艺术创作特点精选(五篇)

序言：作为思想的载体和知识的探索者，写作是一种独特的艺术，我们为您准备了不同风格的5篇艺术创作特点，期待它们能激发您的灵感。

篇1

[关键词]艺术歌曲创造性歌唱风格

发展了音乐与文学诗词的理想结合，开创了浪漫乐派艺术歌曲风格

在浪漫主义音乐流派形成之前，人们通常把艺术歌曲认知为是一种浅显的、与纯音乐格格不人的通俗音乐体裁，对于音乐与文学诗词之间的有机结合和歌词的艺术价值往往是不够重视的。尽管在歌剧、清唱剧和康塔塔出现之后，艺术家们已推动了这个缓慢的进程，而文学浪漫主义思潮的“兴起”和“介人”，才促使这个时期的音乐家们并创了一个艺术歌曲的新纪元。以舒伯特为代表的浪漫主义音乐家，真正抛弃了旧有的美学原则，使19世纪的艺术歌曲无论在体裁形式、和声风格、旋律特征等方面较前有本质的区别，但对其发展起主导作用的，则是文学与音乐关系的改变。舒伯特曾说:“是歌德的音乐与诗的天才，帮助了我的成功。”可以说，舒伯特的艺术歌曲是植根于浪漫主义诗人那优秀文学诗歌的丰饶的土壤里。他不仅重视诗歌的内容和意境，还在不断的发掘诗词的内涵，在创作技法上，无论是外境的烘托还是内心的刻画，都着重追求和深化诗词的意蕴和潜在的内心感受，而成为一种在诗歌基础上再创造的艺术。例如在《菩提树》这首作品中，舒伯特在歌曲的A段中，用明朗而又极富有诗意的大调旋律，宣染出歌词中的抒情宁静的气氛。当进行到B段歌词把人们带到严酷的现实中来时，作者并没有沿用古典乐派那种传统的四五度转调手法，而是独具匠心的采用同主音小调上，暗淡、伤感、忧郁的音调旋律和钢琴伴奏那躁动不安的织体，把歌词中的“门前有棵菩提树，……刻下甜蜜诗句。……我流浪到深夜，我在黑暗中行走，闭上了我的两眼。”这种内心的悲伤和失望，刻画得淋漓尽致，使歌词和音乐之间完美、紧密的结合在一起，创造出了一种极富感染力的音乐形象。

舒伯特这种重视文学诗歌对音乐的影响和在音乐进行中细致准确的运用创新的音乐语言和音乐形象的表现技法，不断深化了文学诗词中提供的意境与情感。在艺术歌曲创作中，运用调性布局、和声色彩和钢琴伴奏，多层次的、准确而细致的揭示了歌词内容和人物的心理状态，挖掘出了文学的内蕴。舒伯特的这种艺术歌曲的创作理念，深深的影响了其后的舒曼、门德尔松、勃拉姆斯等人的音乐艺术歌曲的创作，为这一时期的浪漫主义的诗歌文学作家海涅、歌德、谬勒和莎士比亚等为代表浪漫主义的诗歌插上了音乐的翅膀，开创了音乐浪漫主义的新时代。创造性的发展了钢琴伴奏艺术的功能性的作用。

在舒伯特的艺术歌曲中，钢琴伴奏已不再是以前歌曲中那种简单的辅助与衬托，也没有过分强调所谓的“钢琴性”因素，而是一种适应于音乐作品整体结构和音乐内容的需要，及表现音乐形象、发掘歌词内涵的重要创作手段。他富于创造性的钢琴伴奏织体的写法，不仅在文学诗词与音乐之间起到了一种外景的描绘作用，而且在人物内心的心理刻画上，构成了一个多层次的相互衬托，从而提升了歌曲的艺术价值。舒伯特艺术歌曲的钢琴伴奏不仅从气氛上创造了超越诗词的力量，也刻画了诗词所要表达的更多的情感。如《纺车旁的玛格丽特》塑造的是一位纯洁少女沉腼在初恋中的形象，她边歌唱边摇纺车，抒发着内心炽热的爱恋的情怀。钢琴伴奏部分的延绵不断流畅的六连音音型不仅刻画了纺车转动不止的形态，也刻画了少女思念心上人时的不安心情;声乐部分充满了抒情性，体现出了少女的美好向往和纯真的心灵。舒伯特运用钢琴来补充揭示诗词中那些只能感受到但却没有道出的话，这些都加深了歌曲艺术形象的内心刻画。在《小夜曲》里，歌曲中声乐的部分“歌声也会使你感动，来吧，亲爱的!愿你倾听我的歌声”，在这里人声与钢琴伴奏声构成了二重唱。在这首歌曲的进行中，乐句之间常出现的钢琴的间奏是对歌声的呼应，预示着歌声中所期望听到的回声，使人声与琴声构成一种对应关系。在《邮车》中的前奏与间奏的钢琴部分，即是描写轻快的马车声和邮车的喇叭声来刻画一种动感意境。

舒伯特是根据歌曲的整体内容，用钢琴来描写寒夜的森林、奔驰的马匹、公鸡的鸣叫、邮车的号角声、小溪流淌等客观.环境和声响;同时，又使钢琴担负着人物心理刻画的重任，揭示出人物的各种情绪和情感，如喜悦、活泼、兴奋、激动、惆怅、失望、悲哀等;还有，他用钢琴来描绘明亮、暗淡、朦胧、透明、神秘等色彩也是很成功的。这一切都使歌曲产生了情景交融的艺术效果。所以说，钢琴伴奏部分是舒伯特整个艺术歌曲不可分割的有机部分，在舒伯特的艺术歌曲创作中，钢琴的前奏、间奏、尾奏已不再只是起着一种简单的连接功能作用，而是一种既富于造型又深含人物内心情感的发掘与补充的一种重要手段。

歌曲旋律的自然流畅、简洁朴素和歌唱性在舒伯特的六百首艺术歌曲中，首先以其自然流畅的歌唱性和简洁朴素的的旋律而著名，形成了其歌曲中随处可见的人声表彩的变化和戏剧效果，旋律极易上口，富有歌唱性。舒伯特的艺术歌曲不仅仅旋律优美、易唱，还在于他为每个艺术形象都找到了不重复的特点。既通俗又新颖，不同于维也纳18世纪的专业音乐语言，和当时新的民族世俗音调相近。这是舒伯特把专业世俗歌曲和民歌融合在一起，以此来完成艺术歌曲在音调上的变革，更新了世俗艺术歌曲的旋律进行，使之更接近于维也纳民歌。他把艺术歌曲保留在抒情小曲的体裁之中，引用借鉴了民间歌舞的传统，同时使歌曲旋律线条表现力服从于诗歌意韵的起伏，唱起来就极易上口，富于歌唱性，具有浓郁的民间音乐和风俗舞蹈的特质，如《野玫瑰》、《缚鱼》、(听听云雀》等;还有的歌曲如演讲般的自然流畅，如《春之信念》、《艺神之子》等。

篇2

一、 油画艺术中的色彩

绘画作为社会艺术形式的一种表现样式, 它的存在标志着社会和时代的意识发展状况。古典油画由于追求形的真实恒久其画面色彩单纯，色彩多以复色和间色绘制，他们追求在二维的画面上塑造雕像一样实在稳定的形象，构图追求稳定，强调形体边界清晰的轮廓感，是一种最明晰的语言，反对玩弄色彩的魔术，反对花里胡哨的东西。印象派绘画研究的是物理学自然现象，是一套新的色彩观和绘画表现手法，它完成了绘画中色彩造型的变革，将光与色的科学观念引入到绘画之中，革新了传统的固有色观念（古典绘画），创立了以光源色和环境色为核心的现生色彩学，并运用到现代学院教学，为现代艺术的产生奠定了基础。现代派绘画大师毕加索的蓝色时期的绘画作品开启了油画刻画主观感情及表达的先河，同时也是现代色彩心理学在绘画中的首次运用。表现主义的先驱蒙克将主观感情的表达与色彩艺术语言融合更是发挥到极致。其后抽象表现主义在色彩运用上综合了后印象派、野兽派及表现主义绘画的色彩特点，用色彩来表达一个非具象的世界。波普艺术的色彩早在20世纪的50年代已应运而生，艺术家一方面在反思艺术的走向，另一方面又在反思当下的生活，他们认为最好的艺术应该就是生活，于是他们的艺术作品便大量取材于生活中实物，譬如广告招贴画、譬如娱乐明星、譬如生活中的汤罐之类的东西，都是生活中触手可及的材料和现成品，其色彩鲜艳时尚充满商业性……

二、油画色彩的主观性和装饰性

油画色彩的主观性是相对客观对象本身所呈现的色彩而言的。艺术家在画面上不再现或不完全再现自然物象的真实色彩感觉，而是根据作品主题和画面的需要对色彩进行再创造，使它成为具有个性的艺术语言，以表达主体的情感、意念，使油画作品获得更强烈的视觉表现效果和特定的精神内涵。

色彩从远古时期就是人们装饰生活、美化生活的主要手段。古代先民用红黄白等颜料涂抹身体和脸部来装饰自己。随着文明的发展，色彩的装饰功能被更多地发挥利用，在陶罐上描绘花纹，在建筑物上镶嵌彩色马赛克，在纺织品中交织印染各种绚丽的图案色彩的这种装饰作用，在油画中也得到体现。19世纪末的后印象主义、纳比派、维也纳分离派、野兽派等，在印象派的基础上，又吸收了东方艺术中的单纯感和平面感，追求那种音乐般令人愉快的色彩组合，因此油画色彩更具有装饰性。

三、当代艺术家油画作品的色彩语言

大卫·霍克尼(David Hockney)是英国最杰出的画家之一，他被称为是“英国活着的最出名画家”，其绘画对色彩的应用上更具有主观性，而非科学、理性地对客观对象进行描摹、再现。画面色彩更加具有形式感和绘画性，不再是二维平面对三维空间的模仿。 其绘画在色彩的运用上多使用纯色及对比色，画面中的色彩强烈而单纯，画作辨识度极高，鲜亮不羁的用色、富于创造力的构图，都使得观众一眼难忘，数十年中霍克尼绘画都吸取这种波普艺术的用色特点，又创造性地融入他的绘画之中。

中国艺术家方力钧在早期进行一些黑白单色绘画实验之后,一方面继续画单色画, 另一方面逐渐通过限制色彩来进行新的尝试,后期大部分作品突出四种基本色彩:红色、黄色、灰蓝色和绿色。画面没有一笔是以写实的色彩描绘,却营造了一种梦幻的真实。作品《2001.9.23》,整幅画面给人的第一感觉就是色彩单纯、艳丽,透露出一种“世俗”的艺术追求,画面运用高纯度的红、黄、蓝、绿等呈现出色彩关系的极度不和谐性,画面上人物的笑容都是那么的无聊庸俗,以至于这种颓唐而夸张的笑让人感到灵魂早己滞灭的行尸走肉般的窒息。人物面部与身上衣服色彩处理几乎一样, 画面上蓝色的山脉加之鲜艳的红花、黄花等所营造的氛围，都表现出艺术家对于单纯色彩所产生的强烈艺术效果的极力追求。

四、当代艺术创作中油画色彩的特点

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一、杂技艺术首先要考虑视觉感受并提升美感

传统的杂技艺术之所以可以流传至今，其中最重要的因素就是它贴近生活、展现生活。我国的传统杂技艺术基本上都以人体的技术为主体，表演者通过人体技能的演绎来丰富杂技的艺术形式，从而不断提高杂技的艺术价值。杂技的展现对表演者的体态有着非常高的要求，无论是展现什么样的艺术形式，都考察杂技表演者的身体素质以及对节奏、空间的把握程度，当肢体和智慧融为一体就可以大大提升观众的视觉感受，提升总体的美感。中国的杂技大多数都是以惊奇为主，刚开始是简单的肢体表演，然后慢慢从简入深，随着难度加大观众的情绪高涨，最后让人感叹不已。

杂技艺术大多数都是在晚会中呈现，但如果一味追求刺激和惊险而忽略它的美感，那么这个节目并不算是一个非常完美的杂技节目。杂技的美感及观赏程度需要根据场合、气氛而定，既要惊险也要放松活跃，既严肃，也要幽默风趣，这样才会给人留下深刻印象，回味十足。和国外的表演艺术相比，我国的传统节目更适合在中小舞台上表演，比如一些悬空的杂技表演、驯兽类的节目就需要在结合中国传统的同时借鉴国外的创新之处，这样才不会让观众看得乏味，也要适当丰富表演内容、提高表演难度，这样才能满足观众对美感的需求。

二、杂技表演的稳定性不容忽视

杂技艺术一定是根据演绎者自身的身体情况及心理状态去创作并演绎的，表演者首先要能驾驭这个技能从而才能更好地去展现这门艺术。就比如我国表演最多的口技、手技、车技、双人技等，这些技巧可谓是最基本、也是最常见且大家最喜欢的艺术表演形式。为此，表演者很好地把握和运用技能才能演绎成功，而情感和音乐节奏的稳定性也是取胜关键。由此可见，无论节目的表演形式是什么，内容是什么，或者它的难易程度如何，稳定性是杂技表演获得成功的基础，只有当稳定性提高了，才可以进一步提升演绎技巧、增加表演难度来提升作品的整体质量。

另外，在创作杂技艺术的同时也要考虑观众的感受，节目一定要让观众接受，不要只从演员的心理出发而忽略了观众的感受。杂技表演和其他的表演有着本质区别，和歌舞相声类节目相比，它增加了很多不确定因素，所以杂技节目失败也是比较普遍的，尤其是一些表演难度比较大的节目危险因素增加，所以对于杂技表演者来说，表演的稳定性是不容小觑的。而杂技艺术的美感和表演稳定性是相辅相成的，要想提升视觉的美感首先就要稳定，如果表演不稳定，就呈现不出杂技艺术的美感。

三、杂技内容要丰富，敢于创新

杂技艺术主要是通过形体表演传递给观众的，即便没有语言它也能带给大家视觉感受和内心感受，从而带给大家更多的启发和感悟。杂技艺术展示了表演者不凡、精湛的技能，同时也向大家展现了我国不同民族的风采和特点，因此，在创作艺术内容的时候就要以展现我国的传统文化、勤劳勇敢的人民形象为主体，因为这个节目所包含的不仅仅只是形态艺术，还有我国的智慧与文化，最后再通过一些道具的配合就会让这个节目更加耀眼，比如盘、碗、绳、坛等工具就是运用最多的，这些最普通的工具在演员的操作下就显得与众不同了。最后，对于杂技作品的编排需要从细节入手，比如对动作技巧的研究就必不可少，节目的内容也是围绕技巧去编排，包括每一个动作细节、环节都要去合理、精心设计，像服装、道具、化妆能为整个节目加分。杂技节目就像是一款产品，当环节设计得非常精心、完美它就能深入人心，让人印象深刻。

随着全球互联网技术快速提升，在这样一个信息时代中，大家对艺术要求提高，所以，表演艺术家就应该挖掘更多的精神美感，在表演结构上也要开拓新的空间，可以和国际的一些演艺家多接触、多学习，争取在艺术形式和内容上都能增加更多的创新因素，这样才能根据现代的时代特点创作出受人追捧的艺术作品。

艺术本身也在随着时代的变化而不断呈现新的特点，而创新对于一门艺术的发展起到了至关重要的作用，如果一旦追求传统而忽略了创新，那么这门艺术无疑被淘汰，而创新在某种意义上来说是提高了艺术层次。杂技创作本身就要在抓住本体的同时再去提高它，这样就能让杂技艺术得到更好的继承。不仅如此，我国的音乐、舞蹈、武术也得到了发展，因为这些艺术家敢于尝试新的东西，通过学习西方技术从而丰富艺术本身，从而满足了不同时代观众的审美需求。

四、对杂技艺术的期待和展望

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中图分类号：G206 文献标识码：A 文章编号：1006-026X（2013）10-0000-02

一、电影界的狄更斯

大卫・里恩自幼受到良好传统的教育，狄更斯的小说是他幼时的最爱，英国、欧洲大陆新旧文学的典籍伴他一路成长，浓厚的文学修养使得他的电影作品有着深厚的底蕴。狄更斯的作品不仅是里恩早期电影的文学源泉，也对他一生的电影艺术创作思想产生了影响。有人说他是影像化的狄更斯，他以其电影在文学艺术和视觉艺术的双高，无愧于“导演中的导演”的称号。无论是他文学化浓郁英国民族特色的作品还是史诗抒情式的人文记录，仅透过这些刻录的影像足以让观众为这样的导演而感动。

大卫・里恩一生的电影创作分为两个阶段：前期和后期，也可分为家庭生活片、文学改编片和史诗片三个阶段。因为不同题材与体裁的作品从形式到内容都迥然大异，但总体上看来，前期、后期的电影作品在精神内涵上又是一脉相承的。这位人文情怀的、绅士派头的英国古典文学和好莱坞戏剧古典传统的卫道者和弘扬者为英国的电影发展做出了杰出的贡献，其电影作品具有浓厚的文学底蕴和博大的人文情怀。

二、史诗型的叙事风格与电影感的艺术特色

（一）宏大的历史背景

大卫・里恩的史诗电影所讲述的故事多是伟大时代中人物的命运和遭遇，他电影类型不同，史诗电影的时代是不同寻常的大时代，很少平静的和平年代，也正是大时代（史）与小人物独立个人（诗）之间的矛盾，构成了史诗电影情节的动力，波澜壮阔的历史年代也正是他的电影为世界观众理解和接受主要原因，他从一战、二战中，从俄国的十月革命中，从爱尔兰的独立运动中、印度的独立革命中，汲取了创作的历史的背景和塑造典型人物的根源。

《阿拉伯的劳伦斯》中男主人公是有历史人物原型的，但经历却与本片所描述的不尽相同。里恩在创作中结合史实进行了大量艺术加工，影片对劳伦斯这一历史人物的总体把握基本上是忠实的，尽管多了几分激情，造型也更显俊逸。为了进行性格刻画，导演根据自己的理解，或对真实事件加以改造，或虚构一些细节。

（二）壮丽的自然风情

为了营造史诗性的场面，壮丽的自然风光是必不可少的。大卫・里恩把史诗主题和自然风光完美融合。而史诗电影无疑就是最适合运用自然风光摄影的电影题材之一。这也是吸引观众的主要手段。印度茂密的热带雨林、阿拉伯一望无垠的沙漠、俄罗斯冰封的雪原、西伯利亚的茫茫草原……大全景的镜头放眼望去造成了强烈的视觉冲击。自然景物的描写在大卫・里恩的后期作品中占有非常重要的地位，他往往占用大量篇幅来细腻地表现它们。有人认为大卫・里恩的功力使得客观的自然景物变成了活物，它们常常成了影片中的真正主角。《桂河桥》里茂密的热带雨林既充满危险又突出了造桥的艰巨；《瑞安的女儿》中滔天巨浪拍打着怪石嶙峋的海岸，象征着爱尔兰人对英国占领军的仇恨；《印度之行》中富有神秘色彩的古庙充满异国情调，使人浮想联翩，引发了女主人公的幻觉；《阿拉伯的劳伦斯》中，那浩瀚死寂的戈壁沙漠、酷烈的毒日一次次地横亘在劳伦斯面前，这既突出了他那一往无前的超人毅力，同时也预示着他的事业命途多舛。

从镜头的运用上来看，用来表现大自然的场景多是空镜头。“空镜头常用以介绍环境背景、交代时间空间、抒发人物情绪、推进故事情节、表达作者态度，具有说明、暗示、象征、隐喻等功能，在影片中能够产生借物喻情、见景生情、情景交融、渲染意境、烘托气氛、引起联想等艺术效果，在银幕的时空转换和调节影片节奏方面也有独特作用[1]。”大卫・里恩的通过镜头中自然景观的画面表现感情。影片中，自然景观的另一作用是以景寓情，这种表现也使得他的影片具有一种与众不同的浪漫色彩。片中气势恢宏的自然景观让人感悟到一种难以抑制的激情，这一方面是导演在倾泻自己的激情，另一方面也通过这些画面表现出主人公们的激情。大卫・里恩电影中的主人公多充满坚强意志和坚韧生命力的人物，他们身上充溢着与大自然抗衡的澎湃激情。《桂河大桥 》中，一望无际的热带丛林深深地刺激着尼克尔森上校，让他坚定了在残酷的生存环境中的斗志和生存能力；《 阿拉伯的劳伦斯 》中，漫无边际的沙漠上冉冉升起的太阳在大卫・里恩的镜头下变得富有生命力和挑战，看似枯涸的沙漠成了有感情的生命。镜头下的沙漠是有着雄浑壮丽的一面也有着冷酷无情的一面。观众透过沙漠的画面中，体味到了劳伦斯来到沙漠之后内心泛起的激情；《 瑞安的女儿》中澎湃不安的壮阔大海上美丽的浮云表现了女主角罗茜内心的不安和荡漾。

（三）精湛的剪辑和唯美的视听

大卫・里恩以追求“尽善尽美”闻名影坛，摄影出身的他拍摄的影片向来精雕细琢，画面构图、人物塑造、无一不求其精。他宁愿为求精而不惮少，里恩后期作品的另一特点是气魄宏大，他在场景处理上常用大全景和特写镜头交叉表现众多人物的动作场面，以人物的渺小来反衬景物的壮伟。加之他常用七十毫米胶片和彩色宽银幕，那种雄伟壮观的视觉效果常令观众久久难以忘怀。

众所周知，剪辑是导演用电影手段反映现实生活表现思想内涵的最直接的过程，它体现了导演的蒙太奇思维。在剪辑过程中。导演“从特定的情景中选择他认为重要的几个方面，并且用最符合他要求的方式表现出来……且导演有选择和强调的权力，在表现动作时，有权以一种显然更适用于戏剧性表演而不符合我们通常的感觉方式来表现它。”[2]大卫・里恩正是通过剪辑，进行取舍与重新组合，让观众按照导演本人的观察与思考方式来对社会和现实进行观察、思考。通过镜头，可以发现大卫・里恩在表现重要的史诗感战争场面时，一般没有运用过多的镜头来拓宽空间，也没有使用复杂的剪接来强调战斗场面的动作性，而是使用大全景、长镜头沉着地表现大气的战争场面。他的电影语言的表层意义是电影叙事，而他的语言内涵却体现了他的电影思维和技巧，即用电影语言表达出他的深刻思想。他一直追求叙事过程中的写实性，注重结构情节和刻画人物，注重影像技术和艺术的结合，并在叙事过程中表现出他的主题思想和创作倾向，通过镜头画面的有力结合达到超于客观画面的意义。

在影片中，大卫・里恩表现出了对镜头、光影近乎完美的判断和掌控。《一飞冲天》中在描绘坠机现场时，没有语言，摄影机从地下的深洞里升起来，然后我们看到飞行员的妻子，怀孕了。迈克・鲍威尔形容大卫・里恩的剪辑：“他总是在演员快要说话的时候把他（她）的那部分剪掉，因为他不想被台词搞得心烦意乱。”[3]在《日瓦戈医生》中他用诗一般优美而又富于震撼力的电影语言，讲述了医生兼诗人齐瓦戈医生十月革命前后坎坷的命运和多舛的爱情。人的正直与善良在特定历史事件面前变得软弱无力，注定要被毁灭，这种被彻底毁灭的美好散发出的浓重的悲剧色彩正是影片和原著的作者向人们提出的永恒的疑惑，也因此成就了故事永恒的美，让无数的观众而为之触动。大卫・里恩的镜头是细腻的，他的情感流露在人物的刻画上。他注重刻画人物的特性，影片线索清晰、情节冲突张弛有序，人物主次分明，他影片中的每个人物都不像是虚构的，而是活生生存在的。所谓“人有其性情，人有其气质，人有其形状，人有其声口”，就是要在共性中找个性，在个性中发挥出人格魅力。

唯美的电影配乐也是大卫里恩电影的重要特色，大卫・里恩的电影作品中多以景，以音乐抒怀，全然不露斧凿之痕，端赖心领神会却又不故作高深。情、景、乐交融流露的是真挚自然具有感染力的情境。[4]《日瓦格医生》中拉娜离开的片段：冬去春来，万物生机，当日瓦格信步明黄的野雏菊丛中，配以巴拉莱卡琴演奏的音乐，人生何等惬意。一夜过去，徒劳的叶菲格拉夫只好目送猜想是日瓦格遗腹女的女孩及其男友离去。这时他注意到女孩肩背一把巴拉莱卡琴，就问道：“你会弹巴拉莱卡？”女孩的男友答道：“岂止会弹，她是个艺术家”。叶菲格拉夫微笑晗首：“好好珍惜，那是天赋。”这时镜头切至雄伟的水坝和奔涌而下的洪流，全片结束。蓄意的留白，欲言又止，无声胜有声。

（四）典型人物的塑造和博大的人文情怀

在导演手法上，大卫・里恩不受现代各种流派的影响，仍保持传统的叙事手法，以刻画人物为中心，在他所有的作品中，始终贯彻着人道主义和人文精神的追求，关怀一个人是否完整、健全、自由、幸福，是否真正实现了自我：小奥利弗追求是免于饥寒，伤感的面容、忧郁的眼神、宽容的心。“不能选择命运，而被命运选择。”的人生，之后是摆脱人格的屈辱和获得慈爱的对待；匹普在追求做个上等人开始嫌贫爱富时，自身的一部分就已发生扭曲而不健全了；一对中年男女倾心相爱又要遵众清教徒的道德律，在身内和身外之间不断挣扎和摇摆，这是早期个人的古典的人文精神表现形式。尼柯尔森、劳伦斯不只在自己的个性和修养中，而且要在敌我之间、异质的种族和文化之间，做出是非判断和行止选择；日瓦戈不仅有家庭和婚外恋之间的羁绊，还有文学寄托与从命生活之间的抉择，在沙皇专制暴行和假借革命名义暴行之间的矛盾；到了印度殖民者和当地人之间，在人性的差异之外，还有文化的、政治的冲突，将人文精神和人道关怀表现得淋漓尽致。[5]

大卫・里恩强调表现力度和典型人物的塑造，他的电影中总会出现经历坎坷、命运乖戾、性格独特的人物。他多角度地塑造典型人物，即使是同类性格，也挖掘出同类性格的相同中的不同，以及一个人性格中的多面性与复杂性。他多以英国人在异邦的活动为题材，通过种种矛盾冲突，对英国人的民族禀性、心理意识加以审视，进行历史、文化的反思。也正是因为如此在看他的作品时，总是觉得意味的深重，不得不承认他是一位真正的人道主义者，他在对英国守旧、刻板的民族心态的揭示与批判也从不同民族文化差异中审视社会和人性。《桂河大桥》的反战主题引人深思：在英军上校绝望的眼神和大桥的残骸中我们看到了这个世界的矛盾。在他几乎每一部影片中都散发出了这样浓厚的深刻的人道主义精神和对人性的关怀，这种人性的光辉使这位英国导演别具一格，充斥着各种各样的关于人的思考和感性。大卫・里恩的艺术手法带有英式特有的冷静，极尽描写人生之常态、微态，于细处表斯坦利・库布里克现人事常情、世间冷暖，着墨不多却通达表里。能使观众产生“无声的悸动”感。这和斯坦利・库布里克的“与其强化戏剧感，不如让观众自己去发现来得惊人”有异曲同工之妙。他的艺术表达真切且细腻，抒发一种属于英国的独特的古典浪漫情感。[6]

同时，大卫・里恩镜头下的自然景观饱含着他对影片中主人公感情的肯定和颂扬，透视到了人类将冷酷的外表沉淀之后所剩下的自然纯真的秉性，那就是一颗仁爱之心。他钟情于刻画人物的内心世界，擅长制作宏大的场面，使电影成为书写人类史诗的恢弘载体。[7]对个人内心的关注和抒情诗一般的优雅，是里恩内心的钟情所在，也是他关注的史诗之下的着意所在。他传达的影片内涵深远博大却又感人至深，观众不难从他的画面中看出，他所表现的、所赞扬的正是人类所具有的爱与同情。在影片中他虽然肯定了人的存在价值，肯定了人们的向上意识，但观众又能从中看到他内心深处的矛盾甚至痛苦。他的主人公虽都被自然景观赋予坚强的性格，但却都是在大自然中烟消云散。他赋予坚强性格和高贵秉性的主人公们多以悲剧收场，他们的存在价值都在与自然的抗争中被不同程度地否定。这是大卫・里恩的主人公们的悲剧，这种悲剧结局表现了里恩对人类命运和社会发展的反思：人类虽与社会、与自然顽强抗争，但在他所面对的社会环境面前，人类却又显得那样的无能为力。人类具有爱与同情的秉性，人类也在为自身的发展而不断的奋斗、进取，而社会和历史却在压抑着人类的这种秉性和进取意识，人在与社会的抗争中涌现出了许多壮美的悲剧。[8]

一个冷静、严谨，满怀人文情感创造恢弘画面的史诗电影导演。他挑战人们的心理极限，挑战银幕的尺寸，剖视人类的内心，以温婉却又涌动的艺术手法刻录了伟大的人道主义，他宣扬战斗、宣扬解放、宣扬爱情、宣扬和解。他的创作秉承了英国电影严谨细腻的叙事传统，又汲取了英国文学经典的丰厚的人文精神和意境韵味，其史诗性的人文主题和史诗性的电影叙事风格使他的电影作品具有文学的浓厚色彩和艺术的经典魅力。

参考文献

[1][英]卡雷尔・莱兹 ：《电影剪辑技巧 》，第260 页，北京：中国电影出版社，1985年7月，第1版。

[2][英]卡雷尔・莱兹 ：《电影剪辑技巧 》，第260 页，北京：中国电影出版社，1985年7月，第1版。

[3]赵卫防：《论大卫・里恩的电影语言特色》[J].《电影艺术》，1996年第5期。

[4]《大卫・里恩的电影艺术》豆瓣 http：//

[5]徐春玲：《人类永恒的话题――从影片》[J].《电影文学》，2007年第10期。

[6]林珊：《守望海市蜃楼的那一刻――史诗电影大师大卫・里恩》[J].《电影》，2004年第3期。

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关键词：儿童歌曲歌曲创作艺术特点

音乐艺术是人类社会的文化现象，是音乐家对社会生活的体验和情感表现的艺术形式。歌曲是音乐创作的一种体裁，它具有音乐旋律与文学语言相结合的艺术特点。儿童歌曲是歌曲的种类之一，其年龄对象、形象生动、情感纯真、活泼童趣是儿童歌曲的基本特征；儿童歌曲对于儿童美感的培养，以及身心的健康成长有着不可替代的意义。笔者结合多年来对儿童歌曲创作的体验和感悟，拟就儿童歌曲《心连心手拉手》（苏韶芬词彭超陶波曲）①的创作为例，对儿童歌曲创作中的主题动机、旋律发展、节奏设计、乐段安排四个维度的艺术特点谈一些看法。

一、儿童歌曲创作中主题动机的选材特点

歌曲创作中的主题动机是表达乐思内容的最小单位，也被称为乐汇。是体现清晰的性格面貌、鲜明而富有表现力的乐思，更是塑造音乐形象、表达情感的基础。为此，歌曲创作的成功与否及风格突显，往往取决于主题动机的选材。在儿童歌曲的创作中捕捉特点鲜明、富有儿童个性的动机音型作为创作的基础，是创作一首儿童歌曲成功的关键。

《心连心手拉手》是一首活泼、欢快、极富特点的童声二部合唱歌曲。全曲为二段体结构，共二十四小节，F大调，4/4拍。在该歌曲创作时，作者紧紧抓住活泼、欢快这一基本情绪为主线，在主题动机的选择与应用上，采用大调主三和弦的五音开头，同音重复并以二度级进和下行四度跳进到主三和弦的五音，构成该歌曲极富动感和充满朝气的儿童音乐特点。随着旋律的不断重复与推进发展，儿童的心境表达更为突出。由于第一乐句的主导动机（55·555）是以主调主和弦为起句而成，因此在第二乐句动机的发展中形成下属和弦向属和弦、主和弦三音的模进重复，而且在音程跳进安排上紧紧围绕第一主导动机乐句来发展进行。在全曲二十四小节中，重复交替出现歌曲的动机音型，并且以音程的跳进手法，为主导动机的音型发展起到积极的推进作用。

二、儿童歌曲创作中旋律发展手法的应用

在儿童歌曲创作中，旋律发展手法的应用是创作中重要的一个环节。著名作曲家龚耀年就儿童歌曲主题的发展手法谈道：“旋律的发展还应根据内容需要和结构特点（如乐思的启示、发展、对置、变形……）来考虑如何将主题深化、有层次有规律地展开。”“决不能东拼西凑，试图在一首歌内把什么手法都用上，应该使材料尽量节省、手法力求精练。”②

《心连心手拉手》的主导动机创作是依托在F大调主三和弦的五音上，并且经过旋律的模进重复手法的应用，结合音程三、四、六度跳进支撑音型发展，使旋律与歌词的语意十分贴切地表现出来，让歌曲形象的塑造更为鲜活。笔者在创作该歌曲作品时，注意到主、属、下属和弦的分解应用，尽可能考虑到以和声功能和多声部思维的创作基本手法，简单明了地将旋律主导动机音型，通过sol、la、fa、re、do这些骨干音，变化重复形成一个主导动机发展连环圈，让动机音型在对比中有新意，在色彩的变换中突显儿童特点。简洁、明快的旋律发展把天真无邪、童趣稚嫩的儿童形象，较为生动地表达出来。

三、儿童歌曲创作中节奏的设计与变化

要创作好一首儿童歌曲，对节奏的设计与变化应有考究，还必须有独特的个性变化。笔者在创作《心连心手拉手》时，就十分注意到节奏的个性化设计，从作品的节奏分析来看，其主导动机的展开和旋律的模进变化，似乎给人感觉到简单，但仔细推敲不难看出，它却有着细微的节奏对比变化。如：

4/4××·×××|××××-|××·×××|××××-|

阳光和大地手拉手，星星和夜空手拉手，

××·×××|××××-|××·×××|0×××-|

青山和绿水手拉手，江河和大海手拉手。

从谱例的节奏设计中可以看到：附点节奏、切分节奏、带休止的切分节奏为支撑整个作品的基本节奏框架，那么，它的节奏特点在于积极向上、动感极强，附点节奏和切分节奏的应用也是更好地突出歌词的语意内涵，更夸张地强调“手拉手”的节奏重音。

四、儿童歌曲创作中乐段的巧妙安排

乐段的安排在儿童歌曲创作中尤为重要。儿童歌曲在创作中，乐段的安排应该是以歌词的段落设计为基准。由于儿童歌曲是以儿童为对象来创作的，诚然，在乐段的设计上应给予巧妙的安排。

《心连心手拉手》这首作品从歌词的句式、段落上分析，它为二段体结构形式。一般的句式结构为起、承、转、合四句式的单段体构成。该作品的第一段也就是这一类的设置，由四个句子组成，每一个句子为对称式方整性结构。笔者在处理第一乐段时，刻意在第八小节的第三拍上落在调式的主音上，形成终止式段落感，产生极其稳定的音乐效果。由于歌词作者力图从写意的手法去突出表现人与大自然的亲近、和谐关系，因此笔者在乐段的安排上巧妙地进行了设置，更能够准确地传递出人世间的真情所在。特别是第二段将这种亲近、和谐的意境更好地表现和升华，笔者有心让该段落的词语重复进行，并巧妙安排在属和弦上形成半终止式，产生出对比与变化的音响质感。

综上所言，儿童歌曲的创作是一项十分有意义的工作，也是富有挑战性的创造性活动，只要坚持不懈，勤于思考，深入儿童的生活，不断探究儿童歌曲创作的艺术特点，掌握更新的儿童歌曲表现手法，即能创作出更多的适合儿童的优秀歌曲。

注释：

①苏韶芬词，彭超，陶波曲.心连心手拉手.儿童音乐，中国音乐家协会杂志社，2005年第2期，第9页.

②龚耀年著.儿童歌曲作法.中国文联出版社，2000年7月第1版，第32页.

参考文献:

[1]龚耀年著.儿童歌曲作法.中国文联出版社，2000年7月第1版.

[2]方智诺编著.歌曲分析与写作.西南师范大学出版社，2000年11月第1版.

[3]齐易，张文川著.音乐艺术教育.人民出版社，2002年2月第1版.