出了独具一格的造型体系。年画的人物造型不同于西方绘画的体面表现法，与中国传统绘画语言亦有所不同。它属于主观意象派，即是具有强烈的主观倾向的夸张变形、概括综合、写意传神，是依从心理和观念的造型，是“主观意象的造型观”，兼有“原始造型法”或称为“原始风格”的遗韵。人物造型总体效果主观色彩极强烈，缺少自然形象的真实感，但却严格遵守了心理和认知观念上的真实，是经验与思维中的真实性的艺术体现。传统年画某种程度上正是“通过某种错误的绘图，正确地再现了物体”。这种主观意象的造型特点有两个：一是意象的变形夸张；二是综合概括。传统年画造型的主要特点是依从创作者的知觉、主观意向而来，它在服从形象的功能和观者欣赏趣味的同时，又被赋予了浓厚的感彩，充满了奇妙的想象。平面设计中可以借鉴年画的这些创作特点。现在的平面设计没有固定模式，传达给受众的内容随着时代的变化而更迭。现代设计恰当的运用传统年画的造型与技法会增加作品的文化内涵与底蕴。

2.2借鉴年画的色彩运用

传统年画多采用原色，这由年画以木版套印色彩的制作方法所要求的，同时又与中国的“五行”和“五色”观念有着密切的联系。年画多用原色，少用间色的创作法则，使它在色彩上呈现出对比鲜明、强烈、主观随意、夸张概括、富有象征性的特色，在色彩观念和赋色原则上，仍属于主观意象派。年画色彩在发展过程中，继承了传统中国绘画，尤其是工笔重彩人物画、宗教壁画的绘色方法，又吸收了传统的其他民间美术品好尚原色、艳色、明快、清新的特点，形成了自身特色。平面设计中可以借鉴民间艺人对色彩的运用，了解画诀中关于色彩的口诀，根据人们的习俗好尚，审美趣味来择色。从原始社会对色彩的感性冲击到现代设计的理性欣赏，平面设计中的色彩有着强烈的感受力和冲击力，在现代平面设计中应借鉴传统年画的用色手法，运用到达理性阶段的色彩来传达作品包含的情感，引发观者的共鸣。

2.3借鉴年画的构图手法

民间年画的构图特色是饱满、均衡、整齐、讲求装饰效果、具有概括性和程式化的趋势，同时在物象的取舍和安排上又有很大的随意性，服从主题表现的需要，即按内容决定构图形式，具有较强的主观色彩。年画构图中的物象来自现实生活，但并非照搬实物，而要求对之加以取舍、提炼、综合概括。“真、假、虚、实、宾、主、聚、散”的八字要诀，就是关于年画人物构图的宝贵经验。在表现风俗、风景、动物花草题材的年画中，也常用概括、简化、夸张、虚构的手法进行构图，并将究“意、理、功、趣”。传统年画的构图样式在现代平面设计中有很多借鉴之处，设计中可采用技术手法进行创作和表达。平面设计可以借鉴年画以内容决定构图方式的特点，使设计画面构图多样化。同时可以学习年画的散点透视方法和“平视体”兼具的平铺并列，不讲层次、互不遮挡，打破时空限制，随主观意愿和心理的需要，自由组合物象，打造“倒透视”画面或局部画面，呈现出“原始造型法”的稚拙意趣。

2.4借鉴年画“意”的表达

年画中“形”的内容好学，重点是“意”的元素如何呈现。所谓“图必有意，意必吉祥”，传统年画的“意”是指图中表达的深层含义，也是年画的魂。平面设计可对传统年画中蕴含的精神层面的意义加以借鉴和利用。赋予作品深刻的寓意，引导人们的审美倾向。年画中赋予的“意”大多寓意吉祥，这种因素运用到平面设计中，更容易打动人心。民间年画在传统文化的沃土中成长，现代平面设计借鉴民间年画也显示了传统文化的重要性。只有回归传统，才能创作出更多富有中国特色的优秀平面设计作品。

3结论

艺人们巧妙地对中国传统绘画图式整饬产生了年画的形式，体现了这个群体的智慧与创造。本文重点探讨了年画形式给平面设计带来的艺术拓展，为创造更丰富的艺术形式和内容展现了一个广阔的天地。

参考文献

[1]孔雷.探析中国传统图形与现代设计元素的融合再设计[J].hi－na'sForeignTrade，2011（12）.

篇5

“终结”一词于现今的文化发展而言已然不能作为其字面本身来认识，在不断地热议与反思中，而今的“终结”之意味在西方已然衍变成了否定之否定的较为理性的发展之路，用中国化的语言形象述之便是其文化艺术的发展之路亦如浴火中正在“涅槃”的“凤凰”。中国最为传统的戏曲艺术在它发展的数百年之中无不历经着巨大的风云变幻，诸多剧种亦应和着历史的车轮在不断的创新与变革中生存，唯有婺剧发展至今仍旧较为完整地保留着其原始的样式。然而，婺剧并不能打破适者生存的定律，所以今天的婺剧处于凤凰最为痛苦的涅槃之中也就不足为奇了。

一、传统与现代的审美裂变

如今是科技的高端时代，它将整个人类置于全球化的语境之下，尤其是影视艺术文化所特有的强大魅力，一跃而成为了当今社会最受欢迎的大众文化娱乐形式，拥有着极为庞大的受众群体，加之，网络媒体的迅猛发展，更增强了影视艺术自身的艺术魅力和传播能力，其规模越来越大、能力越来越强、覆盖面也越来越广。传统婺剧在这样的大背景之下，其自身的滞后性跟局限性也越发的突显出来，于京剧、越剧、黄梅戏等相较，本就已经慢上半拍的婺剧于当下所面临的生存考验自是艰难无比。

我们不妨将婺剧与黄梅戏、越剧作一比较。黄梅戏是在吸收当地说唱艺术“罗汉桩”以及青阳腔、徽调的演出内容和表演形式的基础上，产生了故事完整的本戏。这说明，黄梅戏的源发与婺剧很相似，主要体现在两个方面：其一，二者都植根于民间，最初只不过是劳苦大众自娱自乐的一种表演形式，且具有浓厚而又淳朴的生活气息。其二，因青阳腔、徽调（即徽剧）都同源于南戏，故而两者间的声腔剧目必然有着许多类似之处。所不同的是黄梅戏的成熟与发展迟至18世纪末至20世纪初（即清朝钱嘉末期），且影响远胜于婺剧。主要是因为黄梅戏在其成熟之后勇于创新和改革，不局限于农村的小草台，而将视角渐渐迈向城市的大剧院，逐步将戏曲的内容跟形式演练得更加现代化，同时，有效的借助于当时的新兴媒体——电视电影，将其搬上荧幕，从而极大的扩大了自身的知名度，一跃而成为了中国五大戏曲之一。

中国当代很多戏曲也都是借助于新兴传媒的力量来提升自身的知名度，除了黄梅戏，还有与婺剧同属一个地域的越剧，越剧也是在浙江这一戏曲传统肥沃的土壤中迅速成长壮大的，其发展历程与黄梅戏极为相似，为全国广大观众所熟知并不仅是因其委婉优美的唱腔跟美轮美奂的服饰妆容，而主要是能紧跟时代的潮流，将戏曲不止搬上大剧院，而且还成功搬上大银幕。而婺剧则仍然固守着极为传统的艺术表演形式，鲜有革新。或则，婺剧自身所承载的传统艺术过重，其浓郁的巫傩气息又更为适宜乡间草台，而黄梅戏、越剧等这类新剧种，孕育成熟的时间也大都为中国文化体制大变革时期，在新文艺、新思想的氛围中提炼了传统艺术的精髓，对具有于封建传统思想的诸多剧目大胆革新和创新，使其更能符合当时文化的变革浪潮，而婺剧主要以巫傩为核心戏曲样式，因而在从传统到现代的审美裂变中显得茫然无措。

一项调查显示，在信息传播尚不发达的年代，浙中民众以观赏戏剧为主要娱乐方式，中老年人对婺剧的认可程度相当高。而在高度发达的信息化时代，婺剧的受众群体更多的以老年群体居多，很多年轻人对婺剧这种古老艺术几无认可。调查中还发现，表演婺剧的人也越来越少，除专业演员外，只有少数老年人表演婺剧，鲜有青年人涉足其中，而且情况正变得越来越糟糕。随着这种趋势加剧，婺剧将成为无源之水，甚至在这个审美裂变的时代走向消亡。

二、于裂变中寻求突破

婺剧在当下生存的最大障碍是它浓厚的以巫傩为核心的表演程式，虽然在这种程式上吸收和囊括了古典戏曲的诸多艺术精髓，但随着文化全球化的逐步深入，婺剧自身所承载的这种极为传统的表演程式越发地显出了它自身的滞后性。所以，笔者认为，婺剧要想在当下寻求突破性的发展，就必须从传统的戏曲模式中走出来，通过变革，形成新的艺术形式，使自己的“基因”在这些新的艺术形式中得以传承。拿京剧来说，在很多流行音乐、影视剧作、歌舞表演等极受年轻人欢迎的现代艺术形式中，都有京剧元素，如具有“亚洲天王”之称的创作型歌手——周杰伦，于2006年为《霍元甲》创作及演唱的同名主题曲《霍元甲》，其中便融入了京剧的唱腔，一时间掀起了一股热潮，很多著名歌手也随之效仿；同年，在《星光大道》的舞台上，一首《新贵妃醉酒》将京剧与当时流行的R&B等时尚曲风巧妙相融，其惊艳无比的古典造型以及一人独唱的男女混合“双声”唱法，不仅让人们记住了李玉刚，更将京剧的热潮推向了极点。尽管对于李玉刚这种融中国的戏曲、古典舞、民歌、美声、通俗等于一体的全新表演方式，遭到社会各界颇多的争议，但毕竟这是对传统戏曲文艺变革的一种尝试，而受到那么多年轻观众的热捧则证明其变革的成功。从这一点来看，至少他们为中国戏曲开辟了一条可兹借鉴的新出路。其实，婺剧完全可以在这条新开辟的道路中寻求相应的突破。就笔者而言，婺剧可以从以下两方面来作些尝试：

首先，借助网络媒体，特别是电影艺术的力量进行有效的传播。京剧、越剧、黄梅戏等全国性的大剧种之所以有如此大的知名度，其中最为重要的原因之一，就是有效地借助了媒体的力量，成功的将戏曲改编成电影。婺剧可以从这些成功改编的剧种中获取一定的经验，毕竟，电影的拍摄技术与戏曲相较而言，其技术更为复杂，在叙事上与戏曲又有着极大的出入。如戏曲本以曲调多、念白少为特点，始终以唱为先导。而电影由于在叙事上的强大功能，歌唱在戏曲电影中的叙事作用己不明显，唱的比例往往被压缩。1962年的越剧电影《红楼梦》就把舞台本中的“前葬花”、“劝黛”等唱段删节了。为了便于观众理解，电影中戏曲的唱词和念白也常常被改得浅显平易、通俗易懂，发展到后来甚至出现普通话对白、电声音乐大行其道的局面，如黄梅戏电影《生死擂》以中西合璧的乐队音乐伴唱，戏曲的声腔音乐特点模糊。再有，戏曲与电影最大的不同主要表现在，戏曲主要将虚实结合作为艺术的审美要求，而电影则以其逼真性为审美前提，这必然要求戏曲电影以大量生活化的表演取代舞台上程式化的动作。

当然，就戏曲自身与电影艺术所存有的相悖的表演手法而言，倘使将婺剧的发展仅仅凭借于电影艺术，将很难展现出婺剧自身鲜明的传统艺术特色，且有将其同化为电影，失却婺剧本身独有韵味的危险。符号学美学大师苏珊·朗格曾经指出，“适用于各门艺术之间的交叉关系的无所不在的原则就是同化原则……在一般情况下，同化原则均以人们熟悉的方式起作用……每一门艺术都有它自己特有的基本幻象，与这种基本的幻象相比，其它任何一个种类的虚幻形象都是次要的，这就是说，在艺术中并不存在着美满平等的婚姻——存在的只是成功的。”’因此，婺剧在借用电影艺术的表现手法之时，如何最大化的有效保留自身的戏曲样式而又不被电影所同化，是婺剧首要解决的一大难题。

其次，可以将婺剧的表演程式衍生开来，不拘泥于传统的表演模式。戏曲艺术的美不在于绚烂的灯光、瑰丽的舞台设计，而主要来自于演员的表演，加之，戏曲表演是集音乐、文学、舞美于一身，是一门歌舞合一、唱作并重的综合艺术。故而当下的很多流行时尚的音乐元素都能够将其融入其中，李玉刚之所以能够获得热捧，便是巧妙地将古典与现代相融，将京剧的经典唱腔跟表演程式杂糅于现代的流行歌舞元素之中。婺剧的表演程式与京剧很是相似，且服饰、面具都有其自身的独特性，故而，可以将自身这种独有的特质结合当下众多的流行元素，包括以高科技为支撑的炫目的舞台背景，从而迎合时下年轻人追求快节奏的审美需求。当然，这里并不是说要改变婺剧自身的戏曲样式而一味的趋同于歌舞的模式。就譬如京剧，其自身的戏曲样式并不会因为李玉刚的走红而使京剧本身有所改变，只是说在京剧的基础上衍生出了另一种更为人喜爱的娱乐形式，而这样的娱乐形式不仅提升了京剧的知名度，而且也将京剧的经典元素融入到了各类流行的娱乐形式之中。

一个非常成功的案例是，2012年由浙江师范大学艺术团选送的原创舞蹈《婺魁》，在全国第三届大学生艺术展演决赛中凭借独特的文化创意得到了一致好评，并获得艺术表演类舞蹈节目甲组一等奖第二名。《婺魁》的指导老师李娜说，《婺魁》的灵感来自于婺剧的“跳魁星”，将“跳魁星”中的服装、配乐、动作，舞蹈中的每个元素都要进行了“现代化”的改造，《婺魁》的舞蹈动作大多是“魁星”特有的摇头晃脑和细碎横向的走路姿态，除了最基本的“矮子步”，她又创造了不下五种的新步子，或左右晃着头小跑，或抬起胳膊上下震动，甚至还融入了霹雳舞的元素，使得传统的“跳魁星”有了新的爆发力。而最能表现“魁星”形象的另一个重要元素便是面具。魁星的脸，是一张三段式的面具，以红、蓝为主色调，眼睛、鼻子、嘴巴都很夸张，像某种怪兽，通过含在口中的钢丝牵动，可以开合嘴巴，做出各种滑稽动作。歌舞中的“魁星”其面具用了极为大胆的色块冲突，每张嘴的大小、獠牙的多少、面部的表情都不一样，乍看像化装舞会上的假面。通过这样的改编，使《婺魁》中“魁星”的形象更现代，也更富有戏剧性。《婺魁》的成功不仅在国内备受好评，于国外也是赞誉不断。

从《婺魁》的成功可以想见，只要不过分拘泥于传统的表演程式，勇于创新，将婺剧其自身的古老性渗入到现代的流行元素之中，从而焕发出新的生命力，决不是异想天开。衍生化的发展于中国戏曲来说是一个大的发展趋势，即以保留自身的戏曲艺术为内核，将戏曲最为经典的部分杂糅于当下各类流行的歌舞之中，从而有效提升自身的知名度和影响力。

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本文介绍了传统年画的艺术性、历史背景和分类，重点从借鉴年画的造型与技法、年画的色彩运用、年画的构图手法和年画“意”的表达四个方面分析了平面设计对传统年画艺术形式的借鉴，阐述了年画形式给平面设计带来的艺术拓展。

关键词：

传统年画；平面设计；运用

1传统年画概述

年画在我国历史悠久，是我国古代先民的艺术创造，是民间迎新春、祈丰年的一种民俗艺术品，是独具中国文化气质的艺术符号，它也是广大群众用来美化环境、反映社会生活、寄托思想情感、表达心理愿望的一种大众艺术形式。年画历史源远流长，无论是题材内容、刻印技术还是艺术风格，都具有自己鲜明的特色。年画一直是人民大众喜闻乐见之物，然而其创作者都为民间匠人，因此一直不为达官贵人、文人墨客所重视。民间年画所表现的生活感情和情趣，是乐观向上、充满信心的，与有的传统绘画里的那种士大夫的落寞心理、萧疏情趣截然不同。民间年画是中国民俗美学的体现。它不仅对民间艺术的其他门类曾产生深远的影响，而且与其他绘画形式相互融合，成为一种成熟的画种，具有雅俗共赏的特点。著名年画专家王树村先生曾指出：年画的创作中有三诀，“画中要有戏，百看才不腻；出口要吉利，才能合人意；人品要俊秀，能得人欢喜”。这正是中国年画的艺术魅力和创作原则，也是传统民间艺术最宝贵的价值所在。传统年画的题材大体可分为五类。一类为神像，以门神为最常见，其他如财神、灶王、关王、八仙等。二类为吉祥图案，画面精致美艳，最受百姓欢迎。三类为历史人物及故事，多为百姓崇敬喜爱的先贤。四类为戏曲故事。五类为市井风格。传统年画是一种纯手工艺制品，这就决定了年画的制作不可避免地受到艺人个人因素的影响，并形成了繁多的流派与风格。

2平面设计对传统年画艺术形式的借鉴

中国传统年画有着悠久的历史，它萌芽于汉代，形成于宋朝，繁荣于明清，越千年而不衰，成为中国传统绘画艺术中覆盖面最广，使用、欣赏人数最多的一个画种，而且对邻国，日本、朝鲜、泰国等国家都产生了深远影响。创新是设计的灵魂，平面设计可以依托传统年画艺术形式从以下几个方面加以借鉴和拓展。

2.1借鉴年画的造型与技法

形式因素是世界范围的内容，它包括了对整个绘画语言的总结，这其中又有着民间绘画理论的规定作用，所以我们对民间画诀的价值有必要进行论证。中国传统年画包含了大量的神像，它最能体现民间宗教的特色。此外，中国民间文化中蕴含的传统儒家文化思想，也通过年画题材的选取和修辞方法生动传神地表现了出来，它的伦理型的审美取向使中国民间年画极富教育作用。年画的造型手段采用了中国传统的民族绘画的线条形式，但年画的刻线不是形式的拼凑或相加，而是综合了如“十八描”等多种传统技法用笔，还大胆地吸收了外来的“泰西笔法”，亦即西方的焦点透视的笔法，创造出了独具一格的造型体系。年画的人物造型不同于西方绘画的体面表现法，与中国传统绘画语言亦有所不同。它属于主观意象派，即是具有强烈的主观倾向的夸张变形、概括综合、写意传神，是依从心理和观念的造型，是“主观意象的造型观”，兼有“原始造型法”或称为“原始风格”的遗韵。人物造型总体效果主观色彩极强烈，缺少自然形象的真实感，但却严格遵守了心理和认知观念上的真实，是经验与思维中的真实性的艺术体现。传统年画某种程度上正是“通过某种错误的绘图，正确地再现了物体”。这种主观意象的造型特点有两个：一是意象的变形夸张；二是综合概括。传统年画造型的主要特点是依从创作者的知觉、主观意向而来，它在服从形象的功能和观者欣赏趣味的同时，又被赋予了浓厚的感彩，充满了奇妙的想象。平面设计中可以借鉴年画的这些创作特点。现在的平面设计没有固定模式，传达给受众的内容随着时代的变化而更迭。现代设计恰当的运用传统年画的造型与技法会增加作品的文化内涵与底蕴。

2.2借鉴年画的色彩运用

传统年画多采用原色，这由年画以木版套印色彩的制作方法所要求的，同时又与中国的“五行”和“五色”观念有着密切的联系。年画多用原色，少用间色的创作法则，使它在色彩上呈现出对比鲜明、强烈、主观随意、夸张概括、富有象征性的特色，在色彩观念和赋色原则上，仍属于主观意象派。年画色彩在发展过程中，继承了传统中国绘画，尤其是工笔重彩人物画、宗教壁画的绘色方法，又吸收了传统的其他民间美术品好尚原色、艳色、明快、清新的特点，形成了自身特色。平面设计中可以借鉴民间艺人对色彩的运用，了解画诀中关于色彩的口诀，根据人们的习俗好尚，审美趣味来择色。从原始社会对色彩的感性冲击到现代设计的理性欣赏，平面设计中的色彩有着强烈的感受力和冲击力，在现代平面设计中应借鉴传统年画的用色手法，运用到达理性阶段的色彩来传达作品包含的情感，引发观者的共鸣。

2.3借鉴年画的构图手法

民间年画的构图特色是饱满、均衡、整齐、讲求装饰效果、具有概括性和程式化的趋势，同时在物象的取舍和安排上又有很大的随意性，服从主题表现的需要，即按内容决定构图形式，具有较强的主观色彩。年画构图中的物象来自现实生活，但并非照搬实物，而要求对之加以取舍、提炼、综合概括。“真、假、虚、实、宾、主、聚、散”的八字要诀，就是关于年画人物构图的宝贵经验。在表现风俗、风景、动物花草题材的年画中，也常用概括、简化、夸张、虚构的手法进行构图，并将究“意、理、功、趣”。传统年画的构图样式在现代平面设计中有很多借鉴之处，设计中可采用技术手法进行创作和表达。平面设计可以借鉴年画以内容决定构图方式的特点，使设计画面构图多样化。同时可以学习年画的散点透视方法和“平视体”兼具的平铺并列，不讲层次、互不遮挡，打破时空限制，随主观意愿和心理的需要，自由组合物象，打造“倒透视”画面或局部画面，呈现出“原始造型法”的稚拙意趣。

2.4借鉴年画“意”的表达

年画中“形”的内容好学，重点是“意”的元素如何呈现。所谓“图必有意，意必吉祥”，传统年画的“意”是指图中表达的深层含义，也是年画的魂。平面设计可对传统年画中蕴含的精神层面的意义加以借鉴和利用。赋予作品深刻的寓意，引导人们的审美倾向。年画中赋予的“意”大多寓意吉祥，这种因素运用到平面设计中，更容易打动人心。民间年画在传统文化的沃土中成长，现代平面设计借鉴民间年画也显示了传统文化的重要性。只有回归传统，才能创作出更多富有中国特色的优秀平面设计作品。

3结论

艺人们巧妙地对中国传统绘画图式整饬产生了年画的形式，体现了这个群体的智慧与创造。本文重点探讨了年画形式给平面设计带来的艺术拓展，为创造更丰富的艺术形式和内容展现了一个广阔的天地。

参考文献

[1]孔雷.探析中国传统图形与现代设计元素的融合再设计[J]，2011（12）.

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在世界人们的心目中，俄罗斯艺术是成功的，而这成功的背后，却没有剥离开对俄罗斯传统艺术的继承与延续。继承，是对俄罗斯艺术的承接，而延续，则是在俄罗斯艺术中注入了时代的色彩。这也就意味着，俄罗斯艺术并没有将其轻盈的步伐停留在某一个时代，而是将斯拉夫人特有的融合精神渗入到艺术形式当中，以其开阔的胸怀接纳来自八方的艺术形式，以俄罗斯的艺术理念塑造了俄罗斯艺术特有的风格。有人说艺术史家是极具有冒险精神的，并会以乐观主义面对一切，恰恰是这些精神，成为了俄罗斯艺术创作的理念。艺术作品是写实与虚幻的完美融合，然而这种艺术的表达却是宛若仙境一般的高贵，不仅要用眼睛去欣赏，还要用心灵去体会，感受艺术形式的内在涵义。也许俄罗斯的传统艺术是用手描绘出来的，而蓝图则是在心灵深处塑造，并以俄罗斯风格表达出来，那种威严之感令人肃然起敬，却没有因此而失去热情，而且还实现了雄壮与优雅的完美融合。

一、俄罗斯当代油画艺术

对于俄罗斯的油画，我们并不陌生。当踏入俄罗斯的美术博物馆的时候，俄罗斯传统的物质生活和精神生活就会从这些陈列品中渗透出来。俄罗斯民族味十足，其华丽的装饰，丰富的表情，极富感染力的造型，都会令人不禁想到了俄罗斯的生活环境和思想境界。如果观看原创作品，就会发现这些油画所呈现出来的内容，不仅是俄罗斯民族的自我展示，更是生活的升华。

俄罗斯是中国最大的陆地邻国，在油画创作风格上与中国有着不解之缘。两国有着同样的深厚文化底蕴，这让油画艺术作品更容易解读。与中国的油画相比较，俄罗斯油画更具有明显的精神气质。如果说深沉、大气和理想主义情怀是俄罗斯油画艺术的传统特色，那么，那种浓重的人文气息和以写实为主体的现实油画艺术，则是当代俄罗斯油画艺术的经典。在俄罗斯绘画艺术中，现实主义油画艺术堪为是最高成就。

从中国的俄罗斯当代精品油画展中，可以体会油画写实中鲜明的现实主义元素，这成为了俄罗斯美术中的一大特色。近些年来，俄罗斯油画艺术正在发生着新的变化，主要是基于俄罗斯油画与世界艺术潮流发生碰撞而产生的结果。俄罗斯油画极富民族特色，在传统美术的基础上注入现代艺术因子，实现了艺术的升华。民族特色以现代的艺术风貌展示出来，形成了不同以往的艺术风貌。

俄罗斯新生代画家具有创作精神和探索的勇气，这种创作的时代特征中同样坚守着现实主义的原则。但是他们所遭遇的挑战也是前所未有的。油画的艺术样式中还要有其它艺术样式的运用，以彰显出本土特有的审美情趣。如果说20世纪80年代为传统的“现实主义”题材搪塞的年代，那么，真正的现实主义是当代画家所创作的，其中所涵盖的时代元素更能够引起受众的共鸣，并在绘画样式上表达得恰如其分。以“俄罗斯当代油画展”的展示为例，这些高水平的油画风格清新而优雅，刻画细腻，虽然富于时代的气息，但是民族传统底蕴却蕴涵于其中，将俄罗斯风土人情静静地陈述出来，油画的艺术魅力也因此而散发出来，并给人以理性的思考。俄罗斯油画进入新生代，其所呈现出来的不仅是民族的自信和开放，更多的是民族的凝聚力体现。

二、俄罗斯的雕塑艺术

俄罗斯是一个伟大的民族，俄罗斯的雕塑艺术的发展，推动着世界的艺术史。如果说雕塑在艺术史中所起到的作用是持续的推动作用，那么，俄罗斯的雕塑艺术，则可谓是对人类的美的历程的述说。

俄罗斯雕塑伴随着这个国度成长，一路走来，无论是政治上的统一，还是文化上的成就，都有雕塑在其中留下痕迹。俄罗斯雕塑受到当时苏联严肃题材的影响，逐渐由现代主义向现实主义发起了了挑战。从艺术创作的特点上来看，主要是从传统的民族精神出发，实现了古典审美与时代的融合，并将这以精神贯穿于现实主义雕塑的艺术风格当中。带有现实主义创作风格的雕塑，在雕塑语言的表达上，仍然坚持着古典主义，这就是深受俄罗斯人民喜爱的史诗性主体雕塑。

以斯维什尼科夫的雕塑创作为例。其雕塑作品虽然没有延续古典主义，但是在造型上却延续着古典主义的风格。因此，斯维什尼科夫的雕塑具有现代主义的风采，与古典主义文化之间存在着差别。这一点从创作思想上也足以体现出来。斯维什尼科夫的雕塑无论是从创作思想，还是价值取向上，都把持着现实主义的观念。其所采用的都是现实主义的语言和雕塑表达形式，而情感和理性则是从民族意识出发，在肯定了物质特性的同时，还将具象主义的哲学基础和终极表达勾勒出来，显示出当代现实主义的新的文化语境。

艺术总是紧跟着时代脚步，雕塑作品尤其如此。人类社会总是处于不断变革的历史长河中，俄罗斯拥有着人类艺术的精华，也诉说着人类世界文明。当一些人类本体精神脱离了政治之后，就会从艺术家的艺术创作的作品中流淌出来。但是在艺术创作的价值取向上，总是离不开本土的传统文化色彩。

在斯维什尼科夫看来，艺术是人的精神体现，应该对人的认知进行解读，并对社会问题、文化风潮以及生活现实都要有极高的敏感度。斯维什尼科夫所创作的雕塑是以现实主义的写实风格作为主要的创作形式，但是与传统的写实主义有所不同，现实主义的写实更能够将人类的心理状态反映出来，是现实社会中升华的新的语言文化和当代意识。

斯维什尼科夫认为，在进行雕塑艺术创作的时候，要注重写实，更要注重写实直觉性。真实的事物，也是客观的，作为一名雕塑艺术者，要以冷静的态度思考雕塑创作，才能够使艺术成为现实主义观念下所创作出来的具有独立意识的艺术作品。艺术是抽象的，雕塑艺术是以写实的手法而表达出来的艺术抽象。斯维什尼科夫的雕塑作品虽然是以当实作为主题，但是其内核仍然延续了俄罗斯传统，所凸显出来的依然是俄罗斯灿烂的文化。

艺术作品的内容源于“形式”本身，俄罗斯雕塑即是如此。如果说20世纪中期的雕塑艺术具有明确的主题，那么，当代的雕塑艺术则呈现出具有大众性和宣传性的色彩。雕塑艺术家的内容世界已经不再从艺术作品中体现出来，而是以单纯的艺术形式，实现其导向性的作用。此时雕塑艺术则更为体现为现实主义的大众艺术。 在俄罗斯的艺术发展进程中，雕塑艺术呈现出多元化发展的局面。这就需要对俄罗斯雕塑艺术从其社会历史发展的角度加以解读，才能够做到客观对待，并从更高的层次充分认识俄罗斯雕塑艺术的成就。

三、俄罗斯传统艺术形式的发展趋势

（一）俄罗斯传统艺术走向创新之路

俄罗斯于2006年设立了当代艺术创新奖。关于艺术创作的特征，在评奖标准中就已经体现了出来。其一，艺术创作要能够将俄罗斯的现实生活深刻地体现出来，并对当今的社会问题具有深刻的思考价值；其二，艺术创作要具有前卫性特征，所呈现出来的艺术样式要具有当代性，并体现为影像、表演以及装置的形式。其三，艺术创作要具有综合性特征，要求艺术创作过程中，要将多种艺术形式融为一体，多种艺术样式之间不再界限分明，而是逐渐模糊化。这就充分地说明了俄罗斯传统艺术要跟得上社会的脚步，就要在保持传统的基础上，注入时代的因子，以实现艺术形式的创新。比如，原本破旧的文化宫音乐厅经过艺术加工之后，变成了苏联记忆的殿堂。其艺术创作的目的是提醒人们，这里留存下来的仅仅是历史的回忆，虽然依然留存有材料支撑的外壳，但已经日渐损毁。这当然也是在昭示着苏联的命运。因此而被命名为“行进过程”。

在2005年的一部艺术创作作品“墙”，则是艺术创作综合性特征的代表性作品。艺术创作者所关注的问题是当中国正处于“美术馆时代”的时候，当代艺术正在被官方的美术馆所收容，或者在商业画廊上展出。但是这堵横亘在前卫与体制之间的那堵墙已经逐渐消失，也预示着两者之间的对立正随着这堵墙的消失而致使墙内和墙外的对立趋于融合。

（二）俄罗斯的画廊艺术

所谓的画廊艺术，事实上是创建艺术交流的途径。进入21世纪以来，俄罗斯艺术登上了一个新的台阶。越来越多的俄罗斯艺术家走上了世界艺术殿堂。与此同时，俄罗斯的绘画交流也越来越受到重视。各种艺术画廊成立起来，不仅促进了俄罗斯绘画艺术的交流，而且还起到了艺术品收藏的作用。比如，俄罗斯国立特列季亚科夫画廊是俄罗斯规模最大的艺术博物馆之一，其所收藏的艺术作品已经超过了五万件，以其作为载体，在促进艺术交流的同时，还可以将俄罗斯当代艺术推向更高的层次。

（三）俄罗斯的艺术作品展览

一些经历了苏联时期的艺术家往往会由于画风等等因素的影响而受到排挤。为了促进当代艺术的健康发展，私人美术馆的发展为这部分艺术家提供了作品展示的机会。比如，俄罗斯有“当代艺术收藏俱乐部”，其艺术展览的目的是希望更多的人关注传统艺术，同时还展出艺术收藏。这些艺术商人，或者其本身就是艺术家，已经成为了艺术媒介，以俄罗斯的艺术作品搭建了与外界沟通的桥梁，在推动俄罗斯艺术跨越式发展的同时，还将艺术价值推向了极致。

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一、传统艺术原创的“破”

借助数字技术或数字媒体，将传统艺术作品中的图形图像、音频视频等构成元素，通过挪用、拼贴、复制、模仿、改写等创作手法处理成易于重组、合成、传播和存储的信息碎片，从而将传统艺术解构为现代数字艺术，这种艺术表现形式上的数字化完全打破了艺术原创的传统和美学要求。对于这种解构，我们不能简单的理解成对传统艺术作品的数字化、网络化。其意义在于通过数字技术把传统艺术作品中具有独创性、唯一性和原先的不可重复性的元素进行拆分、修改、重构甚至多次重复重组使用，从而打破了传统艺术原创性的神话。

1．数字化解构

数字媒体艺术完全不同于传统的艺术形式，它是以数字技术为创作手段，以数字、网络平台为展示空间，根据作品的来源可分为两类解构方式:第一类是已存在的艺术作品经过扫描、人工输入等方式上传到数字平台。如将书籍、绘画作品等扫描后为电子图书的形式;或者直接采取人工输入的方式，将文字类作品录入数字平台。第二类是通过专业的数字软件，创作出原先不存在的数字艺术作品。如矢量插画、二维动画、3D动漫游戏等。其中，第二类解构形式在创作上是具有个性化的，而且在传播上具备公共性，可以自由修改、无限复制与传播。无论是多么令人着迷的数字作品，就其解构的本质而言，构成要素都是由0和1组成的二进制代码。从这个意义上来说，所有的数字艺术类型实际上使用的是同一种创作“语言”，其构物的本源是一样的。因此，不同艺术类型的界限在数字化艺术创作语境中会产生模糊甚至消除，各种艺术类型将易于交融，取长补短，从而创造出全新的艺术样式。

2．创作非物质化

作为艺术创作工具和创作手法的变革，数字技术完全打破了传统艺术创作中对物质材料的依赖，这种非物质性的创作方式不仅让艺术创作具备了非物质性，更为现代艺术工作者们开辟了一个数字化的、虚拟化的创作空间，大大提高了艺术工作者的效率及经济效益。另一方面，整个艺术创作过程可以自由地分解为若干个单元模块，各模块交由不同功能的创作团队独立去完成，各创作单元模块可以利用网络平台进行实时沟通，有效的突破了时空和地域条件的限制，所有这一切些都大大缩短了艺术创作的周期和艺术作品的流通，同时也加速了艺术风格和艺术潮流的新陈代谢。

3．“互文性”的兴盛

数字化的艺术作品具备了“互文性”。从个人创作的视角去看，任何创作都是从接受者转化而来，正如没有学习过写作的人无法进行文字创作;没有学习过绘画的人无法进行绘画创作，当然前提是汲取借鉴没有流于抄袭。“互文性”模糊了创作者和接受者之间的分界，将艺术活动视为创作和接受递相转化的过程;数字化后的艺术作品具备了“个性化”和“自由民主性”，使人们可以完全根据个人的喜好、灵感、需求通过建立、修改、重组创作出开放性的艺术作品，那个“艺术作品一经创作便无法更改”的时代已经成为过去。一方面，数字技术推动艺术走向民间，朝着大众化的方向前行，真正实现了“艺术服务于大众”、“艺术完成后进入公共场所或公共媒介”的普及理念。另一方面，数字技术推动艺术走向个人，实现了代表“草根文化”特质的“个性化”和“自由民主化”对“精英文化”的颠覆。

二、数字解构后的“立”

任何艺术作品，其本质上都是对既有艺术作品的再写，包括转移、拼接或者参照，甚至包括模仿、认同与遵循。数字技术打破了传统艺术自足的密封整体的观念，代之以艺术生产是在其他艺术作品在场的情况下进行的观念。

1．再塑书写方式

数字技术能够将传统艺术整体消解为关系与联系、解释与片段、局部图形与整体图像的无界、无限的艺术编织品，彻底颠覆了传统艺术的书写方式。在书写形态上，数字媒体艺术呈现为对现有艺术资源的移接和拼贴，并且通过特殊的技术手段创作出一种混同的文本形态。每件作品不再是单品，而是存在于涉及多样文本与媒体技术的文本海洋中。在书写理念上，对数字技术来说，任何艺术文本都是可塑的，各类艺术文本在彼此交织形成的网络空间内生存，通过主题处理的不同或方法处理的不同来突出艺术特征。作为一种艺术手段，拼贴和移接是后现代艺术家津津乐道的独创之举，它通过文本之间的隐喻、模仿、假借、偷换直接铲平原有的价值中心，并和已有文本形成互文关系

2．拓展艺术创作的空间

几乎每一种新技术的问世都会产生某种新的创作特征，数字技术为传统艺术带来了创作“空间”的无限拓展性，这个“空间”包括创作主体、领域、手法及理念等。其中，虚拟是最为核心的空间拓展品质，其本质是在艺术作品中生成由各种艺术形态构成的虚拟的视觉盛宴。1994年的影片《阿甘正传》中，有一根从天飘落的白色羽毛分别出现在影片的开头与结尾，借助数字技术设计生成运动轨迹和飘落的形态与观众真实的生活体验毫无二致，出色地暗示了主人公神奇的一生。影片《木马屠城》在表现两军对峙的场景时，把只有1000多名群众演员的场面虚拟成数万人的战争大场景，达到以假乱真的视觉效果。正是由于虚拟影像合成等CG数字技术的应用，将原先不可能的题材变成了可能。植根于数字技术的支撑，数字艺术形式提供的虚拟与传统艺术中的虚构完全不同。虚拟首先属于技术范畴，应当被视为一种技术行为，尤其是一种成像技术被广泛的应用到现代广告、电影工业、工程学等领域。虚拟有两种方式:一种是模拟，对物质世界已经存在的对象形态进行模仿;第二种是创造，将物质世界中不存在的对象形态创造出来，使其具备直观化和真实感，如虚拟场景、虚拟人物等。

3．改写艺术审美标准

由于艺术创作工具的解放，数字艺术不仅可以创造物质世界原本不存在的对象，能够极尽夸张传统艺术环境中无法看到的细节。凭借数字技术，人们能够完全按照自己的想法，将数字效果推向极致，艺术创作随之发生了观念上的的变化，“陌生化”和“独创性”被视为等同。只有那些能够激发受众新奇感的作品，才被视为具有吸引力和创造性。越来越多的数字艺术家出于对新技术的探索与尝试，乐此不彼的创造着现实世界里从未存在的形象，以新、奇、特作为出奇制胜的标准。“特异化”正在成为数字审美的标准，使数字艺术的世界变得无奇不有，美丽的更加美丽，丑陋的更加丑陋，恐怖的更加恐怖，可爱的更加可爱。过度化的，也就是我们所说的畸态，它并非畸形或者传统意义上的异形，而是指非自然标准的、非日常的、非常规的，它总是大于或小于自然的标准。以形态的“过度化”引起人们的视觉兴奋，在这种“过度化”标准的追求下，从视觉到意义的传达，数字技术让艺术体现出过度的效果美学。在数字技术推进和商业效益的驱动下，数字技术掀起了受众追逐对现实不存在或者无法实现的对象的痴迷，“过度化”审美被推向极致，它不再是艺术创作的标准，而是成为艺术创作的目的。传统审美活动带来的身心愉悦、精神的解放在这里被异化了，这些过度化的审美标准以极端化的形态对人的感官浅表刺激在一定程度上代替了传统的审美标准，传统艺术美的自然属性发生了改变。电影《指环王》中的咕噜、《侏罗纪公园》的恐龙等便是例证。

三、亘古不变的情感脉络

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关键词：传统声乐形式;当代声乐艺术;借鉴

一什么是中国传统声乐

所谓中国传统声乐，主要是指在中华民族语言的基础上，创作出满足中国各族人民的生理特征及其心理特点，从而采用用嗓方法与演唱风格展现出中国传统音乐的腔词律调和精气神韵，通过声乐的演唱形式，传递中华传统文化的美学品格和人文精神。

二中国传统声乐中的特点体现

（一）声乐中的语言特点

声乐区别于器乐的重要的标志就是拥有丰富的语言表现形式，这也是声乐文化特质形成的重要因素。语言与音乐的结合才能形成完整的声乐艺术。在世界语系中，将中国各民族语言划分为了五个不同的语系，但大多数属于汉藏语系，因此，中华民族的语言吸收借鉴了汉藏语系的特点，而在汉藏语系中，首先最突出的特点就是语言声调的变化，借鉴到汉语普通话中就是阴、阳、上、去的四声变化。其次，汉藏语系中的语言具有辨义功能和音乐性的双重特点，由于语言具有音乐性的特点，所以，在中国传统音乐的旋律中，并在此规律的基础上进一步突出唱词的音乐韵律美，通过对语言、润腔等具有人文意味事象的研究，特别把“字正”“腔圆”放在歌唱的首位，形成了“字领腔走、腔随字行”“依字行腔、以情带声”“字中有声、声字相谐”“字正腔圆、声情并茂”等特征。

（二）声乐中的教化特点

传统声乐对于改造社会不良风气、改造社会陈规陋习等方面有着重要的作用，在潜移默化中，人们道德也因此受到影响。所谓“移风易俗，莫善于乐”，在春秋战国时期，孔子的《论语阳货》一书中就提到了声乐的社会教化功能，书中的诸多论断集中反映了孔子认为“声乐具有教化功能”的这一思想。在《论语阳货》中他指出：“诗，可以兴，可以观，可以群，可以怨。近之事父，远之事君。[1]”而“诗”指的是《诗经》中的诗歌(歌曲)，也就是声乐作品。“可以兴”，即用起兴的方法，使诗歌(歌曲)可以感发意志，抒发感情，启动想象；“可以观”，即通过诗歌(歌曲)可以观察风俗之盛衰，观察道德之优劣，以了解社情民意；“可以群”，即通过诗歌(歌曲)，让人流思想和情感，协调人与人之间的关系，从而保持社会的和谐安定；“可以怨”，即通过诗歌(歌曲)可以鞭笞不合社会道德规范的丑恶和卑劣，引导人们加以鄙弃。换言之，诗歌(歌曲)可以塑造人格，可以安邦治世。这便是儒家的声乐功能观[2]。在中国，由于儒家思想在社会历史中始终被奉为正统，因而声乐中的教化特点也就自然成为中国传统声乐的功能观所在。

三传统声乐艺术对当代民族声乐艺术的积极影响

以古代声乐理论为基石,同时借鉴西方声乐技法,我国当代民族声乐艺术经过不断吸收、借鉴，形成了民族声乐艺术的独特风格，而其声乐理论也经过各时代的歌唱者和理论家，通过不断积累和总结而更加严谨、科学。研究并总结这些传统声乐的理论，使当代声乐艺术能够更好的吸取传统声乐理论中的精华，在学习、传承中发扬传统声乐理论中的宝贵经验，对当今民族声乐的发展有着重要的作用。

（一）中国戏曲对当代中国民族声乐的影响

在中国，戏曲种类繁多，形式多样，是我国所特有的艺术形式。尽管各地的腔调剧种差别很大，但他们都有着丰富精湛的表现方式和艺术手法，千百年来都得到了老百姓的喜爱。戏曲无论在艺术结构或演出形式上都有着其自身的艺术规律及特点，但在声乐原理和演唱方法上与民族声乐是殊途同归的，所以借鉴学习戏曲中的唱腔，在对民族声乐的发展起着不可估量的作用，可以说民族声乐是对戏曲继承、发展和创新，而同时，民族声乐又是在借鉴戏曲的基础上不断发展和提升的。具体表现在以下几个方面。

1、在语言发音上的借鉴

（1）地方方言的影响产生于我国各地的戏曲曲种是根据各地方方言的差异所决定的，语言的处理是戏曲演唱中极为重要的问题之一。在戏曲中讲求四功，即“唱、念、做、打”，其中的“唱”和“念”说的就是语言的问题。由于地域不同，使各地都形成了各自的方言，而各地方言的语调形式就形成了戏曲中的旋律，即“腔”。比如：陕西的秦腔、河南的豫剧、安徽的黄梅戏、浙江的越剧等剧种，都是用当地的方言来演唱，很受当地群众的喜爱，而这种方言的演唱形式就形成了戏曲演唱中的“板眼”，即语言（语气、语调）的节奏，语气由它的强弱顿挫决定，感情体现在长短缓急中，拍数虽使规整的，但强弱快慢变化很灵活，而这与当代民族声乐中的“节奏”则是类似的。（2）咬字、吐字的特点在戏曲演唱中我们首先讲究的就是“字正腔圆”。“字正”，就是指咬字要要音准无误，字音不能相互混淆、含糊不清；腔圆”则是要求把音乐的旋律唱得圆润、自然，使人听起来和谐悦耳[3]。在我国的传统戏曲中讲求“气为音服务、音为腔服务、腔为字服务、字为词服务、词为情节服务”的相互关系的原则，而在当代声乐艺术中，演唱者则需要根据歌曲内容、风格、情绪，在自然的语言基础上，用字音巧妙地加以运用，再进行艺术创作。

2、风格和韵味的借鉴

风格和韵味既有相似之处，又有不同之处，两者既相互区别又相互关联。在通常情况下，我们谈到风格或韵味，一般从两个方面去判定：一是语言的美，主要表现在文体、词意、感情语气、语调、声韵等；二是旋律的美，则主要通过演唱者对唱腔、节奏、强弱、顿挫、断连、收放、吞吐、滑擞、吟揉的把握和运用。“风格”体现在对作品的总体把握，而“韵味”是通常是经过“神与所想、神与物游”的形象思维和相应的艺术手段相结合之后所形成的。

3、唱腔技巧的借鉴

戏曲中的唱腔讲求“以情带声、声情并茂”，例如，在很多唱腔中，可以通过哭腔、直音、真音与假声的应用，对比、滑音、喉音、共鸣腔体的运用，节奏的特点和规律等等，使演唱者拥有不可获缺的“润腔”手法和技巧[4]。这些手法和技巧不仅可以增加声乐艺术的表现力，还可以使声乐技巧得到更好地发挥。

（二）各地民歌对当代中国民族声乐的影响

在我国56个民族中，不同的说话方式及表现形式，造就了我国民歌的悠久历史以及多种体裁和样式，主要分为四类：劳动号子、山歌、小调、长调。

1、劳动号子的借鉴

劳动号子和劳动者关系十分密切，是劳动者在体力劳动过程中编唱并直接为之服务的民歌，它的音乐具有坚实有力，粗矿豪迈的特点。它的基本歌唱形式是“一唱众喝”，在“一唱众喝”中还有半句中间的和腔、唱完一句以后的和腔、在下句的最后一字前开始的和腔等和腔方式，而这种音乐创作模式和演唱风格常借用到当代的中国民族声乐的创作的演唱中，丰富了其表现形式。

2、山歌的借鉴

山歌是自由抒发感情的一种民歌类型，它的声调高亢、嘹亮、节奏较自由，主要在山野劳动中产生，按照不同的地域，分为：在陕北地区盛行的“信天游”，在甘肃、宁夏、青海等地盛行的“花儿”，以及在内蒙西部盛行的“爬山调”和山西西北部盛行的“山曲”、湘鄂山歌、客家山歌、西南山歌、南方的田秧山歌。无论是哪一地域的山歌，即使乐段结构较简单，都能通过乐句内容的结构变化和手法，将歌曲展示的淋漓尽致，而在需要抒发感情之时，则多采用上扬的自由延长音。譬如山歌“信天游”中的“起、承、转、合”的乐句结构、乐句中的象声词等都是其山歌的特点，在当代中国民族声乐中也被时常借鉴，使当代民族声乐的表现风格更加多样化。

3、小调的借鉴

小调的流传具有广泛、普遍，形式较规整的特点，通常产生在群众日常生活的休息娱乐、集庆等场合中。小调的表现手法较多样，具有曲折、细致的特点。如闽粤台小调、湘鄂、西南小调等，形式多样，调式变化和衬词衬腔的运用都较丰富。小调以其上口、通俗易懂的音乐及语言获得了广泛的流传，同时对当代民族声乐中起到了不可复制的作用，使我国民族声乐的民族性特征更为凸显。

4、长调的借鉴

长调是蒙古民歌主要的艺术形式之一。它的音域宽广、旋律曲折、行腔时间长、装饰音丰富、旋律变化自由。而其中的柴如拉乎、舒日嘎、诺古拉三种演唱方法中的多种旋律装饰音，也在一定程度上被吸收到了当代民族声乐艺术中，使得演唱技巧更加多元化[5]。

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【关键词】延续传统 民间美术 图式 装饰性题材

传统民间美术是中华民族艺术千百年来形成的、内部传承稳定的艺术基因，是构成各种形式美术传统的“艺术之母”，其好比是水，壁画艺术是鱼。鱼在水中自由地呼吸，吸收养分，似乎不觉得水的存在，但是鱼一刻也离不开水。民间美术作为民族传统文化精髓的提炼和反映，是属于广大劳动人民的艺术，是民族文化的宝贵财富，又是各族人民智慧的结晶和征服自然、改造自然的成果。民间美术为我们提供了珍贵而又丰富的艺术资源。现代壁画艺术设计从某种角度上说，就是用新的形式手段来阐释传统民间美术，同时掌握好审美尺度。传统民间美术图式以形象、直观、生动强化了民俗的活动情景，增添了民俗活动的趣味，体现着各族人民的审美情趣和造型能力，其价值与精神贯穿于现代壁画艺术设计中，具有跃动不已的生命力。

一、延续传统文脉是当代壁画艺术设计的发展取向

壁画作为一门独立的造型艺术学科，其存在及发展始终是和各民族文化交融维系在一起的。各民族文化的积淀和融汇造就了今天丰富多彩的灿烂文化。传统民间美术图式是各民族人民在长期的生产劳动中创造出来的，以独特而又朴实的视觉效果面对大众，蕴涵了宗教习俗、民俗风情、实用意识、道德伦理等，是劳动人民世代相传的艺术形态。

延续传统文脉的根本目的是为了创造新的作品。壁画艺术在很大程度上都是在传统文化基础上发展起来的，伴随着人类文明的发展，形成追求美的理想、表现精神世界的独特艺术形式。人文与民族特性中地域文脉的传承，体现了时代精神下的内涵与底蕴。壁画艺术把多彩的形象统一在一个画面中，存在于空间环境并与周围空间环境形成一种整体的大空间，传达着艺术家的观念，表达了美与情感，使当代人疲惫的心境得到慰藉。传统民间美术图式也是在劳动过程中闪现出灵感、创造出慰藉劳动人民心灵的作品。因此，当代壁画设计与传统文化是一脉相承的，其发展取向要延续传统文化的脉络，汲取传统民间美术图式的精华，依靠本国的传统文化，表达更深层次的内涵，尽显东方神韵。

二、装饰性在壁画艺术设计中的呈现

民间美术图式作为装饰艺术，其特点在于劳动人民在创作过程中追求一种华美、朴实的装饰效果，尤其喜好优美的形式，如年画、面具、刺绣、剪纸、漆艺等，以精美的图案、流动的线条、丰富的色彩画面进行呈现。传统民间美术图式在造型表现形式上按一定的形式美法则，不完全遵循客观形态。形式美主要包括对比、协调、均衡等法则，是在人类开始劳动时就慢慢积淀了，并在实用过程中归纳概括，因此，每一件作品都是劳动人民智慧和审美的结晶，都是实用性和和审美性兼顾的作品。

传统民间美术图式的装饰魅力在壁画艺术设计中得到充分体现，其延展了装饰性强的艺术设计风格。现代壁画艺术的装饰性也不受客观物象的限制以及描绘对象本身的限制，其根据特定的环境、选题，将传统民间美术图式进行打散重构，选择具有较强象征、寓意性的吉祥图案，经过组合重新处理后进行点缀化的运用。在此过程中，受建筑功能和空间环境的影响，把客观形象处理成意象或抽象的符号，使其具有鲜明的标志性，参与空间环境再创造，形成和谐的艺术氛围。传统壁画艺术中，人们早就开始并很好地运用抽象的艺术语言来表现生活，如前人在石壁上刻画出的岩画，就是人物与动物的抽象形态。现代壁画设计多采用抽象化的图形以象征的手法来传达设计意图，其与传统民间美术图式的装饰性有异曲同工之妙，二者具有相通性。因此，传统民间美术图式的装饰性对于现代壁画艺术设计来说，不仅丰富了壁画艺术的设计语言，同时也提升了其艺术价值和人文价值。

三、壁画艺术设计中传统民间美术图式题材的借鉴

一般来说，壁画艺术都是为公共建筑设计的，面对的人群是普通大众，渗入日常生活的各个领域，帮助人们认识世界、拓宽视野、提高修养、陶冶审美情操，以形象来表现社会生活，展现人们的时代精神面貌。

传统民间美术图式在内容及题材的选取上与壁画艺术一致，富于变化，不拘一格，这和劳动人民的习俗是分不开的，如以灵芝、麒麟等形象作为吉祥的象征。壁画艺术设计中，传统民间美术图式题材的借鉴在于以象征性的方式取材，设计语言的表达除了要求形式结构的完善外，还需内容具备含蓄的象征和寓意性，使作品意味深长，让观者产生更加宽广的联想、想象和回味的空间。传统民间美术取材是多样化的，大多表达吉祥和愿望，并且以寓意的方式来象征，使广大劳动人民在辛苦劳作中得到心灵的慰藉，在表达理想的时候具有一定的现实意义，如在中华世纪坛的大型壁画创作中，作者很好地把天人合一、天地对应的精神形态贯穿于作品中，选购全国各地的五彩石雕进行镶拼，浓缩呈现了中国上下五千年的历史精华。大厅中心九柱顶天，以日、月、龙、凤为主导的浮雕，与天顶设计的光导纤维《新世纪元年宇宙星空图》紧密对应，这种互为环抱于建筑之中的圆形格局，体现了历史与未来相呼应的大气概。从中可以发现，传统民间美术图式给予现代壁画艺术设计很多影响和启发，这些是其他艺术形式无法比拟的。

结语

现代壁画艺术设计与民间美术图式相结合，取其精华，去其糟粕，根据人们的心理审美需求设计出紧跟时代步伐、营造新视觉的现代壁画作品，同时，成为提升现代壁画艺术设计的文化内涵，延展壁画艺术的艺术价值、社会价值和人文价值，绽放民族艺术生机的有效举措。

参考文献：

[1]于美成，田卫平，张大祥.壁画与壁画创作[M].哈尔滨：黑龙江美术出版社，1991

[2]汤淼.袁运甫谈中华世纪坛壁画[N].中国文化报，2001（4）.

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随着我国综合国力的不断提高、民族实力的不断壮大与生产方式的不断进步，我国的民族服饰传统得到弘扬，传统服饰造型和艺术得到关注。北方少数民族的历史背景、穿着理念及审美观念造就了北方自然的服装形式，北方少数民族在穿着上更加注重伦理问题，构成了端庄和谐的穿衣造型。除此之外北方少数民族的服饰艺术更加注重精神层面，从内而外的散发端庄大方的气质。

一、北方少数民族传统服饰艺术

（一）北方少数民族服饰艺术的构成表现

民族服饰的造型设计与服饰艺术体现了民族心态和民族习俗。北方少数民族崇尚幸福安康的民族心态，使得其民族服饰在图案上追求饱满、对称的线条，通过其特殊的服饰图案造型向人们展示了北方少数民族的美满吉祥的情感理念;北方少数民族的服饰大都用各色的丝线刺绣出勃勃生机的图案，将人们乐观的心态绘注在图案之中，不同的图案象征着不同的民族习俗，蕴含着不同的民族内涵。北方少数民族的服饰造型艺术是物质文化和精神文化的结晶，具有地域性，各民族传统服饰的改变代表着地域及习俗文化的差异，是具有代表性的服饰艺术。

（二）北方少数民族传统服饰的文化价值

北方少数民族生活在环境较为恶劣的地域内，其服饰也要具有抵御恶劣天气的作用，在漫长的发展过程中，北方少数民族的服饰造型渐渐地富含了浓郁的民族特色与地域特征，弘扬了民族特色文化。在自然条件较为恶劣的北方，为了满足生存和审美需求，逐渐地形成了既适合实际生产和生活需要的，又能体现民族文化底蕴满足审美需求的服饰造型。北方少数民族的服饰从制作材料到服饰款式均能体现出传统服饰的文化价值。

（三）北方少数民族服饰艺术的地位

北方少数民族传统服饰艺术是我国的非物质文化遗产的重要组成部分，在传统文化中占据着极其重要的地位。据史料记载，北方少数民族的古代织染艺术、刺绣艺术和服饰艺术，是现代化技术难以达到的艺术水平，具有重要的物质价值和精神价值，为我国的古代文化艺术创造了重要机遇。北方少数民族的传统服饰艺术是历史文化的结晶，表现了强烈的民族特色，在历史的变迁中经历了发展与演变，具有记载历史变迁的能力，对文化的传承意义重大。

二、北方少数民族的传统服饰造型

（一）北方少数民族传统服饰的造型特征

北方地处荒凉地带，大都以放牧为生，为了避免恶劣天气的危害和满足游牧生活的需要，北方少数民族主要是以动物的皮毛作服饰的主要原料。服装的造型比较宽松，不突出强调人体，注重服饰造型的空间效果，不要求服饰显示人体曲线，但需要绣有精细的图案，需要有实际的用处，适合放牧狩猎等其他日常活动。除却要求服装图案精致细腻外，北方少数民族的传统服饰还具有渲染气氛的功效，在一些特殊的节庆或者活动中，需得搭配相应的服饰。除此之外，为了满足人们对美丽的需要，大家会佩戴一些小的饰物，因此，北方少数民族的服饰还需要搭配一些装饰品。

（二）北方少数民族传统服饰的图案造型

北方少数民族的服饰虽然比较宽松随意，但是人们还是比较注重美的表达，在服饰表面刺绣装饰图案是比较常见的表达美的方式，北方少数民族传统服饰的图案大都来源于生活，是从自然中寻找出来的形状各异的动植物图形，取决于北方少数民族的地理环境和生活方式。图案图示大致可以分为自然、植物、动物、生活文化和装饰类等五种类型，是由基础图形经过演变、推移、提取、拓展而得到的。北方传统服饰丰富多彩，类型繁多，各民族服饰的款式都很丰富，而且其工艺手法也比较特殊，同样的材料，因工艺手法的不同会表现出不同的效果。北方少数民族的图案造型代表着文化的发展。

（三）北方少数民族服饰中的拼布艺术

拼布，顾名思义，就是把完整的布料剪碎，然后按照设计师自身的意愿以涂鸦的方式将布料拼剪成一件衣服的过程。任何一种服饰都有它自己的拼布艺术风格，北方少数民族所使用的拼布服装大都用棉麻材料制作而成，容易为人营造一种自然纯朴的氛围，然后按照颜色拼接理念，将棉麻材料染色，混搭于服饰的各个部分，理想的效果是达到配色和谐统一。北方少数民族的拼布艺术从人们长期的生活中孕育出来，是一种既实用又具审美功能的艺术形式。

三、北方少数民族的传统服饰的设计应用

北方少数民族的服饰款式较多，刺绣图案具有较高层次的艺术水平，我们可以将北方传统服饰中的细节部分提取放大，将具有民族特色的部分加以设计，应用到当今的服饰设计中。这样一来，既弘扬了传统文化，显示了我国深厚的文化底蕴，又为现代服装设计提供了助力。我们可以通过服装局部细节化的图案装饰处理、文化元素放大处理及图案和款式的重复使用来实现传统服饰的再利用，有利于我国的服装设计在当今社会占据主流。北方少数民族素来以粗犷大方著称，其服饰元素也必然体现出这种性情，这便可以使我们在服饰设计中传播中华民族的传统美德。

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在艺术和广告设计领域，由于国外各种新思潮的涌入和渗透，动摇着我们原有的价值观与审美观，使我们的作品越来越远离自身的民族个性，同样对传统不加扬弃的照搬、抄袭也导致民族艺术发展的停滞。因此，如何认识传统艺术与现代广告设计的关系，使其在现代广告设计中的应用更为广泛和深入，是现代设计师们所面临的共同课题。

中国传统艺术对现代广告设计的影响

着眼全球设计领域，处于顶级设计水平的国家往往是那些具备本国或本民族鲜明设计特色的国家，如设计发源地的德国，设计推动国美国，即使是后起得日本，虽然同属东亚国家但其设计特点也是带有明显的东瀛之风，对于具备五千年传统文化的中国，我们设计具备了更多的设计源泉，我们不能一味的学习国外，我们要创作出有民族特色的具备中国风格的艺术作品。

中国传统艺术形式多样，造型丰富，为现代广告设计提供了丰富的设计资源。遍布中国南北方的剪纸艺术，民间艺术家们通过一把剪刀、一张纸就可以表达人们生活中的喜怒哀乐，通过简洁明了的构图和造型表现创作者的思想感情。皮影艺术是我国特有的民间表演艺术，通过骨骼绑定的线来牵动其产生奇妙的表演效果，它直接推动了后来中国flas的发展。年画艺术在我国流传极广，是人们歌颂英雄、祈求平安的载体，具有浓郁的生活气息。通过对传统民间艺术风格元素的提炼，合理地运用形式美的法则，成为一种文化的有效传播载体。这充分印证了民间艺术的重要性，它是一种能够深入表现内容，能够引人入胜的艺术形式，更体现了中华民族的灵魂。

传统文化艺术元素在现代平面广告设计中的具体运用

广告用于传达信息和宣传的作用肯定了它的特殊形式，它不同于注重自我表达的油画或版画，它要求一目了然，简洁明确，使人能迅速得捕捉到所要传递的信息。它的构思要能巧妙独特，构图要概括集中，形象要生动夸张，要以强烈鲜明的色彩为手法，突出所要传递的图形信息，表现图形与图形之间的内在联系，赋予画面更广泛的含义，并使人们在有限的画面中能联想到更深邃的内涵，感受到新的意义。中国传统的美学观，能够为设计者提供丰富的营养，而中国传统艺术资源为现代广告设计提供重要的设计元素。

剪纸艺术、皮影艺术、年画艺术等传统艺术都是一种二维的平面的艺术表现形式，应用范围广且方式灵活，是生命力较强的艺术形式。把这些传统艺术形式应用于现代平面广告设计之中，不仅是对中国民族文化的继承，而且也是我国未来平面广告设计发展的潮流趋势。香港著名平面设计大师靳埭强，主张把中国传统文化的精髓与西方现代设计的理念相融合，在其招贴设计《自在》系列中，就运用了中国的水墨画技法，融合了现代技术的特殊机理效果。在国际“水”主题招贴艺术展中，“水――生命――文化”招贴图形作品，将极其强烈的民族装饰风格化的图形形象作为整幅作品的大背景，进行了丰富而适当的虚化处理，整个画面以黑白极色加以艺术表现，形成了形与色的对立与协调、冲突与融合的视觉效果，构筑了一幅在中国特定大文化场景下的具有视觉冲击力的现代平面图形设计作品。

传统文化艺术元素在现代影视广告设计中的应用

不同于平面广告设计，影视广告具有更为强烈的视觉冲击力，影视广告不仅能充分自由地让设计者发挥对某种产品的视觉表现力，也能更为准确的传达产品的信息，得到消费者的共识刺激消费者的购买欲，并通过接受频率，环境暗示等得到强化。因此，影视广告是覆盖面最广的大众传播媒体，它将在未来广告界的发展起着至关重要的作用。尤其现在的影视广告加入了动画三维特效技术的应用，这为广告创意提供了更加广阔的思维空间，丰富了创意的形式和风格手段。

在现代影视广告的设计中，中国传统艺术的表现形式越来越受到广告设计师们的青睐。以水墨艺术为例，水墨元素在漫长的历史文化中已经融人中国人的精神和潜意识中，水墨艺术在影视广告的应用最让人印象深刻的是央视水墨宣传片《相信品牌的力量》，它在第一时间利用水墨的艺术形式吸引了观众的眼球，水墨元素通过在影视广告中墨色的变化，或浓或淡、或隐或现的墨色，或干或枯、忽疾忽缓的笔趣，于万千变幻中体现水墨世界的意蕴美。观众总是在形式美的感召下去进一步品味内容的深意，体验广告带来的视觉盛宴。

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关键词：南京市；传统工艺美术；发展困境

南京市传统工艺美术作为一个体现地域文化特色的产业，它的存在和发展具备了文化传承的意义与价值。改革开放以来，南京市政府对传统工艺美术行业予以重视，大力扶持，老艺人能够获得国家补贴，从事传统工艺美术行业的企业数量日趋增多，南京市政府还专门为艺人提供甘熙故居这一创作平台。可是即便如此，南京市传统工艺美术行业的发展与其他行业相比仍较为滞后。在南京市政府重视与扶持的条件下，该行业陷入何种困境值得深思。

一、南京市传统工艺美术产业所面临的困境

1.与当代社会环境发展的不对称性

由于机械化大生产的快速发展以及西方文化的入侵，传统的思想观念和生活方式发生了翻天覆地的变化。因此，工艺美术行业不仅在生产方式上无法跟上现代社会快节奏的生活步调，而且其产品在样式、风格等方面与当代大众审美要求不相吻合，传统工艺美术与当代社会环境发展存在不对称性。

在生产方式方面，传统工艺美术行业存在封闭性，主要以师徒相授的方式传承技艺。然而学习和领悟一门工艺就需要十年甚至更长的时间，技艺学成后，制作一个精湛的工艺美术作品，少则几个小时，多则需要一个月甚至更久。例如南京金陵竹刻传人赵荣，她的手艺是祖父赵德桢传授的，经过20多年的练习技艺才纯熟。现制作一件竹刻艺术品，选购材料等准备工作就需几个月，雕刻更是个精细活，仅仅工序就有十多道，因此竹刻艺术品的制作成本相当高。虽然售价也高，可是销路却不好。这与现代生产观念“以最低的成本换取最高的经济利益”完全背离，精工细作无法获得与之相对应的回报。

在产品样式、风格方面，传统工艺美术追求含蓄内敛、淡雅自然，而现代人的审美趣味变化很快，特别是年轻人，追求时尚与个性，更不会对传统工艺美术作品中流露的古典韵味产生兴趣。

2.类别发展的不平衡性

目前南京市传统工艺美术品企业中销售额较高的主要有南京市工艺美术总公司、南京宝庆首饰总公司、南京王殿祥珠宝首饰有限公司、南京金陵金箔股份有限公司、南京金线金箔总厂、南京云锦研究所有限公司等。2010年南京市工艺美术产品销售额约22亿元，其中珠宝首饰类和金箔类分别约占总额60%和25%，云锦约占总额5%，其它三大类别的30多个品种，仅占总额10%。

由此可见，珠宝首饰类、金箔类、云锦类销售额占工艺美术产品总销售额的90%之多，而其他类别品种却几乎没有市场。例如金陵竹刻，在销售过程中，顾客听到一块竹子要几百上千元，都拒绝购买。因此，南京市不同类别工艺美术发展状况存在很大差异。

3.传统技艺人才稀少，后继乏人

南京市传统工艺美术行业缺乏技艺人才，特别是大师级人才严重缺乏。被授予“江苏省工艺美术大师”的南京有6人，苏州有21人，扬州有25人，无锡有23人。从以上数据来看，南京市大师级工艺名人与周边几个城市相比差距较大。

南京地方特色传统工艺美术技艺还面临着后继乏人的严峻问题。由于传统工艺美术的制作工艺复杂，耗时长，收益慢，市场又逐渐萎缩，所以年轻人即便对它有兴趣，也不会作为自己的职业。例如江苏省非遗传承人、绒花艺人赵树宪迟迟找不到接班人，绒花技艺面临后继无人的危机。赵树宪说：“一件绒花艺术品往往需要一个月才能制作完成，而现今社会就业压力非常大，即便有人对绒花感兴趣，也会顾及到工资待遇等问题而放弃，不会把绒花当做一门职业来做。”

现南京市传统工艺美术大师和传承人的平均年龄在60岁以上，有些已无法再从事传统工艺美术行业，加之找不到徒弟，传统技艺后继乏人。

4.规模差距、群众知晓率低

南京传统工艺美术产业规模与苏州、无锡、扬州等周边城市相比差距较大。南京工艺美术产品的销售总额仅与苏州刺绣、宜兴紫砂器皿年销售总额相等。南京市产业化、上规模的项目也相对较少。目前，南京市工艺美术品牌产品项目主要有3个：一是南京云锦；二是南京金箔金线；三是宝庆银楼的金银首饰。

其他传统工艺美术产品由于市场萎缩，发展滞后，群众知晓率低，更没有树立自己的品牌与知名度而逐渐远离人们的生活。例如南京绒花，大约只有10%的人听过并且见过南京绒花，有25%的人只是听说过，而高达65%的人从来没有见过或是听过。由此可见，南京市大量传统工艺美术群众知晓率低，品牌意识淡薄。

二、总结

南京市传统工艺美术历史悠久，技艺精湛，体现着浓郁的地方文化特色，必须加强对它的保护与研究。首先，应当重视传统工艺美术艺术形式和题材的创新，使传统工艺美术能够更好地与当代社会环境发展相适应；其次，着重扶持如金陵竹刻、绒花等发展相对迟缓的传统工艺美术，缓解类别发展不平衡的现状，并给予从事传统工艺美术的艺人更大的政策扶持与经济补助；最后，应加大对传统工艺美术的宣传力度，扩大群众知晓度，发展更多产业化、上规模的品牌产品项目。南京市传统工艺美术必会在各方努力和支持下，不断创新、不断提高，迎来更为长久的发展。

参考文献：

[1]陈苏.《浅谈传统工艺美术的保护与发展》.大众文艺出版

社.2010.8

[2]李涵，李元俊.《江苏传统工艺美术文化产业发展战略研

究》.江苏大学学报(社会科学版).2010.11

[3]张月东.《现当代环境下传统工艺美术发展的困难与应

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关键词：民间工艺；梳篦；拓展市场；产业优势

中图分类号：J50文献标识码：A

常州传统梳篦工艺是极富地方文化特色的非物质文化遗产，然而，传统梳篦工艺停留在“原生态”艰难的生存状态，面临后继无人，逐渐失去市场的局面。究其原因，主要是受文化创新和市场开拓等软肋的制约。一是业态属性限制，传统工艺，靠政府支持，自我生存能力弱；二是创作形式局限，梳篦工艺属趋同性文化产品，难以形成产业优势；三是梳篦工艺生产模式陈旧，固守传统，个体小作坊手工制作式生产，生产规模小，梳篦产品产出与经济效益不成正比；四是营销理念落后，产品处于中低档市场和末端的价位，市场发展空间小，没有建立起有效的市场化机制，所以造成产业生存危机。

民间工艺美术是文化和经济的双重体，有了文化产业，还必须有市场支撑，有了市场，就会有民间工艺的传承与发展。梳篦工艺必须立足于传统文化产业的优势，打破传统民间工艺手工作坊式的、粗放型的、小规模生产的产业单一运作方式，借鉴资本运作、市场策划、市场营销、知识产权保护等市场经营理念，把现代产业的成功经验、理念、技术引入到梳篦工艺美术市场开发中去，实行梳篦企业集约化管理与集群化产业链开发，拓展市场空间，形成梳篦工艺产业优势和经济效益，也是传统民间工艺美术保护和发展的重要途径。

一、实行集约化管理与集群化整合模式，

形成梳篦产业竞争优势传统梳篦工艺向现代产业转化，应打破传统作坊式产业运作模式，运用现代文化产业的资本运作方式，建设梳篦工艺美术产业链，形成行业管理集约化、企业生产集群化“二化格局”，提升梳篦工艺的竞争优势，更好地保护和发展民间工艺美术。

1.梳篦工艺美术行业实行集约化管理，形成产业竞争优势

集约化管理是现代工艺美术行业提高效率与效益的基本形式。集约化就是集合工艺美术人力、物力、 财力、管理等生产要素，进行统一配置，以节俭、约束、高效为价值取向，达到降低成本、优化配置、高效管理、提高经营回报，使工艺美术行业集中核心力量，获得可持续竞争的优势。

集合梳篦工艺美术人力资源，进行梳篦艺术人才集约化管理。从事梳篦工艺美术行业中，传承人在减少，从业人员技艺水平普遍不高，行业技能型的人才奇缺，加之梳篦工艺均采用家庭式、小作坊式的运作方式，人力资源分散，不能形成产业人力资源优势。要形成产业的竞争优势，必须进行人力资源集约化管理，在梳篦行业内打破地域界限，打破师承界限，打破作坊界限，整合梳篦工艺行业人力资源，进行统一上岗培训，统一人力资源调配，集中人才、智力与技术优势，进行题材创新、内容创新、工艺流程创新、经营模式创新，把人力资源和生产要素加以重新组合，才能从根本上消除分散的、多余的成本支出，有助于取得最佳的集约化经营效果。

集合梳篦工艺的艺术资源，进行梳篦艺术产品集约化管理。常州梳篦艺术资源丰富，民俗的、市侩的、宗教的内容与题材广泛，文化深厚，是梳篦工艺创新创作取之不尽的艺术资源。但是梳篦工艺行业由于工艺流程的特殊性，艺术资源分散。为了适应市场需求，创新文化产品，开拓艺术品市场，必须集合梳篦艺术资源，进行梳篦艺术品的创新与集约化管理，形成梳篦艺术品的竞争优势，这是实现梳篦产业集约化经营的出发点和归宿。梳篦工艺产业应集约专业知识、生产技能、市场信息、艺术信息等梳篦产业集群内部资源，集约研究机构、行业协会、营销市场等产业外部资源，形成知识与信息累积效应，为梳篦产业提供创新的重要艺术资源，使集群内的梳篦产业保持创新动力和活力，促进更多梳篦工艺品的创新和产出。

集合梳篦工艺信息资源，进行梳篦产品开发集约化管理。传统梳篦工艺行业如何运用信息资源，进行企业集约化管理，是传统梳篦行业发展的新课题。创造性地使用梳篦工艺信息，创造新的工作方式和经营规则，扩大梳篦企业管理时效性，给梳篦产业集约化管理带来了新的机会，挖掘出集约化管理的潜力，将梳篦产业的发展理念和管理模式搭建在信息化平台上，整合梳篦工艺信息资源，建立起梳篦行业集约化的组织架构、控制流程和艺术品营销体系，通过梳篦工艺信息集约化来实现管理集约化，建立符合梳篦企业特点的信息化管理流程。

梳篦工艺美术行业集约化管理，以自主创新、集约经营为出发点和落脚点，构建梳篦产业公共服务平台和创意研发平台和产业创意产业链。统一运行方式，运用现代创新理念和现代营销理念，实现梳篦产业联动合作。统一工作步调，实现梳篦产业集群合作，把展会、展示、交流、销售、订货结合起来，构建各级别的梳篦行业协会的管理体系，形成统一规范的集约化管理模式。

2.梳篦工艺企业集群化整合，打造产业品牌形象

产业集群超越了一般产业范围，在特定地理范围内形成多个产业相互联结的共生体，构成区域特色的竞争优势。梳篦产业应打破传统经营观念和生产方式，对梳篦产业进行集群式开发。在地理上集中有关联性的梳篦企业、供应商、金融机构组成的群体，代表着介于梳篦产业与市场间新的市场经济组织形式，使集群内梳篦企业在特定区域中具有竞争与合作关系。

以品牌企业为龙头，形成梳篦产业集群化。梳篦工艺普遍存在作坊式小规模生产方式，均属中、小企业。其产值90%以上均在规模以下（50万元以下）的企业，大部分梳篦企业各自为政、独闯天下，具有极大的不稳定性和市场的风险性。从原料供应、产品设计、工艺制作、产品包装、生产销售等环节，还没有形成与梳篦有关的供应链、生产链、商品链和价值链相关的产业。要打造梳篦工艺品牌，以梳篦品牌企业为龙头，采取以经济互助、配套、关链企业的产业集群化合作体制，形成梳篦产业集群，包括梳篦产业间的材料供应、梳篦制作、市场营销、产品宣传等环节，聚集成完整的产业链。优化梳篦产品和产业结构，提升梳篦产业集群内的产品层次。使梳篦产业在企业集群内一体化发展和集中运作，加深梳篦企业生产的分工和协作，降低企业间生产和运输成本，提高梳篦集群内企业生产效益，促进集群内新企业的快速衍生与成长。在集群内部相关企业和研发服务机构及专业人才在此发展，可以形成更多的市场机遇，获得更丰富的市场信息及人才支持，衍生出更多的品牌产品，对于维持梳篦产业集群稳定，扩大梳篦产业规模，提高生产效率，提升梳篦产业的市场竞争力，起着非常重要作用。产业集群在竞争激烈的态势中，具有专业化特征的梳篦中小企业聚集在产业群内，形成柔性与动态的合作关系。这些相关梳篦企业分享其产业集群内设备设施、艺术信息、人力资源，使梳篦企业集群内生产商密切联合销售商、学校、政府、研究机构、行业协会等支持性机构，形成集群内企业互动，能激发新思想、新方法的应用，从而提高集体创新能力，获得整体竞争优势。

以区域经济为依托，形成工艺美术产业集群化。传统民间工艺是在特定历史时期和环境下形成的生产经营模式，这些运营模式在一定程度上都有一个共同点，就是各自分离、各自为政、各自为战，没有区域优势。传统的产业发展模式固然有它历史意义上的合理性，但在世界进入新的经济、文化交融期的今天，适合梳篦产业发展的新模式，就是产业集群与区域合作。以区域经济为依托，发展梳篦产业集群，吸引更多的与梳篦相关企业集聚，扩大和加强梳篦产业集聚效应。梳篦产业集群内相关联企业及其支撑企业、地方政府、行业协会，在空间上相互集聚，形成一种柔性生产综合体，构成了区域的核心竞争力。单个企业要建立自己的品牌，需要庞大的资金投入，然而企业通过集群内企业的整体力量整合，利用群体效应，容易形成区位品牌，从而使每个梳篦企业受益。区域内梳篦产业品牌是众多企业品牌精华的浓缩和提炼，更具有广泛的、持续的品牌效应，它是一种珍贵的文化资产。这种区域品牌是由梳篦企业共同产生的，可以为梳篦集群内企业所享受。梳篦产业品牌效应，有利于在集群内资源共享，对外交流，开拓市场，提升区域内产业形象。

以产业链为模式，构建梳篦产业集群。趋同性文化产品难有市场，家庭作坊式经营影响规模档次，传统梳篦工艺品源于民间，制作原始，工艺简单，做工粗糙，产品包装不够精美，细节不够精巧，现代性不强，受众群狭小，没有形成产业规模，满足不了市场需要，也无力扩大再生产。梳篦产业也没有建立起有效的文化宣传、价值发现和市场营销机制，缺乏品牌意识，使得梳篦工艺产业形成恶性循环的境地。所以梳篦企业必须构建产业集群，打造梳篦产品市场，连动梳篦产业基地，形成从研发——原材料——制作——装潢——包装——营销——运输——售后服务的梳篦产业链。通过梳篦产业集群内生产企业、科研机构、行业协会、市场组织的链接和互动，形成集群的成本优势和规模优势。实行产业链模式可以降低成本、刺激创新、提高效率。通过产业链合作方式，可以在人员培训、技术开发、产品设计、产品销售等方面合作，使得本来不具有市场生存能力的梳篦企业，参与到产业集群，不但生存下来，还增强了集群的整体竞争力。

二、建立产品开发与市场营销机制，

拓展梳篦产品市场空间在集群式整合和集约式管理作用下所打造出来的梳篦工艺美术产品，进入工艺美术市场竞争，必须建立起有效的文化宣传机制、价值发现机制、产品开发机制和市场营销机制，良好的机制是拓展梳篦工艺市场空间的必要途径。

1.构建交流宣传机制，搭建展示平台

梳篦工艺产业振兴的希望在于思想解放，固步自封、自我束缚、缺乏信心将制约产业发展。梳篦产业应该构建有效的交流宣传机制，搭建自我展示平台，通过宣传平台，展示梳篦工艺美术的学派、流派、风格、品位与风采。

精心策划，举办高规格的梳篦展览会，为梳篦工艺产品提供一个推广、宣传、销售的平台。展览会可以由政府牵头，行业协会、梳篦企业举办方式，借鉴现代会展管理模式来经营和管理展览会，重在运用市场化运作方式，使梳篦工艺美术展示与展销活动常态化。

资讯共享，建立梳篦产业网络联盟，在政府与协会门户网站上设立专栏，与各梳篦产业集群内企业网站互联，形成梳篦产业的网络联盟，建立互联网联盟机制。行业协会及集群内企业建立联络员制，管理企业网站，及时更新信息，负责搜集业界资讯，在网络联盟平台上，梳篦产业市场化运作信息，活跃网络专栏气息，达到资讯共享，交流互动的目的。

激励创新，举办梳篦工艺美术比赛与评奖活动，建立新人新作认定机制，联合举办工艺美术新人新作评审活动。推出原创作品，组织梳篦业界观摩，聘请专家点评，发现与推介梳篦行业新人，培养后起之秀，采取资格互认方式，评选梳篦工艺美术师，培养、选拔和保护梳篦工艺美术传承人。

2.建立价值发现机制，探索市场开发空间

梳篦产品市场开发，必须探索梳篦工艺美术的文化传承、文化教育和市场开发的价值发现机制，有利于梳篦工艺美术在艺术品、工艺流程、传统技艺、传承人等方面的保护。

第一，文化传承价值。传统梳篦工艺产品具有文化和艺术属性，是文化、艺术、精神高附加值的行业，民族文化的褪色，就是民族性的消亡，一旦抛弃了文化的高附加值，梳篦产业也就沦落为普通的制造业了。文化是一个民族的身份证，梳篦工艺美术作为一种特殊的文化，它是一个苏南地区文化历史积淀的优秀成果，是中华民族优秀传统文化的珍宝，也是民族历史、文化的载体。梳篦工艺是民族宝贵而独特的艺术珍宝，是苏南地区历史发展不同阶段的见证，具有文化传承价值。

第二，文化教育价值。传统梳篦工艺是苏南的文化载体，文化传承与教育的最好题材，通过梳篦工艺美术特有的内容和艺术形式，能影响人们的视觉和灵感，是知识进化，开启心智的源泉。起到以美辅德、陶冶情操、提升民族素质的作用。

第三，市场开发价值。多彩文明的梳篦工艺品，随着人们生活水平的提高和艺术品市场的升温，为开发工艺品和旅游产品奠定了消费和开发的基础，为梳篦工艺美术市场开发提供了极好地机遇。开拓投资收藏品市场、礼品市场、旅游纪念品市场、工艺美术装饰市场，意味着梳篦工艺具有巨大的开发价值和经济效益。

3.形成产业创新机制，开发新的文化产品

目前梳篦企业，科技含量较低，市场化程度不高，难以得到社会的承认。新经济时代，文化需求、审美要求发生快速变化，求新、求变、求异，对传统的老面孔已产生审美疲劳。新的消费群体正伴随着知识经济的迅猛发展而自然兴起，他们有着新的审美情趣，要求民间工艺品在内容和表现形式上具有浓烈的时代特征和人文、生活气息，也给予了产业带来了发展机遇。梳篦产业的发展，要依靠产品创新、走向市场，形成梳篦产业创新机制。以创新型企业和创新型人才为主体，以梳篦创意产品为主要内容，以梳篦商业营销模式等为依托，从创作理念、创作内容、创作形式、工艺流程、产品包装上进行创新。创新型梳篦产业与模仿型产业相比，创新程度较高，与作坊型产业相比，技术密集型程度较高，与传统产业相比，现代产业集群特征明显。产业创新机制，有利于梳篦企业创新制度建立和商业文化环境营造。

4.建立市场营销机制，开拓新的文化市场

梳篦产业经过集群式发展，形成企业品牌，需要通过市场运作机制，经过产品展示、产品宣传、广告策划和产品营销方式，开拓梳篦产业市场。

利用产业集群平台，设立连锁销售网络。发挥产业集群功能和产销优势，建立梳篦工艺品流通体系，共同培育、建设产业市场。设立梳篦工艺品新型旗舰店，以梳篦产业经纪人角色，选择业内经营场所，分设连锁销售商店，也可以在商场和旅游地设立销售店，形成梳篦工艺品营销网络。

统筹企业集约优势，构建营销服务平台。集约管理和人才优势，以创意产业平台为导入，创建产学研合作的创新研发机制，建立产业服务体系和知识产权保护体系，构建梳篦企业与展销、企业与商场、企业与旅游店合作营销服务平台，使梳篦工艺品营销渠道畅通，拓展了梳篦产业良好开发空间。