音乐教育考研精选(十四篇)

序言：作为思想的载体和知识的探索者，写作是一种独特的艺术，我们为您准备了不同风格的14篇音乐教育考研，期待它们能激发您的灵感。

篇1

关键词：高考；音乐教育；调研活动

中图分类号：G64文献标识码：A文章编号：1005-5312（2012）15-0227-01

一、调研活动概况

调研的内容主要有：1、音乐课堂教学的具体情况，教学方法的运用和教学效果。2、音乐高考生对音乐教学的接受能力，音乐知识的掌握能力。

笔者选择了三所具有代表性的全日制高中作为样本进行研究。一所农村普通高中，一所城镇普通高中和一所省级示范高级中学。在调研的过程中笔者采用了问卷调查，现场听课和交流访谈的形式。

二、存在的主要问题

（一）音乐高考成为“工具”——音乐高考现状

音乐教学一直以来都以丰富学校课余生活，提高学生的综合素质以及陶冶情操为目的。近几年来各高校的艺术院系不断扩招，广大喜爱音乐的学生有了进一步展示自己才华的机会，跨进了大学的校门，圆了自己的大学梦。高考前的音乐教育主要考察学生的音乐的基本掌握能力，其中包括声乐(发声技巧),听音（听力），视唱（识谱和音准）和乐器的演奏。

许多艺术考生和家长对音乐高考的理解上存在误区，在他们眼中的艺术高考都是为在班级中学习成绩排在后几名的学生准备的。认为音乐高考就是弹弹琴唱唱歌，就能考上大学。不仅仅是艺术考生和家长，任课老师和班主任甚至学校领导硬性的要求“每个应届班的学习成绩的后30名的都要去学习美术，音乐，健美操，影视评论，体育……以便参加艺术类的高考。”临沂一中的这种做法就引起了学生的不满和社会的广泛评论。在我们和高中生的交流中，我们了解到文化课的学习是主要任务，音乐学习只是文化课不优秀的学生才参加的。然而，真正为自己的爱好兴趣和音乐梦想而进行音乐学习的考生实为少数。

（二）音乐教材的选用

调查发现，各校在音乐教材的选用上呈现出以下共同特点：其一，没有固定声乐教材，在乐理和视唱的练习上运用统一的集体订购的方式获取教材。甚至个别学校不考虑教学条件，不明了音乐学习的结构为每个学生订有三本或更多的音乐教材。其二，教材运用不充分，教师对教材的结构把握不到位，在教材进度上不适当。音乐教师的求新意识弱，每届学生学习的教材内容，无太大变化。

（三）教学内容的刻板严肃

美育是培养学生审美观和感受美、鉴赏美、创造美的能力的教育。实践证明，音乐、美术等课作为人文学科的重要领域，是实现美育的重要途径。学习音乐本应该是快乐的过程。让学生在快乐的学习过程中，接受知识，掌握知识。音乐课堂需要严肃，更需要的是活泼。音乐知识的掌握和其它知识的掌握还具有一定的区别。在调研的过程中我们发现，大部分的音乐课堂是开放性的，学生的积极性较高。但是仍有部分的音乐课堂，气氛严肃，过分认真。不能让学生在知识面前真正的敞开心扉，无所忌惮。紧张的心态是音乐学习的大敌。在我们去现场听课的时候，音乐老师的提问，往往让教室里鸦雀无声，被提问到的学生回答问题总是颤颤巍巍。这样以来，学生是很难以一种平和的心态来接受知识，所以掌握知识的速度就会慢起来。老师的教学效果固然是事倍功半。在教学当中，教师除了认真、灵活地教授知识外，还要及时接受学生的反馈信息，站在学生的位置上体会这些问题，并能及时地解释和做出相应的调整。有时一个知识点要进行较长时间的反复练习，音乐教师要遵循循序渐进的原则，学生的一丁点进步教师都要及时给予肯定，音乐教师善于使用鼓励教学的方法。这样，学生学声乐才有兴趣、有信心，才会在最短的时间里获得最大的进步。

三、高考音乐教育现状对音乐教育的影响

（一）生源质量下降

由于教学改革的推进，高等音乐院校和普通音乐院校招生规模的扩大，学生人数大大的增加，一些专业素质或文化素质较差的学生也理所当然地步入了高等音乐专业队伍，这类学生对音乐的敏感度较差，学习音乐的能力也较差，对音乐的感觉以及理解能力方面相对欠缺，这就给音乐教学带来了一定的困难。

以往的艺术类专业，由于对专业上的要求较高，因此学生在专业的学习上花的时间较多，下的工夫较深，相对在文化课的学习上用的时间较少，因此文化程度较差，考虑到这点，国家教委降低了艺术类的分数线，目的是让专业水平较高的考生有机会进入艺术类高校。如今，“艺考”的规模在不断扩大，艺术类的分数线也在不断下降，相应的考生进校的机率也在大大的增加，这也就意味着艺术类学生的文化水平大大的低于其他专业学生的文化水平，从某种意义上来说，高师音乐院校就成了“低分考生的收留所”，这类文化课较差的学生，经过两个月的突击，就能轻易的考上高师音乐院校，因此，许多考生和家长都把音乐高考作为是他们考上大学的捷径。但他们的学习能力，学习自觉性，对音乐知识的敏感度也相对很低。这类音乐考生完成学业以后，大多从事音乐教学，成为音乐教育中的一员。

（二）生源的不断扩大，给音乐教师带来巨大压力

自从高考捷径被人津津乐道以来，音乐考生如一股股浪潮涌入音乐院校的校门。这无疑给专业教师带来了巨大压力。学生数量的增加必须带来了教师资源的共享。过去的几年中，一位声乐老师门下有两名音乐学生，目前音乐老师普遍有七八名音乐学生。有的学校甚至一个音乐班级有二十几个学生，音乐课全全有两个音乐老师代课。这样以来，有的教师把重放在教研上，就会相应地忽视教学，对教学的马马虎虎，从而影响了教学质量；有的老师则是注重教学而忽视了教研。

（三）教师不能做到因材施教

在我们的音乐调研中，深刻感受到因材施教的重要性。在音乐学科的教学别是声乐课堂的教学中，大多采用的是一对一的教学。这就更要求老师要了解学生，尊重学生。音乐教师在音乐教学中要以平等的地位和学生进行交流和沟通。

四、解决办法

（一）慎重选择专业，不盲目，不盲从

高考音乐已经不再像我们想象中那样简单，所出现的弊端和尴尬也在逐步体现，但是尽管如此，还是有越来越多的人在试图走上这条道路，面对这些，我认为，家长和学生更应该冷静下来好好的想想，这样高额的付出能否换回那份期待已久却并不确定的高额回报。一些仍瞄准了这条“捷径”的家长和学校切不可只看到眼前的“蝇头小利”，应该针对学生的长远发展，做出科学的规划。而学生也应该对自己负责，认真地思考艺术学习对于自己的价值，拿捏权衡之后，方可做出决定，莫把 “艺考”视作高考的工具，为图一时的所谓捷径，而拿自己的青春去搏一份莫须有的短暂喜悦。

（二）因材施教，个性化教学

因材施教，老生常谈的话题，但是在这个百花齐放，白鸟争鸣的社会大背景中，教育不得不要求在教学中实施因材施教。因为有个性差别所以要因材施教。在音乐教学中更要做到因材施教。

具体来说因材施教是了解学生个性，尊重学生个性。在这个基础上对学生进行音乐知识的引导与教授。因材施教对音乐教师提出了一下两点要求：

1、音乐教师要树立多元化人才的评价标准

艺术没有错与对，美的事物也是千差万别。音乐老师不能因为喜欢的声音来随意的改变学生。一千个读者就有一千个哈姆雷特，不能以统一的声音标准来要求自己的学生。有些老师更是在自己的教学中，要求自己的学生模仿自己的声音，这是万万不可取的。每个人的歌唱器官不同，嗓音条件不同，本来就不可能发出一样的声音。当然这也要求学生不要刻意模仿老师的声音。在声乐教学中“千人一声”的现象已不少见。音乐老师要相信，只要我们用心培养，每个声音都会是美的美是没有统一标准的。

2、发现学生的发光点

音乐教师要善于发现学生的发光点，从学生的发光点出发，培养学生的学习兴趣和自信心。音乐教师可以根据学生具有的特点制定与之相适应的学习方法。

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关键词： 高中音乐教育 音乐教师 学校 学生

近年来，我国高中音乐教育改革开展得如火如荼，音乐教育事业呈现一派生机，但也存在着不少问题：由于区域经济发展的差异，一些经济贫穷、观念落后的地区连最基础的音乐教育都无法得以开展。而在经济相对发达的地区，虽然高中音乐教育得到较好的发展，但很多学校仍然把升学率摆在首位，音乐课形同虚设，很少有人真正关心重视艺术课程的教学。随着中国经济的发展，社会对于人才的要求在不断提高。在这个信息高度发达的时代，最需要的就是适应新时代、具有高能力、高素质的全面发展人才，而更好地开展高中音乐教育对促进社会的发展是具有积极意义的。我从以下几个方面谈谈对高中音乐教育的思考。

一、从音乐教师的角度思考音乐教育

目前高中音乐教师大都毕业于各音乐大中专院校，在学校接受的都是正规的音乐专业培训，而对高中音乐教育的内容与方法接触和研究不多，在教学经验方面简直是从零开始。一旦走上音乐讲台，就只能用在学校学到的音乐专业知识和技能，以及自己掌握的技能训练方法来应付课堂，有的会唱歌不会弹琴有的会弹琴不会跳舞，等等，试想这样的师资如何能适应当今高中音乐教育的改革与发展？师资问题已成为制约高中音乐教育创新的至关重要的因素，因此我认为要加强高中音乐教师的教育艺术培训（各音乐大中专院校也应加大改革力度），提高整体素质，以适应高中音乐教育的各项要求。

新世纪的高中音乐教师首先要具备勇于奉献的精神，这是教育工作者应当具备的优秀品质。其次要具备较高的专业水平和心理素质。随着社会的不断进步，学生获得知识的途径比以前大大扩展，有些学生通过阅览图书或查阅网络等途径，知识结构已相当惊人，有时候比老师知道的还多。这就要求高中音乐教师不断加强自身的业务学习能力，提高自身的素质和水平。在节奏日趋加快的现代社会，高中音乐教师要具备良好的心理素质去迎接一切挑战。再次要丰富与音乐学科相关的文化知识，自己在教学后才有真正的体会，要给学生一杯水，教师要有一桶水，而且应当是一桶“鲜活水”。最后要具备博学多才的教学技能，这样才能更好地调动高中生学习音乐的积极性，提高教学质量。

二、从学校的角度思考音乐教育

学校是培养祖国花朵、孕育祖国栋梁的地方，学校培育学生的过程离不开音乐教育，但是音乐教育在很多学校没能得到完善，不是教学设施不够，就是师资不够，很多时候音乐课在许多学校成了一门“调剂课”，在升学压力下，不列入考核范围的音乐课被随意“转让”，甚至停开。很多学校没有配备专职的音乐老师，音乐课由其他任课老师代课，但是他们往往拿来上语文、数学等课，音乐教育有名无实。对于音乐的重视程度存在一种怪象：“高中不如初中，初中不如小学，小学不如幼儿园”，长期以来，音乐教育已成为许多学校和家长“支撑门面”的招牌之一。为了参加各级各类的音乐方面的比赛，学校挑选少数学生成立几个音乐专业队进行强化训练；为了迎接上级的各种检查，学校排练几个文艺节目演出汇报，这样，投入的人力、物力少，又见效果，领导见了，认为学校艺术教育有成效，获了奖，给学校和家长争了光，学校和家长有了炫耀的资本，都高兴。长此以往，形成恶性循环，学校只重视对少数学生或少数艺术训练组的训练，以此支撑门面，将大部分学生拒于音乐教育的大门之外，淡化了音乐教育的普及，音乐教育活动开展得极不实在。所以学校必须打破“门面”观，还给学生学习音乐的权利，注重音乐教育的实效性。

三、从学生的角度思考音乐教育

学生是学校的主体，学生在学校不应该只是学习文化课，更多的是德智体美全面的发展和各种兴趣的培养。有报道曾披露这样的调查信息：“现在的中小学生绝大多数都喜欢音乐，但绝大多数中小学生都不喜欢音乐课。”这是什么原因呢？我发现现行音乐教学中已出现了很多不能完全适应时展的问题：如课程过于注重知识的传授。音乐是一种情感艺术，但在课堂上往往被肢解成单一、机械的板块，或老师唱一句，学生跟一句，音乐课被简化为唱歌课；或了无生气、死记硬背乐理知识，用应试的那一套扼杀学生们最初萌生的乐感；内容的繁多与书本知识的过于偏重，使教学脱离了生活及社会发展的客观需求。因此，我们要加强音乐教育教学的自身建设，给学生创造一个宽松的体验美、感受美、欣赏美、表现美、创造美的环境，以提高学生的音乐兴趣，培养学生的创新能力。

所有处在音乐教学前线的工作者，每节课、每个音乐知识都需要情感的投入，做好正确的启发和导向工作，让学生在每次音乐学习过程中都有自己的情感体验和美的享受。总之，只有重新审视音乐课程的标准、理念，积极行动起来，不断学习，不断反思、不断进取，才能做一名优秀的音乐教师。

参考文献：

［1］肖光明.试论新形势下中小学音乐教师素养的提高.音乐教育与创作，2007，（8）.

［2］龚倩.音乐教师教学反思能力的培养初探.音乐教育与创作，2007，（8）.

［3］李丽娜.高中音乐女教师如何克服职业倦怠与获得幸福感.音乐教育与创作，2007，（9）.

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【关键词】音乐艺术 情感体验 现状 思考

曾经有一位资深的音乐老师说过：“学音乐的学生如果没有音乐感觉，就好比顽冥不灵，根本是教不好的，也是教不得的。”虽然这句话说得有点“过火”，但我觉得这句话道出了音乐作品中最核心的东西――音乐的情感体验。

在传统的音乐教育过程中，太多教师在音乐课程中，强调更多的依然是各自的专业技术，声乐的强调发声的技术，键盘的强调触键的技术……大多数教师都忽略了对情感方面的发掘与表现，导致学生对音乐的理解能力极度的薄弱，只能成为一部没有情感的“发声机器”，因此，强调音乐教学中的情感部分，刻不容缓。

一、音乐教学当中对音乐情感体验教学的现状

什么是音乐情感体验。音乐的情感体验那么重要，那有人会问，什么是音乐的情感体验呢？音乐的情感体验就是人们常说的音乐感觉，指人们通过对音乐的听觉而对音乐音响所产生的一种情感体验，这种体验非常的抽象，这种体验也是因人而异；同时，这种体验能力也是构成一个人音乐修养的重要成分，是检验一个人艺术素质的高低的重要标准。

如何感受情感体验。了解了什么是音乐感觉之后，那么我们该如何感受音乐给人带来的情感体验呢？首先，了解音乐的创作背景。我们应该知道作曲家在创作一首音乐作品时，他是从最核心的情感表现效果出发，音乐中的每一个乐句都是经过精心设计、处理而得到的，这些乐句包含着大量的作曲家在创作时的情绪或情感信息。

其次，了解音乐的表现对象或表达内容。这样，我们才能对音乐作出一种内在的想象力，让我们可以通过已有的音乐形象，以及对音乐形象的创造力的想象，从而实现对音乐作品地听觉体验。

二、针对现状，改善视唱练耳教学的几点思考

（一）拓展思路，触类旁通

音乐感觉并不只是学习音乐的学生的专利品。我们通常说文艺不分家，又说了音美不分家。我们可以换一种视角来认识什么是音乐感觉。下面就通过美术方面浅谈如何来理解这种情感体验。

大家不知是否有过这样的体验，当你出游时，在山水之间偶然看到一幅高山流水的自然画面，是否会想到伯牙与子期呢？是否会在心中情不自禁的想起了伯牙的《高山流水》呢？如果有，恭喜你，你已经在音美之间获得了这种“感觉”，（我将这种感觉称为“通感”？。所谓“通感”，是指人们在审美活动中借助一种美的感觉沟通另一种美的感觉。换句话说，由某一门艺术的感觉转化为对另一种艺术的感觉。在艺术门类中它好比“桥梁”一样，使艺术之间相互沟通，相互转化。使人的视觉、听觉、嗅觉、触觉等多种感觉互相沟通，互相转化，也使艺术之间互相影响、互相交流、互相启发。以下也都称为通感）

古琴铮铮，流淌出流水般自然生动的旋律。如此流畅的旋律自然不是对不固定音高的简单模拟。但自然界中有固定音高的事物毕竟不多，音乐家们也在对那些没有固定音高的事物进行模拟。就像画家们努力在静止的画布上表现各种动感的画面一样，当然，音乐家无法像画家那样将一幅幅动态图忠实的展现出来，而只能是一种近似的模仿。音乐作品中用有规律的音乐运动来表现无固定音高的事物，这种音节的律动往往能给人感觉上的事物再现，而不仅仅是音高的再现。无疑，流水的形象分明就在其中，不然又怎会有子期的识知音呢。

音乐家们在大自然这幅美丽的画面前所表现出来当然不仅仅只是上面的这个例子了。又如李姆斯基一柯萨科夫的《野蜂飞舞》，音乐很难完全模拟野蜂喧闹的声音，作品里更多的是对野蜂声音的抽象与概括。这种与写实风格绘画不同的近似抽象性，也正是音乐的魅力所在。

绘画中的音乐，这些写实派的音乐我们可以用心的去体会。在体会之间，相信你也可以获得些许通感。

（二）着立于简，以简触通

我们现在来反向推理一下――音乐中的绘画。音乐中的“绘画”就是利用艺术的“通感”效应，激活人的思维与想象，让人在音乐欣赏中，大胆地表现与创造。

我们在音乐欣赏教学当中合理运用“通感”，不但可以促进和发展学生的发散性思维，还能调动学生聆听音乐的积极性，提高音乐审美能力的本领，对培养和发展学生的观察力、想象力和创造思维能力，都有着不可低估的作用。恰到好处的运用“通感联想”原理，选择贴近学生生活的音乐欣赏教学内容，以学生的发展为本，让学生在音乐欣赏中学会用画面描述音乐是培养学生音乐审美心理的重要途径。

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1.现状分析

现状分析但从现代教育论上分析，一个时期内课堂音乐教学的主要模式仍属于单纯的知识与技能的传授，其教育理论基本是赫尔巴特的教师中心论。在一部分音乐教师观念中，专业音乐教学的倾向还有一定的影响，所以在教学中往往对学生进行烦琐的乐理知识教学，枯燥的发声训练、视唱练耳，学生随着年级的递增而反感情绪增加；对作品（绝大部分是歌曲）的理解，完全是教师说了算；在音乐教学的过程中，学生完全处于被动状态。所以中学音乐教学在一定程度上曾出现"中学不如小学"，"学了九年音乐课，有些学生仍然是一片空白"的不正常现象。因此，从整体上研究教学模式，改革音乐教学已迫在眉睫。

2.研究的思路

2.1 营造民主自由的教学氛围。我在教《我们新疆好地方》时，课前先让学生收集有关"赞美家乡"方面的资料。一上课，同学们都主动地踊跃展示自己收集的图片、文字、VCD、歌曲磁带等。每位同学十几秒的展示，显示出了很高的积极性，观看的学生也很投入。整个过程老师除了协助学生操作外，就是当一名观众，让学生自由展示、解说，相互评价，你一言我一语，课堂气氛非常活跃。课堂上，教师创设了一个能唤起学生主体意识的、民主、自由的课堂氛围，用亲切的声音、赞赏的眼神，蹲下身去和学生面对面地交流，让他们深感你的温暖，体验你的呵护，从你的音乐课堂教学中得到真正的全方位的美的教育。

2.2 课堂教学方法丰富多彩。课堂教学方法丰富多彩，所谓教学有法但无定法就是这个道理。但不管什么教学方法，都必须建立在学生的生活经验基础上，符合学生的认知规律。在整个教学过程中，教师应该成为学生学习的服务者、组织者、引导者和亲密伙伴，学生应该随着教师的引领在思考和活动。如：在节奏教学中用讨论教学法组织学生讨论、交流学习材料，从生活中去找丰富多样的节奏，培养学生互助学习的能力和合作精神；用自主学习法让学生收集音乐信息，分析认识节奏的不同种类特点和作用，培养学生收集和处理信息以及科学研究的能力，等等。这些教学方法较好地体现了教学的民主性、主动性、探究性和时代性，对提高音乐课堂教学质量起了很好的作用。

2.3 加教师应该是知识技能的培养者 。新课程倡导自主、合作、探究的学习方式，这既是一种学生学习方式的变革，更是一种教师教学方式的改革。课堂教学的确定性指的是教学的目标是确定的，不确定性是指课堂是动态的，有许多突发性事件。教师如何处理好突发事件，灵活机动的完成教学目标呢？我认为，一名好教师不能将课堂教学变为教案剧的上演，不必过多的预设课堂，不要设置一些烦琐的教学环节，达到控制学生的目的。教学的过程中，教师要多放手，让学生去表现。好教师课前能认真写教案，课上能抛开教案，课后又能总结出符合学情的教案。 总结多年的教学经验我发现，音乐教育中的知识技能学习，应当根据课堂教学活动的需要，在音乐课教育活动中，加入有限而却是有效的知识技能：音乐教育要求在学生主动参与、投入的艺术教育中，结合学生的生活经验与情感体验，利用学生的兴趣、爱好与探究，将知识技能有机地融入教学活动，让学生在快乐的学习过程中，学到知识技能，获得艺术能力。

3.音乐课基本教学模式研究的初步设想

3.1 我们对唱游课进行了初步总结：①唱游课教学打破了传统音乐学科的单一性，采取音乐游戏、律动、歌表演、集体舞、节奏乐等综合性音乐艺术手段，提倡艺术形式的多元性。它以激发学生学习音乐艺术的兴趣为目的，以培养他们审美情趣为核心。实施唱游教学，一方面为进入中高年级学习音乐打好基础，一方面积淀为具备审美情操的基石，从而成为完善学生素质的一个组成部分。②唱游课的指导思想："动中学，玩中学，乐中学"，一切从学生出发。③唱游课的相关策略：a注重兴趣；b人人参与；c创设情景；d加强表现；e加入竞赛；f即兴创作。

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关键词：音乐表演 双语教学 思考

一、实施双语教学的必要性

到目前为止，东北大学艺术学院建院刚刚5年，双语教学尚处于起步阶段，与其他学院相比，有一定的差距。因此，笔者认为，为了尽快实现东北大学“多科性、研究型、国际化”的发展目标，关注艺术学院的双语教学是很有必要的。其原因在于：

1.学术发展（学科建设）的需要

对于西洋乐器和美声专业来说，我们学的是舶来品，如果想直接了解本专业最新的学术动态，只能亲自去查阅原文资料或观看大师班教学录像。这样，国内教学中的传统方式则难免出现学术盲点，“以讹传讹”的情况容易发生。

2.国际交流的需要

如今，学校举办国际音乐节，与欧、美一些音乐院校进行校际交流已成惯例，实施双语教学能够为这些交流活动的顺利进行及深入开展打下坚实的基础。同时，中国的民族音乐想要为世界所了解和认知，同样需要语言作为桥梁。音乐的音响无需翻译，但音乐的实现过程、技术及音乐背后蕴藏的思想、文化、美学含义则一定要通过准确、生动的语言来表达。因此，只有充分利用好语言媒介，才能实现中外文化的良好沟通与交流。

3.与综合大学的教学模式接轨的需要

综合大学中的双语教学是近几年开展起来的，虽然时间不长，但潜力很大。以东北大学为例，前年举办了双语教学基本功大赛，旨在提高教师双语教学能力，同时营造一个开展双语教学的良好氛围，其中理、工、文、艺术、体育等各专业的教师踊跃参加。这就是综合大学的优势，整体的文化氛围以及学术环境在无形之中影响、带动了艺术学院的进步。因此，在艺术学院开展双语教学，一方面可以迅速跟上东北大学的教学节奏，与东北大学的教学模式接轨；另一方面可以弥补音乐、美术教育之不足。

二、实施双语教学的难点分析

迄今为止，艺术学院的双语教学尚处空白，究其原因有以下两点。

1.学生

众所周知，音乐表演专业的学生，尤其是器乐专业，从小学习专业课，很多学生从艺术中专考入东北大学，录取线200分左右，文化课基础较差。学生们反映，听公共外语老师讲课很吃力，主要是词汇量和句法较差，但兴趣还是很普遍的。因此，在教学中，从兴趣出发来寻找双语教学的切入点是切实可行的。

2.师资

大多数专业教师的英语水平有待提高，这是双语教学进课堂的最大问题。表演专业的特殊性决定了公共外语和专业外语老师较难承担艺术学院的教学任务。因此，提高专业教师的英语水准是双语教学的关键。

三、实施双语教学的具体步骤

(一)师资培训

教师的英语水平是双语教学成败的决定性因素。当然，教学是双向活动，学生的基础、素质也非常重要。在教学活动中，教师是起主导作用的。因此，师资的培训是开展双语教学的重中之重。

在职培训学科教师。上文提到，表演专业具有很强的专业性，最佳方案是对本专业的教师进行英语强化培训，承担双语教学的任务。东北大学有外语学院，教学的硬件、软件都很完善，艺术学院的教师可以充分地利用综合大学学科齐备的教学资源，进修或自修以确保双语教学任务的顺利完成。

聘请外籍教师。在条件具备的情况下，聘用母语为英语的具有教师资格认证的外籍教师，以大师班的形式参与到教学中来。教师、学生通过观摩、上课的方式提高英语的听说水平。而且，从另一个角度讲，也可以把外籍教师作为桥梁，通过他们了解发达国家的音乐教育，从而促进我们自身教学的进步和发展。

积极开展双语教研活动。积极开展双语教研活动是提高双语教学的捷径。在教案编写、课堂教学节奏把握和授课语言的准确、生动等多方面都可以向外语专业的教师学习。此外，举办英语竞赛、英语角等形式多样的活动也是促进双语教学的好办法。

(二)双语教学进入课堂的教学原则及内容

1.原则

先易后难，循序渐进。艺术学院的学生与其他文理专业的学生相比，英语水平较低，开展双语教学应从零做起，不能急于求成，正所谓“千里之行，始于足下”。

2.内容

基础英语。对于综合大学的其他专业来说，基础英语有老生常谈之嫌，但在艺术学院，则必须给予高度重视，学生们只有在基础英语掌握到一定程度时，才能够进行双语教学。否则，双语教学就会成为空中楼阁。基础英语学习的重点应放在基本语法和词汇方面，与公共外语教学有所不同的是，可将音乐方面的词汇与基本语法、句法训练相结合，以引发学生对音乐英语的兴趣，兴趣对于学习是最好的出发点。

专业英语。音乐表演专业不同于其他理、工、文类专业，教学中实践多于理论，直观教学较多，通常的形式是教师根据学生演奏（唱）情况提出问题，以示范的形式让学生模仿，帮助学生解决演奏（唱）中存在的问题。因此，鉴于表演专业的特殊性，选择双语教学的切入点是非常关键的。常言道：“兴趣是最好的老师。”因此笔者建议，从教授学生感兴趣的音乐作品入手，学习相关的作曲家、作品中常用的表情术语及所处的音乐史划分阶段的英语表达方式；从教学角度讲，先从汉语对应的单词入手，逐渐增加词组和短句。学生积累了一定的音乐英语知识后，再将句子的结构扩展并增加复杂程度，这部分内容最好在研究生期间进行。

首先，单词学习。学生演奏“海顿”的作品时，在学生的乐谱上写出海顿的英文拼写“Haydn”，再教读音，只需模仿发音即可。这样，学生学起来没有(转第57页）(接第45页）负担，还很有兴趣，而且能顺利、轻松地进入到双语教学的程序之中。同理可证，乐谱中的术语多为意大利语、德语、法语、西班牙语等，可以用同样的办法使学生逐步掌握。在本科阶段，只要掌握单词的正确发音、知道对应的中文含义即可。例如，曲式术语：德语“Walzer”（圆舞曲）；速度术语：意大利语“Allegro”(快板)；表情术语：法语“désordonné”（混乱的，杂乱的）等。

其次，词组学习。还以“海顿”（Haydn）为例，这位作曲家是音乐史中古典时期的代表人物之一。那么古典时期对应的英文表达方式“the classic music period”应作为重点词组掌握。此外，以点带面，将古典时期之前的巴洛克时期“the Baroque period/（the figured-bass period）”、文艺复兴时期“the Renaissance period”以及之后的浪漫主义时期“the Romantic period”、近（现）代音乐“20th-century （contemporary）music/（modern music）”等教给学生，学生的专业词汇量就会逐步扩大，而且，将独立的词组按照一定的逻辑关系组合起来的学习方式，会增加学生的兴趣。

再次，短句学习。这部分内容应用在表演专业的核心部分。何为表演专业教学？即通过乐器和人声展示音乐，它是一个实践的过程，教师通过行为语言（演奏、演唱）和阐释语言传授专业知识技能，学生通过视觉、听觉、触觉吸收教师所言所讲、所奏所唱。演奏理论在课堂所占的时间相当少，也就是说，语言阐释的比重占很小一部分。因此，根据表演专业的教学特点，在结合演奏进行双语教学时，笔者建议应以短句，简单句为主，将音乐术语置于句子当中。下面举几个简单的例子：

①分弓改为连弓，好一些。

Please use legato（意） instead of detaché（意）。It will be better.

②你知道乐曲的织体层次、色彩对比、力度变化以及曲式结构吗？

You know the layers of texture，the contrast of colours， the Change of dynamics and the structure of the music forms，don′t you ？

③你对休止符重视不够，尤其是八分休止符和十六分休止符。

You don't pay attention to rests，especially the eighth rest and sixteenth rest.

刚开始的时候，学生会觉得句子很简单，但关键词听不懂，例1中legato和detaché这两个单词就属于这一类型。也有这种情况，学生听懂了单词的通常含义，却不知道它作为音乐术语时的含义。这时，应单独将术语进行翻译、解释。例3是比较典型的例子。例2则属以上两种情况的综合。当然，进行双语教学的方法还有很多，教师应该在教学活动中不断发现、不断总结，才能不断收获。

结语

总而言之，双语教学与其他任何门类的教学一样，是一个漫长的、渐进的过程。无论采取那种方式、方法都可以。重要的是，教师必须根据学生的基础、能力，找出教学的切入点，设计、制定行之有效的教学方案，才能达到最佳的教学效果。

参考文献 ：

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关键词：功能语言学;阅读教学;语篇

一、当前阅读教学的主流模式

在二语习得领域所普遍考虑的听说读写四大技能中，阅读和写作主要涉及书面语。其中阅读往往被认为对二语习得具有基础性意义，它被看作是书面语的分析和阐释过程，是读者的输入性语言活动。二语习得领域对阅读模式的研究由来已久，发展起了诸多阅读教学模式。然其中最流行的不过两种：自下而上（bottom-up）模式和自上而下（top-down）模式。前者认为：阅读过程是一个解码过程，从书写符号出发，到他们的听觉对等成分，再到发现它们表达的意义;这种模式认为，只要读者掌握了语言符号的实体特征和形式特征（字位、词汇、语法）等就可以理解语篇。这种阅读模式将语言形式视为阅读教学的主要目标。后者认为：阅读过程是意义的重建过程而不是单纯的解码过程;读者是阅读活动的中心，语篇意义的把握是一个借助读者经历和语境进行重建的过程。

二、两种主流模式的偏差

上述两种当前阅读教学的主流模式决定了当前阅读教学中存在的两种不同性质的偏差：自下而上模式注重语言形式教学，这一模式只注重对语言形式项目和结构的教学，忽视了语义模式和语境特征。这一模式认为阅读就是从学习词汇语法开始，向句子和语篇不断上升;语篇由句子构成，句子由词汇短语构成，只要掌握好了词汇语法，就可读懂句子，读懂了句子也就学会了语篇。自上而下模式注重以语境和功能为主进行阅读教学，重视对语言语境特征的把握，注重背景知识而不注重基础的字系特征和词汇语法等形式特征的学习。

在自下而上模式中，阅读教学过程通常是这样的：从词汇讲解出发，要求学习者全面掌握词汇的发音、拼写、意义及词性、搭配等;然后要求学生掌握句子结构进而熟练地朗读语篇。最后，教师逐句进行翻译和解释。教师解释完成，整个语篇就算学习完毕了。这种教学模式引导学生只注重具体的语言项目、语法结构和语言事实，忽视了作者的写作目的和语篇的整体意义，只见树木不见森林。这一模式培养出来的学生往往交际能力差，不善于捕捉语篇的整体意义和重要信息。

在自上而下模式中，语篇教学往往带有泛读性。教师注重讨论和讲授语篇的宏观意义、交际目的、主题特征等，学生只注重了语境和背景知识的积累和宏观内容的捕捉而忽略的基本语言知识和语言形式学习。这种学习的结果是学生的语言基本功不扎实，常犯语音、语法、拼写、标点等方面的错误。与此同时，在诸多阅读教学中因时间和篇幅所限，所运用之语言材料往往是语言片段或语篇片段。语言材料本身不能代表整个交际事件，衔接链被割断，连语篇的主题意义和交际特征的把握也会受到影响。

三、新型阅读教学模式应考虑的因素

在系统功能语言学看来，语言是一个由音系层、词汇语法层和语义层组成的符号框架（朱永生等，2001）。这一框架在下与声音和符号等实体相联系，在上与情境、语类和文化相关联。首先，书写符号的辨认能力和词汇语法的基础知识是进行阅读的基础和前提，没有这一前提阅读是无法进行的;学习语言就是学习如何表达意义。同时，文化背景，语类，情境和交际目的是读者实现其阅读目标的外部条件。在功能语言学看来，篇内意义与篇外语境的关系不是单向的而是双向的。一方面读者需从语篇的篇内意义来推测语篇的语境因素，另一方面语境因素和交际目的又反过来帮助读者更精确地把握语篇的意义。换言之，语篇意义的把握是从语义到语境再由语境到语义的多次反复。阅读教学应考虑这一过程中不同因素的作用。

1.学生的基础和层次

在外语阅读学习的基础阶段，学习的重点应该放在字系、音系特征、语法知识技能的学习上;在中级阶段应把阅读学习的重点放在词汇语法与意义和语境的联系上，并需通过大量的阅读实践实现知识到能力的转化;在高级阶段;应该将阅读学习的重点放在根据不同文化特点、语类和语境来理解和欣赏语篇的深层交际意义和语篇评价上。注重学生的基础和层次还需考虑学习者的个性特征，如有的善于思考而拙于表达;有点善于表达而思考深度不够等。

2.注重语言差异

对于语篇创作者而言，意义的体现和表达方式的选择往往是下意识的，作为读者也通常难以意识到语篇作者在什么情况下选择什么样的语言特征，更可能忽略外语文化中语言项目和形式的选择与母语有什么区别。因而，对文化语类和情境知识的学习，重点应放在外语与母语在文化和语类等方面的差异上，在阅读外语语篇时要努力用外语的行为方式和文化规约来理解、评价和欣赏语篇。在意义把握上要努力把外语语篇的意义与其文化背景、语类特征等结合起来;在词汇语法的学习方面，不仅要通过各种手段掌握基本用法，而且要把它们与运用的环境结合起来，真正内化为学习者本身的二语能力。

3.语篇的意义分析与语境及语类推测相结合

在进行基本的词汇学习和语法分析之后，阅读教学需根据词汇和语法分析来进一步走向意义分析、语境分析和语类推测。

在功能语言学框架内，意义分析主要是及物性系统的分析，即在物质过程、心理过程、关系过程、言语过程、行为过程和存在过程所构成的系统中，重点分析一特定语篇以哪一个或几个过程为主，进而掌握一语篇在概念意义、人际意义和语篇意义上的性质和特点。在意义分析的基础上，进而引导学生推测语篇的情境语境：其语场即本语篇所涉及之主要话题，语旨即语篇所涉及主要人物之关系，和语式即本语篇的口头语书面语特征、言语投射和名物化程度等。语类分析是语篇分析不可或缺的部分。作为表达特定意义的话语类型，语类能在一定程度上揭示语篇的交际目的。语类分析既能够实现对语篇的深入理解，也能更好地引导学生总结语篇的文化特征。

（作者单位：潍坊工程职业学院语言学院）

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关键词: 音乐研究型课程 教师角色 缺位

一、我国音乐研究型课程教师角色缺位的原因

我国音乐研究型课程教师角色缺位原因有两点:一是教师的教育哲学观存在偏差。教育哲学是对教育问题的哲学思考,用哲学的方法和语言来研究教育问题。研究的对象包括教育的本质、目的、学习的历程、知识的架构、人类的课题、权威的问题、教育和社会之间的关系、教育的方针等;二是教师课程意识的缺失。作为一种特定形态的社会意识,课程意识是教师对课程系统的基本认识,是对课程设计与实施的基本反映。它包括教师对课程本质、课程结构与功能、课程的学习活动方式、课程评价。随着高中生心理结构、学习能力的不断变化,传统的课程模式已不能适应他们的学习方式,教师在传统课程体制的影响和制约下,逐渐忽视自己作为课程主体的价值和地位。

二、转变音乐研究型课程中教师角色的策略

(一)生成意识

音乐研究型课程生成意识的培养是建立教师把课程视为动态生成的认识。研究型课程不是预设的,它有研究目标,但其研究过程是发展变化的,其结果也是不可预知的。研究型课程的生成发展,实际上是在探讨教师与学生如何共同学习、探索和成长。高中音乐课程标准对学生的全面发展给予了新的阐述和定位,突出特点是课程目标由单向方式走向多元、综合与均衡,体现了情感、态度与价值观,过程与方法,知识与技能三个维度的有机整合。在具体的课程实施过程中,教师要考虑课程目标与课程设计是否契合。对预设课程中不合理的部分或进行否定和批判,或进行重新选择、补充、修改。

(二)资源开发意识

音乐研究型课程资源开发意识的培养是教师在课程实施过程中主动性的重要体现。它是教师有计划、有目的和有针对性的课程中和课程外的资源的开发和整合利用。前者包括知识、技能经验、活动方式与方法、情感态度与价值观及培养目标等,它们的特点是直接作用于课程并成为课程的要素;后者包括与课程实施有关的人力、物力和财力,以及时间、场地、媒体、设备、设施和环境,还有对于课程的认识状况等,它们的特点是作用于课程却并不是形成课程本身的直接来源,但在很大程度上决定着课程的实施范围和实施水平。由此可见,课程资源的外延范围远远大于课程本身的外延范围,可以说它是后者的一种必然延伸。课程资源的重要性在于:“课程实施的范围和水平,一方面取决于课程资源的丰富程度,另一方面更取决于课程资源的开发和运用水平,也就是课程资源的适切程度。”高中音乐教育课程重视学生审美能力、兴趣爱好、实践创新能力的培养,但教材中的内容已经无法满足学生的要求,这就需要教师将课程资源进行拓展迁移,不能仅仅把教材内容、教学设施设备等看作课程资源,还应视学生的认知水平、生活经验,在学习中的疑惑、见解等。而且,教师要善于利用己有的现成资源、外显性资源,善于充分挖掘利用学习进程中内隐性资源、新生成的资源,让学生对音乐及其相关文化有更深刻的了解,增强学生的实践能力和创新水平。

(三)创新意识

音乐研究型课程的创新意识是指教师在音乐课程资源开发的基础之上对新课程资源的改进和创新的一种认识。课程资源的开发本身就是一种创新行为,利用新的课程资源再进行与他人不同的革新是一个研究型教师必须具备的素质和条件。音乐课程是基于抽象概念的学科之上的,其内涵和外延与其他课程具有很大的差异性和不确定性。因此,在正确把握音乐教育课程本质的基础上,拓展其外延,使学生有机会学习更多、更丰富的音乐知识,有机会发挥自身的潜在能力。因此,在音乐研究型课程中,不但要强调锻炼学生的创新能力,而且要以培养教师的创新意识为突破口,削弱教师作为“知识代言人”、“知识化身”的权威性。

(四)合作意识

音乐研究型课程的合作意识是培养教师在课程实施环节中与其他教师、学生和家长的合作能力和合作精神,包括教师和学生的合作,教师和家长的合作及教师和教师的合作。合作意识,是每个人都应具备的基本素质。现代科学技术的发展是人们合作探索的结果,乐于合作、善于合作也是人文精神的重要组成部分。在音乐研究型课程的实施过程中,教师必须具备这一基本素质,很好地加强教师之间、师生之间和与家长之间的合作,从而使课程实施真正落到实处,深入到每一位教师、学生、家长的心中。

三、结语

音乐研究型课程只是课程改革的一种形式,要真正使其落到实处,使学生从中获益,首先必须变革基础教育理念。基础教育理念的变革会带来教育制度的根本转变。其次,需要构建实施新课程改革的学校制度。如果不能从宏观上、整体上形成学校制度,那么课程改革也将流于形式。最后,在知识的生产与传播方式发生改变之后,教师需要重塑教育的人文背景,重构学科的知识背景,善于发现自身的局限性和发展的可能性,从而实现专业化成长,推进课程发展。

参考文献:

[1]方方.论普通高校音乐教育中的研究性学习[J].星海音乐学院学报,2006,12.

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关键词：古梅山峒区汉族梅山教；和娘娘；仪式音乐；音乐形态

中图分类号：J608 文献标识码：A DOI：10.3969/j.issn1003-7721.2012.03.002 



作者简介：赵书峰（1972～），男，文学博士，北京信息职业技术学院教务处（北京100015）。

收稿日期：2011-03-11

一、仪式相关概述

（一）仪式地点

仪式地点地处湘中偏西南，雪峰山脉西南端，［1］距县城80多公里，毗邻新化县奉家镇“瑶人冲”遗址约有15公里左右。该村四面环山，隔山相望就是虎形山瑶族乡、小沙江镇的“花瑶”居住地。该村有800多人口，主要以汉族为主，大部分居住在山中的平坝地区。当地农民大多以种植水稻、金银花为生。

（二）仪式时间

2010年2月21日8：10分—2月23日14：43分（农历正月初八至初十），共三天两晚。

（三）坛场布置

1.神坛布置

仪式的神坛，主要用在巫、道、傩法事中，其中，道教法事的神坛分为正案和副案。正案主要有三部分构成：上层神仙主要是道教的三清神，中层为古梅山峒区汉族梅山教①和道教的开启祖师，上节供奉主要神灵，中节是长方形容器，内盛米，下节供八仙、元皇上帝、三元将军、祖师神像等，以及各种酒牲。下坛放梅山神坛——张五郎左手拿剑，右手拎鸡，双脚倒立的神像，以及各种贡品。副案上放有酒牲、香及四值功曹神像。其正案的周围用五色彩纸，装点成的一个“五色花坛”，并在坛场的三面墙上挂满了娘娘的剪纸神像。（图1②）在神堂正门口上面贴着对联为：

左：三清大道；中：元皇北极驱邪院；右：请降香坛

2.傩面具

主要有：（从上到下，从左至右）土地、报路郎君、开山小将、杨十九郎、三宵娘娘、开洞郎君、长工郎君（图2）。

3.法器、乐器

法器、乐器主要有：令牌、拙板、头巾、柳围裙、头匝、师刀、师杖、牛角、铜铃、大鼓、小锣、大锣、木鱼、中钹、竹笛（但仪式中没有使用）。

（四）执仪人概况

二、仪式及其音声构成

三、“和娘娘”音声形态的分析与描述

（一）基本形态特征

1.音阶、调式

古梅山峒区汉族梅山教音乐的音阶主要以三声、四声、五声性为主。在调式方面，道教音乐部分多以五声性徵调式为主；巫傩及民歌部分多以三、四声的羽调式为主，旋律骨干音基本由la-do-re（窄声韵⑤）、la-do-mi（小声韵）构成。笔者对《中国民族民间器乐集成?湖南卷》［2］中搜集的20首仪式歌曲给予了统计分析，其中，羽调式占总数的80%，商调式占5%，徵调式占10%，其它占5%。其次，对仪式中的民歌（山歌、儿童歌、劳动歌、情歌等）统计发现，几乎全是羽调式结构。

2.节奏、节拍

音乐中以锣、鼓、钹等打击乐为主，较少用管弦类的旋律乐器。锣鼓经的节奏相对较为复杂。其中，大鼓的节奏变化很多，多以八分、十六分及休止符为主，且奏法多样，主要击奏鼓心、鼓边、鼓箍。每场仪式的【开坛锣鼓】，结构十分庞大。锣鼓经在整个仪式音乐占有很大比重，主要起到烘托仪式场景和连接各仪式环节的作用。音乐的节拍方面，其中，道教音乐唱腔部分的节拍多为四四拍，巫傩、民歌多为四二拍、四三拍子。

3.曲式结构

道乐、巫乐中的曲式结构主要为锣鼓经变奏与穿插下，单一乐句或上下对应性乐句的变化性反复，或称“单一乐句复叙体乐段”⑥、“复叙性上下句体乐段”⑦结构；而民歌、说唱部分则是大鼓或木鱼击节伴奏下的，单一乐句的变化性反复。即：a+b+a\+1+b\+1+a\+2+b\+2+a\+3……（其中a ，a\+1，a\+2，a\+3……代表锣鼓经的结构及各种变体；b，b\+1， b\+2，b\+3……代表唱腔结构及其变体）。其中，贯穿始终的打击乐是其音乐的重要组成部分。

4.乐器配置及其文化象征功能

（1）乐器配置。主要有：一个大鼓、一面大锣、一面小锣（又称师锣）、一面小鼓、两幅中钹、一个铜铃、一个木鱼、一把司刀、三支牛角、一支竹笛（仪式中没有使用）。

（2）乐器的文化象征功能。仪式中乐器的运用具有特定的文化象征属性。比如：仪式开始的锣鼓经，被认为是“催兵鼓”，喻意是催请各路神灵尽快到坛接受敬奉。而“鼓”这件乐器，由于敲击不同的部位，则代表着不同的文化象征功能。如击“鼓心”时，被认为是惊天动地，如同雷声，喻意惊动神灵，使之尽快驾临神坛。牛角的文化功能主要是呼唤神灵，但在吹法上也有很大不同。一是“五岳角”，它是由上行纯四度结构的旋律音程构成，一般认为是“五岳五岳五岳五岳”的象征含义。主要通过牛角号呼唤五岳神灵降临神坛，因此，被认为是“五岳角”；二是“玉皇角”，它是一种下行纯四度的旋律结构，发出“玉皇玉皇玉皇玉皇”的牛角腔调，因此，被认为是 “玉皇角”。主要功能是催请玉皇大帝，驾临神坛，接受主家敬奉。据邹升云师公讲，一般在差兵仪式中用吹“五岳角”，而“玉皇角”是用在下文书的仪式中。由此看出，牛角的两种吹法，从音乐形态到仪式象征都有很大不同（例1、2⑧）。

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（一）教学模式老套

近年来的高校扩招为高校的教学工作带来很多新的挑战，而三本院校音乐表演专业的视唱练耳教学中更是如此。首先，根本问题是学生的数量增多，由于视唱练耳教学任务很繁重，需要深刻了解每个学生的学习程度，所以视唱练耳原本是小班制教学。而如今，高校的扩招致使视唱练耳无法继续小班式的教学，大部分三本院校每个班学生人数均为50-60人不等，人数过多而造成教学上的困难。其次，学生水平之间悬殊过大，这加剧了视唱练耳教学的难度，三本院校音乐表演专业视唱练耳教学的主要困惑则是如何因材施教进行多元的差异教学。

大部分教师在教学中仍然采用听音、视唱的基本强化训练方法。这种教学模式在绝大程度上是有效果的，但它需要和其他教学模式相配套。也就是说，在让学生大量练习之余，教师还应指引他们学会寻找音乐的规律，学会理解音乐的内涵。其次，在教学过程中，教师的潜意识里就不重视民族音乐的内容，而偏重于西洋艺术音乐的教学内容。回首近半个世纪以来我国视唱练耳的教学，完全禁锢于教室中，教学形式单一，教师极少认真引导学生在实践中学习、运用视唱练耳的习惯。

（二） 学生基础不扎实及学习兴趣不容乐观

依据这现状来看，学生的学习情况主要存在以下问题：由于不同省份的艺考对视唱练耳的入学程度要求不同，所以入学之后，学生的基础参差不齐，通常有约一半的学生基础较薄弱，大部分学生对基本音级组成的音程把握不准，对C调以外的其他调缺乏调性感，节奏感能力薄弱；视唱只重唱忽视听，只唱音少唱情，缺乏音乐性；听辨有畏惧心理，遇到变化音比较消极应对；对民族曲调调式感与韵味把握较困难；班级集体授课的方式使个别学生学习被动，容易随着整体形成随遇而安的心理，并且对自己的唱听不重视，导致整体音准偏离。

进入三本院校就读的学生，从其自身来讲内心是充满着一定程度的失落感，他们大多是没有机会考入音乐艺术院校或因落榜而不得已做出的选择。因此，他们的失落感表现在课堂学习的积极性不佳，学习状态较为被动，缺乏主动性，对无法理解的问题也很少有学生会主动追问。视唱练耳课程主要是在视唱和听觉能力上进行双方向的培养，需要学生有很好的感知能力，而三本院校音乐表演专业的学生大多数认为自己不但唱得不好，听觉更不行，逐渐的就会被自己消极的情绪占据了对本专业学习的潜力和兴趣的发挥。

二、思考及建议

（一）建立学生学习视唱练耳的兴趣

在很大程度上，学生自身的音乐素养决定着其视唱练耳水平的优与差，但最为关键的是学生的学习兴趣与学习态度。据了解，目前视唱练耳在音乐表演专业学生心中的地位并不乐观，学生被动地接受训练，将视唱练耳看成是学习中的负担。因此，改变视唱练耳教学中固化的模式，提升视唱练耳在学生心中的地位和兴趣，端正对视唱练耳的态度，变被动为主动。在教学过程中，应多进行互动教学，师生角色互换，将学生定位于教学活动中的主体，这样的实践性环节学生所体现出来的积极性会明显高于被动性学习，既增加了学生对所学知识的实践兴趣，还加强了学生对学习内容的渗透理解。

（二） 将视唱练耳与其他音乐学科相结合

视唱练耳学科从宏观上来说，是一个知识面涉猎很广的学科，所涵盖的教学内容极为丰富，并不仅仅是单纯的读谱训练及听觉分析。教学中，音高和节奏能够在视唱练耳课中得到教师与学生的普遍重视，在此基础上，还应该让学生掌握正确的记谱原则、节奏组合法、规范记谱；熟记速度和其它表情记号及其一般运用规律，正确理解音乐内容；熟悉各种调式、调性的特点，以及和声、复调、曲式等相关课程的知识，使学生可以纵观全局，以理论指导视唱练耳具体练习。

（三）优化教师自身能力

身为一名具有现代意识和观念的视唱练耳教师，我们更应该事必躬亲，必须高度关注学科的建设，参与本学科的相关研究，才能够在根本上提高教学质量以及促进学科发展。在如今的教学中，学生主要占据主体地位，因此教师必需具有多元化的教学形式和教学理念，方能真正起到主导作用，尽最大努力调动学生的主观能动性和学习积极性，从而确保高质量的教学。

（四）优化教学模式

当前，三本院校音乐表演专业的视唱练耳教学应该改变以往的固化模式，引进一些先进的教学理念，并且学习借鉴国外一些成熟有效的教学体系，从中汲取他们优秀的教学方法与模式。随着现代科学技术的飞速发展，多媒体音乐教室逐步走进了视唱练耳教学领域，我们应该充分利用计算机多媒体等资源来革新三本院校的视唱练耳教学的传统模式，如此一来，不仅能够提升视唱练耳教学的水平，而视唱练耳教学模式也将会迎来新的面貌。

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1996年国务院学位委员会通过决议设置教育硕士专业学位，并与1997年开始招生试点工作。我国设置教育硕士专业学位，为中小学教师提升教学能力提供一条道路。

教育硕士是具有教育职业背景的专业性学位，主要培养基础教育教学和管理工作中的高素质人才。学科教学（音乐）（文中简称学科音乐）是属于教育硕士门类下的学科之一，学制多为2年，获得该学位不仅要有良好的职业道德，还要掌握音乐学科坚实的基础理论和系统的专业知识；懂得现代教育基础理论和学科教学或教育管理的理论及方法；具有运用所学理论知识和方法解决实际教学中存在的问题的能力。能够胜任并创造性的开展中小学、中职音乐、舞蹈教育教学和管理工作，具有终身学习与发展的意识与能力；能较为熟练地运用一种外语阅读本专业的外文文献资料的音乐教师。

二、学科音乐专业招生现状

自1996年开设置教育硕士，发展至今已走过12年历程。随着我国本科生毕业人数的不断增加，为了缓解就业压力，国家大力支持学生考研，同时研究生的招生人数也在不断扩招。

目前在全国范围内共有53所高校开设学科音乐专业研究生培养点，各院校计划招生人数也是存在明显的扩招现象的。

例如：西北师范大学，2018年学科音乐计划招人40人，其中推免6人。海南师范大学，2018年学科音乐计划招生17人，其中推免5人。然而，尽管每年的招生人数在不断的增加，但每年的实际录取人数却往往达不到计划招生人数，即使进行专业调剂，有些院校依然招录不满。这又存在怎样的原因呢？接下来我们便从问题的起源开始具体分析。

三、学科音乐专业报考现状

据统计，学科音乐专业在多数高校常年属于招生不满的状态，每年都需要进行调剂，其主要原因要三个方面：

（一）对学科音乐专业知之甚少

学科音乐虽然是音乐类，但是却属于专业学位硕士――教育学中的教育硕士，专业代码045111。而音乐教育则属于学术型硕士――艺术学中的音乐与舞蹈学，专业代码130200。同属于音乐教育这个大的方向，却感觉相距甚远。学生在备考期间选择专业时，首先会搜索艺术类别中的音乐专业，同时受教师和高年级学生考研专业影响，多数会选择音乐教育、中国音乐史、西方音乐史等理论专业。像学科音乐这样一个音乐与教育之间的交叉学科，很少被学生所熟知，因此报考人数较少。

（二）初试内容与本科专业不符

即使有一些同学偶尔得知这一专业，但在诸多思量会后也会选择放弃，因为其考试内容与自己的学习经历不完全相符。学科音乐专业初试四门科目，分别是政治理论、英语（二）、教育综合（333）、业务（二）。政治理论与英语是全国统一考试，业务一与业务二由招生单位出题。业务二为本专业的课程内容，多数学校设为：中西音乐史、音乐教学法、音乐基础理论知识等科目；而教育综合（333）属于教育领域的知识，其中包括教育学原理、教育心理学、中国教育史、外国教育史四门课程。对于本科阶段是音乐学专业的同学来说，教育相关知识还稍有学习，但是对于音乐表演的同学来说，无疑是完全跨学科式的考试。对于一个陌生的事物，人往往是选择逃避的，因此同学们可能会毫不犹豫的选择放弃。

（三）英语分数线相对较高

学科音乐隶属于教育类别，因此在国家规定的单科线上不同于艺术类别。2018年艺术类英语单科分数线为36（A区）或33（B区），学科音乐则要求为44（A区）或41（B区）。对于艺术类考生来说，英语是考研的一大阻碍，单是英语单科线，便让人望而生怯。实际上，英语确实绊倒了不少走在考研道路上的音乐学子，很多音乐考生因为英语未达到单科线，而名落孙山。人的心理会自动选择规避风险，为了避免将来因英语不过线而落榜的局面出现，学生在报考时就不选择此专业，或是勇敢的选择了，但却没能阻止落榜局面的出现。

四、学科音乐专业培养现状

近年来，高校和社会各方面纷纷表示研究生质量有所下降，其原因定不是单一的，下面便从教师、学生、培养单位三方面具体分析：

（一）专业导师资源不足，质量有所下降

随着研究生招生规模的扩大，而临的首要问题是导师队伍严重短缺。大部分学校出现一个导师一届带五六个研究生，但毕竟导师的精力有限，带的学生过多难免会出现指导不够全面。[1]另一方面，目前我国的导师制度仍以职称为准则，只有正高或副高职称才可以带研究生，具有深厚资质的教师数量不多，而刚刚晋升教授或副高职称的导师，在教学和心理方面准备不足，从而造成导师质量有所下降。一些新增硕士点的综合大学中的音乐专业，其借助的是综合实力，在音乐领域的研究生培养能力不足，由此也导致了研究生质量的下降。

（二）学生基础知识不扎实，缺乏实践经验

学科音乐专业以培养具有教学研究能力的音乐教师为目标，因此音乐教师的专业技能必须严格要求，但是研究生考试首先以笔试进行筛选，考试合格即为符合要求，具有一定的应试特征，在某种程度上有考察学生“背书能力”的倾向。尽管笔试之后还有面试环节，但学生按照复试内容集训一段时间也可以基本达到，甚至有些学生复试成绩不理想，但招生单位考虑到计划招生人数与生源不足等因素也勉强录取，从而使得一些专业技能不足的学生也成功走入到研究生队伍。此外，一些学校为了支持鼓励学生考研，默认备考学生可以不参加教育实习活动，身为准音乐教师却没有教学经验，没有真正的上过一节音乐课，由此可见实践经验、教学能力的严重匮乏。

（三）培养单位课程设置缺乏连接性

学科音乐专业，重视理论学习与教学实践相结合，实行双导师制度，校内外导师共同指导学生的学习与研究工作。开设有学位基础课程、专业必修与专业选修以及实践教学等课程。从整体来看，课程设置符合研究生阶段的深化学习，但是对专业技能的加强有所忽视。目前，大多数学生在本科阶段的专业技能学习并不牢固，到了研究生阶段很多培养单位按照国家拟定的培养方案开设课程，更多的是强调研究能力的培养，忽视了对音乐教师专业技能的强化，由此便造成了音乐教师教学技能的不足。专业基础的薄弱，为研究生毕业后就业困难面下了伏笔。从本科到研究生的链接，有两个不可忽视的问题：

第一、每位学生本科阶段专业方向不同，从音乐学到学科音乐的顺延是一脉相承的，都属于音乐教育。但是本科为音乐表演专业的学生报考学科音乐，在学习经历上本身就存在不足，缺乏对教育学原理、教育心理学、音乐教学法、教师职业道德等知识的学习，研究生阶段对他们来说是“全新的世界”而非升华与强化。

第二、由于各院校音乐学专业课程开设不一致，培养出的学生素质参差不齐。例如在音乐教师技能大赛中的“五项全能”――声乐、钢琴、钢琴弹唱、舞蹈、合唱指挥。这体现了音乐教师专业技能的综合性，但在实际教学中，学生很难做到五项“全能”，都多多少少的存在“偏科”现象，这种现象可能持续到研究生毕业，因为在研究生学习期间，没有“查漏补缺”的课程设置。

四、就业方向

按照国家培养方案的要求，学科音乐专业的研究生毕业后最理想或最对口的岗位应该是中小学音乐教师。但实际却存在许多偏差，其原因有以下三方面：

（一）高不成低不就

尽管国家培养的目的是弥补中小学音乐教师数量不足，提高教师整体素质，但是很多学生毕业后不甘心从事基础教育，其中主要原因是中小学音乐教师薪资较低，其次认为读研究生就是为了能够有个更好的工作机会，如果最终终究是要到中小学工作，那么本科毕业就可直接参加工作，无需考研了。想进入高校工作，但是目前高校招聘普遍要求博士文凭，因此形成了“高不成，低不就”的尴尬局面[4]。

（二）与本科生之间的竞争

同时期毕业的一些音乐学院或高等师范的本科生虽没有选择考研，但是其自身专业技能过硬，毕业后直接从事音乐教育行业，已积累了一些教学经验。在应聘音乐教师岗位中，这些本科生具有较强的竞争力，对于质量并不高的研究生来说，未必能够竞争的过他们。

（三）音乐教师需求有限

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关键词：民族音乐 渗透 对比参照

我国高等师范院校的音乐专业教学大纲中涉及民族音乐的课程只有民族民间音乐这门课程，虽然也有开设音乐欣赏，但是音乐欣赏主要是针对西方音乐。而声乐主项专业的学生也大部分都是美声唱法，对于民族音乐的接触甚少。少数学习民族乐器的学生也只对自己所学乐器的乐曲熟悉。而技术理论的课程中，除了在乐理当中会接触到民族调式的学习和分析之外，和声、曲式、复调、配器等课程也很少会涉及到民族音乐。这样的课程设置极大的忽略了民族音乐。我国的民族音乐是一个宏大的艺术宝库。五十六个民族，几乎每一个民族都有属于自己的音乐文化，形式多种多样、丰富多彩，种类繁多。民歌、民乐、地方剧种、民族歌剧等总是主题鲜明、形象生动，具有强烈的乡土气息和民族特色，相对于西方音乐的浪漫、抽象、空灵，我国民族音乐独特的语言使民族音乐的表达方式更直观、具体和优美。笔者认为，不应该一味的学习西方音乐，应以西方音乐作为参照，通过比较，是学生真正做到热爱本民族音乐，充分认识到本民族音乐的真正价值，增强民族自信心与民族自豪感；促使更多的人才投身于对民族传统音乐的研究与发掘，使之得到更好地保存和发展，更好地做到继承和弘扬中国优秀的传统音乐文化。

一、 渗透教学

乐理、和声及曲式分析都是必修课，所用教材也都偏重于西方技术理论的讲解，教师可以通过西方音乐和中国民族音乐的对比使学生接触中国传统音乐文化。

1、 乐理基础课：音乐专业必修的重要基础理论课。但是对于民族调式的讲解只限于音阶建立或是简单的民歌调式分析，而学生也感觉很技术化，只要分析出调式调性就算大功告成，对于民歌本身的民族文化却一概不知。教师应该在分析调式的同时讲解民歌的民族地域文化、特点、风格以及发展简史等，让学生了解该民族音乐文化的特点。比如陕北信天游的节奏大都十分自由，旋律奔放、开阔，扣人心弦、回肠荡气，这同沟川遍布的陕北地貌有很直接的关系。在当地，人们习惯于站在坡上、沟底远距离地大声呼叫或交谈、为此，常常把声音拉得很长，于是便在高低长短间形成了自由疏散的韵律。当学生了解了民歌的大致特点之后，就会对其特有的调式结构有更深刻的理解和掌握。很多学生分不清七声调式和大小调式，主要原因就是太过于重视音阶结构而不了解其风格特点。教师可以通过中国民歌和西方歌曲进行对比参照，让学生充分了解两种调式的不同。

2、 和声及作品分析：基本上所有音乐院校的必修课之一。所学习的四部和声以及作品分析，都是大小调体系，几乎不涉及本民族调式体系。而受考研的影响，音乐专业考研的科目中，和声及作品也是必考科目，考试范围也涉及不到民族调式，使得教师在教学以及学生在学习中根本不会考虑民族音乐。基于这样的状况，在着重于考试内容之余，让学生感受西方音乐和民族音乐在和弦色彩、曲式结构、风格特点上的异同之处。

3、 复调及配器：这两门课程对于高师音乐专业的学生应该说是最不重视的。主要原因是，高师音乐专业的学生本身乐理基础不够好，在学习和声及作品分析时已经感觉到吃力，学校也基本不会开始关于作曲技法课程。而在一般音乐专业考研时，除了作曲专业外，涉及不到复调及配器的内容。而这样的情况，刚好可以充分利用起来。笔者通过教学发现，很多学生在接触复调这门课程之前根本不懂什么叫做复调音乐，什么样的音乐属于复调音乐。中国民间戏曲、说唱、少数民族的民间合唱及汉族的劳动号子中存在着大量的支声复调式，教师可以使用大量的民歌让学生了解复调音乐。而西方复调音乐首先要了解复调音乐发展历史，再进行其作品的分析。配器的教学中重点放在东西方乐器的音色对比、西洋管弦乐队和民族管弦乐队的编制。在师范类音乐学院中，西洋管弦乐专业的学生较少，有些乐器学生根本没有见过，对乐器的构造、发声原理、音色特点等处于一个模糊状态。相反，对于民族乐器，如二胡、古筝、扬琴、笛子等却是比较了解。教师可以利用学生对民族乐器的了解介绍西洋乐器，通过音响比较东西方乐器音色的差异。对于乐队可以看一些乐团的演出资料，让学生知道乐器在乐队中的数量、位置以及音响效果，掌握小型的乐队编制。

二、 专业教学

民族民间音乐就是专门讲授中国传统音乐的主要课程，在内容的属性上有传承性和习惯性、社会性和民俗性、稳定性和变异型等性质。体现在教学上，分为理论教学和实践教学（各种传统音乐风格的模唱及创作）。教学内容可以分为：民间音乐。包括民间歌曲、民间歌舞、说唱音乐、戏曲音乐、民间器乐。民间歌曲部分可以充分调动学生会唱的优势。比如劳动号子，教师先教学生唱，可以分成领唱和齐唱，让学生模仿劳动情景结合民歌合唱，“身临其境”后自然而然就明白劳动号子的起源与发展以及风格特点。山歌情歌，可以让男女生分组对唱，一呼一和，体会情歌中情意绵绵、羞羞捏捏的情感。笔者认为，死记硬背民族理论反而会让学生产生对传统音乐的厌烦，应该让学生先学会唱，会唱了之后再去分析。民间歌舞部分通过看音像资料，还可以让舞蹈专业的学生配合教学。说唱音乐及戏曲音乐地方语言性很强，在学唱之前可以学说各地方言，学生来自四面八方，各地方言不尽相同，互相交流方言的同时也会活跃课堂气氛，地方语言和音乐的旋律、韵律、唱法等都有很大关系。了解语言的同时对音乐的掌握也会加深很多。民间器乐可以让器乐专业的学生演奏，既锻炼了演奏学生也让其他人熟悉乐器的性能特点。

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【关键词】音乐教育；教师；能力水平；教育能力

一、引言

教育本身是一种创造性的的思维活动，有经验的教师都知道：最好教的是书本上的“死知识”，学生只需死记硬背就能掌握，但往往效果也是最差的；而最难教的则是“教学教法”，如同一句古话，“授人以鱼不如授人以渔”，教会学生花最少的时间精力，学会最多知识的方法。因为“教学教法”要受到人、时间、地点等各种条件因素的影响，它本身就不是一成不变的，它对一个教师教学能力也是一种综合性的考察。它需要教师对所学知识进行融会贯通，把知识和最合适的学习方法传授给学生，很多人在教师职业生涯初期往往会感到不适应，并且逐渐成为一种普遍现象。从师范生到教师，角色上的转变让很多年轻教师的职业心理和专业技能都准备不足，刚工作就给年轻教师一个下马威。

二、工作竞争压力

1.音乐教师的专业能力

音乐教师的专业能力，指的是他们在从事音乐教育专业的工作中必须掌握的技能，它包括：演奏，演唱，作曲技术理论，创编乐曲和歌曲，合唱指挥，音乐历史等。根据教学对象的不同，音乐教育教师的专业能力要求在各级单位中也是不同的，包括：高校音乐专业教育、高校非音乐专业音乐教育（俗称选修音乐课）、中小学音乐教育、幼儿园音乐教育等单位。在各级单位中，中小学音乐教师队伍最为庞大，在音乐教育领域中也最为重要，下面就以中小学音乐教育为例，教师在工作中必须加强的专业能力。

为了扮演好这个角色，中小学音乐教学中，除了正常的课堂教学，课外活动也是一个非常重要的音乐教师的教学内容。因此，这就要求中小学音乐教师具备一定的专业功底，这些内容包括：坚实的基础音乐理论知识，精准的视唱，视奏能力，系统的和声知识和作曲能力，分析音乐作品和音乐表现的能力，合唱团和乐团和指挥能力，音乐史知识，舞蹈表现能力等等。只有具备这样的专业知识和能力，音乐教师才有可能在课堂内完成歌唱教学，音乐欣赏，阅读乐谱，音乐理论，乐器演奏；在课外活动组织辅导好合唱队、合奏队、舞蹈队，有效的组织策划好一系列的集体性的音乐实践活动。

2.音乐教师的教育能力

（1）良好的课堂教学组织能力。组织教学包括以下三点： 组织自己的课堂行为；组织自己的讲授；组织学生的活动。作为一名合格音乐教师应该做到对每一个教学环节胸有成竹，能将文化知识、音乐专业技能和教育发展的客观规律巧妙融合，实施到教育教学活动中去；其次能够对教学中的各种复杂或突况有较好的应变能力，自始自终贯彻自己的教学要求，引导学生在学习过程中利用音乐激发其形象思维以达到音乐教学的目的；最后能够在教学过程中了解学生的能力，并在最短的时间内做出正确的判断，及时解决学生在学习中遇到的困难。

（2）精湛的语言表达能力。语言表达能力的强弱直接影响到教学效果和教学质量。在学生眼中，音乐教师充满个性，音乐教师的见解应该富有想象力，相比其他学科老师能够更加吸引学生。加上音乐教师优美的语言能激发学生的激情和力量，有时幽默的语言也能使学生在愉悦中接收教育。

（3）科学研究能力。教学科研活动是揭示教学规律的创造性活动，它能促进教师的教学工作向更高层次发展。音乐教师在具有丰富教学实践的基础上，不断了解同行的工作情况，在同行间相互交流探讨，并总结归纳出自己的教学经验，不断探索教学规律，并随着时间的推移才能让自己的教育能力有着长足的进步。

三、教育对象年龄的变化

（1）有效的培养学生的思维能力。创造性思维是聚合思维和发散思维的统一；聚合思维是把问题所提供的各种信息聚合在一起得出一个正确答案；发散思维是沿着不同的方向去思考、追求多样性的思维。在音乐教育中，应尽量把学习主动权交给学生，让学生多去思考问题分析问题。

（2）最大发想象力限度地帮助学生发展自己的想象力。音乐教师在教学中要营造一种激的氛围，以提供学生一个自由创作的空间；而这种氛围的创设，是需要教师有较强的创作能力的。

（3）调动学生的创新兴趣。音乐本身就能让人产生兴趣，音乐教师要充分利用好这一点。使学生通过音乐教育对音乐和音乐以外的事物产生兴趣并探索认知它们。要引起学生的创新兴趣就需要教师的引导，用什么方式引导、得益与否，这就需要音乐教师的创造能力了。

四、教育制度的改革

1.音乐教师的听赏能力

音乐听赏能力是音乐教师自身专业素养的积累与提高及施教的基本前提，作为一种职业标准，对音乐教师听赏能力的要求就不能仅仅停留在纯感性层面，需要教师将系统的专业知识与其他丰富的人文知识同诉诸感性的音响表象在更高的层面上得以整合，进而达到对音乐文本的多层次的理解这一境界。作为一名音乐教师，应多从音乐的作品风格、结构进行理性的总结分析。

2.音乐教师的反思、评价能力

音乐教师在具备了专业能力、教学能力等“基础设施”后，对其提出的更高要求便是教师的反思、评价能力。音乐教师的反思、评价能力实际上是对自我能力的总结和充实的能力。这种能力简单说就是发现问题，解决问题。

在音乐教学活动中，我们应该多去发现研究问题，课后多做总结，不仅要去研究学生的问题，而且还要多从自身上寻找原因，通过长期的经验积累，摸索到一套最有效的教学方法。例如，我们经常会碰到课堂上学生唱不准音、旋律走调、节拍合不上等诸多问题。有些学生缺乏良好的听辨能力，有些学生有音乐感觉但不能精准的表达音乐，两类学生属不同性质，前者少数人后者多数，对这两类学生就要用不同的方法加以训练。

五、结束语

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据中国台湾网3月10日北京消息，加强两岸文化教育交流是2013年两会台湾团和政协界别组关注的话题之一。由此可见，加强两岸文化、教育的交流重要性。建立两岸高校音乐教育交流合作机制是进一步深化两岸文化、教育交流合作的重要环节。两岸高校音乐教育交流合作机制的建立是要结合海峡两岸高校的实际情况，要有超前意识，充分把握两岸高校音乐教育的发展趋势，既要找出两岸共性，保持中华民族特色，又要发挥两岸优势，适应国际化需求。海峡两岸高校交流合作机制的建立，需要明确长远的发展目标和制定切实可行的工作计划。首先要明确海峡两岸高校交流合作机制的主要内容，当中包括编写制度规范、搭建平台渠道、协商重大问题、协调海峡两岸政策等。其次，要研究如何通过海峡两岸高校音乐教育交流合作机制，让海峡两岸高校实现优势互补、资源整合，并最终形成一套制度化和规范化的长效机制。两岸高校音乐教育交流合作机制的建立，还需要由海峡两岸组建专家顾问团队，从专业的角度，对交流合作协议和机制进行研究和分析，吸纳各方意见，形成可行性报告和工作步骤，提前进行规划和部署。两岸高校和社会各届共同努力，尽早将高校音乐教育交流合作协议和机制作为两岸合作交流的商讨议题提出，通过探讨和商议，一定能加快建立起对两岸高校音乐教育发展有促进作用并行之有效的高校音乐教育交流合作机制。

二、构建两岸高校音乐教育交流合作机制的初步设想

（一）构建两岸高校音乐教育合作平台，促进两岸高校音乐教育师资交流

两岸高校音乐教育要培育出国际化音乐人才，需要有国际化经验的优秀音乐教育师资。目前，台湾地区音乐教育师资的学历普遍较高，其音乐与文化、科技产业的结合也比大陆早，有成功的案例，与国际接轨。虽然大陆音乐教育师资的国际化比台湾地区低，但音乐专业院校、综合性大学的音乐学院和开设音乐专业的院校远多于台湾，师资力量宏厚，拥有很多教学经验丰富的优秀教师。因此，两岸高校的音乐师资队伍应积极深入开展交流合作，构建多种交流合作平台。具体做法是：可以组织开展海峡两岸高校音乐教师交流与培训活动，彼此分享对方先进的教学理念与成功的教学实践经验。在高校音乐教师教育领域，可定期举办海峡两岸高校音乐教育教师教学技能或音乐学术论文培训或比赛。两岸教师还可以互相观摩学习课堂教学实践，彼此分享和借鉴对方的课程设置方案及课程与教学资源。待条件成熟后，两岸教师可互相参观考察、访问和访学，还可以互派教师到对方学校开设讲座甚至短期任教，可以有效地促进高校音乐教师教学理念的更新、教学方式与内容的改进。两岸高校教师除了要严谨治学、为人师表外，还应传扬中华民族优良传统和精神，为中华民族的未来发展培育出更多优秀的国际化音乐人才，为两岸文化产业的融合和发展贡献出各自的力量。两岸高校音乐教育交流还可以通过文教基金会等团体运行，扩增老师与学生参访、交流、研讨机会，鼓励师资分享等，通过合作平台，为海峡两岸高校音乐教育带来更实质的帮助，共同应对和把握经济全球化带来的冲击和机遇。

（二）设立两岸高校音乐教育研究中心及学术论坛机制，合作研究课题

海峡两岸在平等互惠和共同发展的原则基础上，为增进海峡两岸学术交流研究，建立长期友好合作关系，可以设立两岸高校音乐教育研究中心及学术论坛机制，使两岸高校音乐教育学者，可依托中心或论坛这一平台，广泛吸收两岸的音乐教育理论和实践，开发共同研究课题等多种形式的交流活动。课题研究内容可以在充分契合当地高校音乐教育改革与发展需要的基础上，尽可能考虑到两岸的全面交流合作，以有效推动两岸高校音乐教育事业共同繁荣发展。在合作研究两岸高校音乐教育课题的基础上，还可以尝试开展各个层面的教研交流活动，高校音乐教育领域，可以开展高校音乐课堂教学观摩与评比活动，编写出版两岸高校音乐教学课例及评析等方面的教学参考用书，为弘扬传统音乐，突出地方特色，也可开发地方教材。

（三）组织开展各项活动，搭建两岸高校学生相互交流学习平台

两岸青少年是中华民族的希望和未来，均具有积极向上的活力和无限的创造力。因此，两岸的青少年应多交流和接触，加深了解和包容，加强互动和合作，共同创造中华民族美好的明天。两岸高校除了可多进行音乐艺术表演活动的交流外，也可以尝试探讨异地教育见习、实习和艺术实践的模式，构建学生短期互换交流机制，学生可以分享各校电子图书馆资料，还可设计供两地学生共同选修的网络课程，探讨部分课程互认学分的可能性。此外，鼓励两岸本科毕业生异地报考研究生，并在这方面提供咨询和指引服务。

（四）合作创办网站和刊物，加强两岸信息交流

在资讯传播十分发达的今天，海峡两岸的交流合作也需要搭建一个快捷、便利的交流平台，以便于两岸的音乐教育同行能够及时交流信息、分享成果。因此，创办两岸高校音乐教育的网站很有必要。创建网站的操作性强、成本低、见效快、效果好，且随时可资源共享，如果顺利成立两岸高校音乐教育研究中心，可以由该研究中心具体负责网站的设计和维护。建立“海峡两岸音乐教育网”，可呈现音乐教育资讯、音乐课外活动交流、音乐教师学术交流或音乐课优秀教案展示等内容。网站中可开设两岸远程音乐教师教育课程，由两岸高等院校优秀的音乐教师做主讲教师，通过电视广播、互联网、函授等多种不同渠道互助学习，充分利用两岸的教育资源，增加接触，增强互信。在高校音乐教育领域，可考虑创办《海峡两岸音乐教育》期刊，收集两岸高等音乐教师音乐教学、音乐教育理论研究方面的论文，促进海峡两岸音乐教师学术交流。为建立长期友好的合作关系，海峡两岸可定期互派代表团，定期交换信息、资料和出版物，同时开展培训研修、举办学术研讨会、开发共同研究课题等多种形式的交流活动。合作创办网站和刊物，能加强两岸信息交流，以全方位搭建交流合作平台，及时而充分展现海峡两岸音乐教育的交流合作成果。

（五）两岸高校音乐教育与产业交流

综观世界，一方面，文化与经济的结合日益密切，文化对经济的推动效果更为明显；另一方面，文化的传播也随着科技的快速发展产生了更多新的机遇和开拓出更为广阔的空间。在欧美一些国家，文化产业已成为该国支柱产业，如美国，其文化产业出口额已占其总出口额的30%以上，因此，文化产业是国家软实力的重要衡量指标，也是世界经济的重要支柱产业之一。而在文化产业中，娱乐产业占有很大比重，音乐则是其中重要组成部分。音乐历来在中西方娱乐文化的交流与发展中发挥着积极的作用。随着网络科技和电信技术的发展，音乐产业产生了革命性的变革，也促成了新媒体TMT（Telecommunications，Media&Technology）产业的诞生和数字音乐的发展。音乐已经超越了艺人、唱片、媒体等传统产业端，向数字音乐、网络娱乐和信息影音等多元化的新媒体方向延伸，助推设计、包装、影视、动漫、演艺等文化创意产业的发展，促进音乐与品牌的整合营销。成功的企业要将企业的品牌文化传播给消费者，有着引领潮流作用的音乐无疑是重要元素，因此，音乐与社会和各产业息息相关，相互交融。两岸高校音乐教育也应与时俱进，不断创新音乐艺术人才的培养模式，两岸高校与行业和产业协会、商会及企业共筑交流合作平台，构建两岸“课堂+舞台+岗位”的工学结合音乐艺术人才培养新模式，提高学生的综合适应能力，培养出能为社会和产业服务的音乐专业实用优秀人才，使两岸高校音乐教育的成果能在全球化舞台绽放光芒，提升中华文化的国际影响力。

结语

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关键词：艺术院系；音乐素质教育；大提琴教学

素质教育是指的是让受教育者在方面素质都获得提升的教育目标和模式。它重点关心人的思想道德素质和个性培养，以及能力发展跟身体健康还有心理健康[1]。音乐是我们人类在创造文明的过程中产生的极其重要的的文化成果之一。因为它存在的方式尤其独特，所以它可以升华人们的道德品质。同时它还可以让我们陶冶情操，最重要的是它还能够培养人们的和谐意识，提高大家的的创新精神和实践能力。

一、音乐素质教育的意义

所谓音乐素质教育通俗来理解其实就是说通过教授音乐这样的一个听觉艺术，并在教学时反映大家的思想和情感还有整个社会生活[2]。让学生嫩能够对音乐产生特别极其的浓厚兴趣。还有对音乐美的感官表现和平常的鉴赏和制作能力。教会学生们去感受生活同时最大程度的去创造生活，然后促进学生们完整的的人格和积极的心态，使得学生得到的全面发展。由于历史因素，我国的音乐“素质教育”地位极其微弱。具体表现在以下：一是把音乐教育混淆在音乐技能教育中。其实只能沉闷的地演奏音乐器具但不能把乐谱深化成优美的音乐话语从而去感染其他听众，如果文化背景极其薄弱，那么纵使你有再高超的技巧，也只能是一门技术而称不上真正的音乐。二是把音乐教育混淆在音乐应试教育里面。音乐考级确实很重要，但大多数音乐教育总是喜欢把考试变成教育的中级目标。这种一味的看重提高但是根本不看中轻普及，只是一味的看重比赛而根本不看重教学的现象，让我们音乐教育界根本起不到对学生进行素质教育的目标。三是把音乐教育混淆在音乐专业教育里面。从古至今，我们在对学生教授音乐相关知识的时候时只是一味去看中个别的尖子学生的教育，但是根本不看中对大多数其他普通学生的培养。其实我们觉得每个人都是可以成为音乐教育的对象的。音乐素质教育就是要达到“让音乐属于每个人”这样一个目的。所以我们的音乐教育需要也应该室友“全员性”和“普及性”的。著名教育家霍姆林斯基有一句话是这样说的：“音乐教育并不是先去培养音乐家，而是先培养人。”

二、当前艺术院校音乐素质教育的现状

从上世纪至今，中国已经全面实施了大学生素质教育。但真实情况却是，艺术院系素质教育具有非常糟糕的整体状况。具体有下面一些问题：

（一）口头上看中、思想上亵渎

素质教育的重要性在当前的社会已被完全被承认，但是仍然有许多人许多人在思想上还是非常不关心音乐素质教育。在他们看来，大学生们最首要的任务应该是拿到自己的毕业证，然后学好自己需要的专业技能，再或者就去考研，拥有就业本领是他们的重要目标，其他的学习都属于可有可无的选择。在这种顽劣思想的恶性影响下，有些搞笑把音乐素质课完全当做作为公选课来安排，学生们是想去上就上，不想去上完全就可以不选，效果非常糟糕，简直就是一种亵渎。

（二）学生根本没用文化基础

根据艺术院校的招生对象，因为个别特殊专业的需要，很多学生的年龄都非常的小，年龄相差很大。另外招生来源差异巨大，学生们的家庭条件也相差很大，学生们的心理发展和文化水平也各不相同。这样就让艺术院校的学生非常复杂和特殊。我所教的大提琴专业的学生就完全没有文化基础，毫无知识结构，通常只是自己对音乐形式美感有着自身偏颇的理解。而对需要大量文化积淀作为感悟前提的更为深奥的作品之美的认识完全处在片面的地方，有很多学生甚至钻进了“形式即内容”的一个感受误区，然后他们就会忽视音乐作品中蕴涵的强烈时代文化意义。显然，这种结果完全和音乐家的素质要求是相背而驰的，更不符合素质教育的思想目的。每年青歌赛中都有大量的歌手们在被问到综合知识的时候显得非常窘迫，这正好暴露了我国专业歌手在文化素质这一方面非常低下，这也正好给整个教育界都敲响了震耳的警钟，因为这正是是我们的文化素质教育途径跑偏了。

三、在大提琴教学中贯彻音乐素质教育的方法

大提琴教学中，笔者个人认为对学生音乐素质的培养是急需也是很重要的，尤其是在中高级阶段的教学更加需要加大培养力度。笔者在多年的教学经验中做了大量的尝试，个人认为在大提琴专业教学中，有很多途径都可以对学生的音乐素质进行有效的培养。大提琴专业的培养目标应该具有下面三个层次：一是必须具有毫无疑问的基本理论素养，这和全国其他非艺术专业学生的要求是一致的。基本理论是被认可的、正确的、科学的世界观和方法论。一个没有正确的、科学理论指导的人是完全无法在自己的专业领域做出什么伟大贡献的。二是需要有完整的的理论基础知识和音乐演奏技能还有教学技术。当前的音乐教育都在努力希望提高从业人员的修养，而修养的提高是需要一个系统的工作量，这就要求必须放到一个博大的环境中才能成功[3]。专业艺术院系往往较为单一，没有文理兼容的沃土，特别是缺乏人文学科培养。这样的艺术院校更加需要大量的学术讲座去提高学生们的知识，丰富他们的的社团生活。对于大提琴专业的学生来说，主要是亟待开展各类形式的校园文化活动，已达到营造优良文化艺术氛围的目的，从而将艺术专业学生培养得更到位。

作者:柳冬瑕 单位:湖北师范大学音乐学院

参考文献:

[1]吴臻.浅谈艺术院校音乐素质教育中的大提琴教学[J].音乐时空,2015,18:223-224.