音乐教育考研精选(五篇)

序言：作为思想的载体和知识的探索者，写作是一种独特的艺术，我们为您准备了不同风格的5篇音乐教育考研，期待它们能激发您的灵感。

篇1

关键词：高考；音乐教育；调研活动

中图分类号：G64文献标识码：A文章编号：1005-5312（2012）15-0227-01

一、调研活动概况

调研的内容主要有：1、音乐课堂教学的具体情况，教学方法的运用和教学效果。2、音乐高考生对音乐教学的接受能力，音乐知识的掌握能力。

笔者选择了三所具有代表性的全日制高中作为样本进行研究。一所农村普通高中，一所城镇普通高中和一所省级示范高级中学。在调研的过程中笔者采用了问卷调查，现场听课和交流访谈的形式。

二、存在的主要问题

（一）音乐高考成为“工具”——音乐高考现状

音乐教学一直以来都以丰富学校课余生活，提高学生的综合素质以及陶冶情操为目的。近几年来各高校的艺术院系不断扩招，广大喜爱音乐的学生有了进一步展示自己才华的机会，跨进了大学的校门，圆了自己的大学梦。高考前的音乐教育主要考察学生的音乐的基本掌握能力，其中包括声乐(发声技巧),听音（听力），视唱（识谱和音准）和乐器的演奏。

许多艺术考生和家长对音乐高考的理解上存在误区，在他们眼中的艺术高考都是为在班级中学习成绩排在后几名的学生准备的。认为音乐高考就是弹弹琴唱唱歌，就能考上大学。不仅仅是艺术考生和家长，任课老师和班主任甚至学校领导硬性的要求“每个应届班的学习成绩的后30名的都要去学习美术，音乐，健美操，影视评论，体育……以便参加艺术类的高考。”临沂一中的这种做法就引起了学生的不满和社会的广泛评论。在我们和高中生的交流中，我们了解到文化课的学习是主要任务，音乐学习只是文化课不优秀的学生才参加的。然而，真正为自己的爱好兴趣和音乐梦想而进行音乐学习的考生实为少数。

（二）音乐教材的选用

调查发现，各校在音乐教材的选用上呈现出以下共同特点：其一，没有固定声乐教材，在乐理和视唱的练习上运用统一的集体订购的方式获取教材。甚至个别学校不考虑教学条件，不明了音乐学习的结构为每个学生订有三本或更多的音乐教材。其二，教材运用不充分，教师对教材的结构把握不到位，在教材进度上不适当。音乐教师的求新意识弱，每届学生学习的教材内容，无太大变化。

（三）教学内容的刻板严肃

美育是培养学生审美观和感受美、鉴赏美、创造美的能力的教育。实践证明，音乐、美术等课作为人文学科的重要领域，是实现美育的重要途径。学习音乐本应该是快乐的过程。让学生在快乐的学习过程中，接受知识，掌握知识。音乐课堂需要严肃，更需要的是活泼。音乐知识的掌握和其它知识的掌握还具有一定的区别。在调研的过程中我们发现，大部分的音乐课堂是开放性的，学生的积极性较高。但是仍有部分的音乐课堂，气氛严肃，过分认真。不能让学生在知识面前真正的敞开心扉，无所忌惮。紧张的心态是音乐学习的大敌。在我们去现场听课的时候，音乐老师的提问，往往让教室里鸦雀无声，被提问到的学生回答问题总是颤颤巍巍。这样以来，学生是很难以一种平和的心态来接受知识，所以掌握知识的速度就会慢起来。老师的教学效果固然是事倍功半。在教学当中，教师除了认真、灵活地教授知识外，还要及时接受学生的反馈信息，站在学生的位置上体会这些问题，并能及时地解释和做出相应的调整。有时一个知识点要进行较长时间的反复练习，音乐教师要遵循循序渐进的原则，学生的一丁点进步教师都要及时给予肯定，音乐教师善于使用鼓励教学的方法。这样，学生学声乐才有兴趣、有信心，才会在最短的时间里获得最大的进步。

三、高考音乐教育现状对音乐教育的影响

（一）生源质量下降

由于教学改革的推进，高等音乐院校和普通音乐院校招生规模的扩大，学生人数大大的增加，一些专业素质或文化素质较差的学生也理所当然地步入了高等音乐专业队伍，这类学生对音乐的敏感度较差，学习音乐的能力也较差，对音乐的感觉以及理解能力方面相对欠缺，这就给音乐教学带来了一定的困难。

以往的艺术类专业，由于对专业上的要求较高，因此学生在专业的学习上花的时间较多，下的工夫较深，相对在文化课的学习上用的时间较少，因此文化程度较差，考虑到这点，国家教委降低了艺术类的分数线，目的是让专业水平较高的考生有机会进入艺术类高校。如今，“艺考”的规模在不断扩大，艺术类的分数线也在不断下降，相应的考生进校的机率也在大大的增加，这也就意味着艺术类学生的文化水平大大的低于其他专业学生的文化水平，从某种意义上来说，高师音乐院校就成了“低分考生的收留所”，这类文化课较差的学生，经过两个月的突击，就能轻易的考上高师音乐院校，因此，许多考生和家长都把音乐高考作为是他们考上大学的捷径。但他们的学习能力，学习自觉性，对音乐知识的敏感度也相对很低。这类音乐考生完成学业以后，大多从事音乐教学，成为音乐教育中的一员。

（二）生源的不断扩大，给音乐教师带来巨大压力

自从高考捷径被人津津乐道以来，音乐考生如一股股浪潮涌入音乐院校的校门。这无疑给专业教师带来了巨大压力。学生数量的增加必须带来了教师资源的共享。过去的几年中，一位声乐老师门下有两名音乐学生，目前音乐老师普遍有七八名音乐学生。有的学校甚至一个音乐班级有二十几个学生，音乐课全全有两个音乐老师代课。这样以来，有的教师把重放在教研上，就会相应地忽视教学，对教学的马马虎虎，从而影响了教学质量；有的老师则是注重教学而忽视了教研。

（三）教师不能做到因材施教

在我们的音乐调研中，深刻感受到因材施教的重要性。在音乐学科的教学别是声乐课堂的教学中，大多采用的是一对一的教学。这就更要求老师要了解学生，尊重学生。音乐教师在音乐教学中要以平等的地位和学生进行交流和沟通。

四、解决办法

（一）慎重选择专业，不盲目，不盲从

高考音乐已经不再像我们想象中那样简单，所出现的弊端和尴尬也在逐步体现，但是尽管如此，还是有越来越多的人在试图走上这条道路，面对这些，我认为，家长和学生更应该冷静下来好好的想想，这样高额的付出能否换回那份期待已久却并不确定的高额回报。一些仍瞄准了这条“捷径”的家长和学校切不可只看到眼前的“蝇头小利”，应该针对学生的长远发展，做出科学的规划。而学生也应该对自己负责，认真地思考艺术学习对于自己的价值，拿捏权衡之后，方可做出决定，莫把 “艺考”视作高考的工具，为图一时的所谓捷径，而拿自己的青春去搏一份莫须有的短暂喜悦。

（二）因材施教，个性化教学

因材施教，老生常谈的话题，但是在这个百花齐放，白鸟争鸣的社会大背景中，教育不得不要求在教学中实施因材施教。因为有个性差别所以要因材施教。在音乐教学中更要做到因材施教。

具体来说因材施教是了解学生个性，尊重学生个性。在这个基础上对学生进行音乐知识的引导与教授。因材施教对音乐教师提出了一下两点要求：

1、音乐教师要树立多元化人才的评价标准

艺术没有错与对，美的事物也是千差万别。音乐老师不能因为喜欢的声音来随意的改变学生。一千个读者就有一千个哈姆雷特，不能以统一的声音标准来要求自己的学生。有些老师更是在自己的教学中，要求自己的学生模仿自己的声音，这是万万不可取的。每个人的歌唱器官不同，嗓音条件不同，本来就不可能发出一样的声音。当然这也要求学生不要刻意模仿老师的声音。在声乐教学中“千人一声”的现象已不少见。音乐老师要相信，只要我们用心培养，每个声音都会是美的美是没有统一标准的。

2、发现学生的发光点

音乐教师要善于发现学生的发光点，从学生的发光点出发，培养学生的学习兴趣和自信心。音乐教师可以根据学生具有的特点制定与之相适应的学习方法。

篇2

关键词： 高中音乐教育 音乐教师 学校 学生

近年来，我国高中音乐教育改革开展得如火如荼，音乐教育事业呈现一派生机，但也存在着不少问题：由于区域经济发展的差异，一些经济贫穷、观念落后的地区连最基础的音乐教育都无法得以开展。而在经济相对发达的地区，虽然高中音乐教育得到较好的发展，但很多学校仍然把升学率摆在首位，音乐课形同虚设，很少有人真正关心重视艺术课程的教学。随着中国经济的发展，社会对于人才的要求在不断提高。在这个信息高度发达的时代，最需要的就是适应新时代、具有高能力、高素质的全面发展人才，而更好地开展高中音乐教育对促进社会的发展是具有积极意义的。我从以下几个方面谈谈对高中音乐教育的思考。

一、从音乐教师的角度思考音乐教育

目前高中音乐教师大都毕业于各音乐大中专院校，在学校接受的都是正规的音乐专业培训，而对高中音乐教育的内容与方法接触和研究不多，在教学经验方面简直是从零开始。一旦走上音乐讲台，就只能用在学校学到的音乐专业知识和技能，以及自己掌握的技能训练方法来应付课堂，有的会唱歌不会弹琴有的会弹琴不会跳舞，等等，试想这样的师资如何能适应当今高中音乐教育的改革与发展？师资问题已成为制约高中音乐教育创新的至关重要的因素，因此我认为要加强高中音乐教师的教育艺术培训（各音乐大中专院校也应加大改革力度），提高整体素质，以适应高中音乐教育的各项要求。

新世纪的高中音乐教师首先要具备勇于奉献的精神，这是教育工作者应当具备的优秀品质。其次要具备较高的专业水平和心理素质。随着社会的不断进步，学生获得知识的途径比以前大大扩展，有些学生通过阅览图书或查阅网络等途径，知识结构已相当惊人，有时候比老师知道的还多。这就要求高中音乐教师不断加强自身的业务学习能力，提高自身的素质和水平。在节奏日趋加快的现代社会，高中音乐教师要具备良好的心理素质去迎接一切挑战。再次要丰富与音乐学科相关的文化知识，自己在教学后才有真正的体会，要给学生一杯水，教师要有一桶水，而且应当是一桶“鲜活水”。最后要具备博学多才的教学技能，这样才能更好地调动高中生学习音乐的积极性，提高教学质量。

二、从学校的角度思考音乐教育

学校是培养祖国花朵、孕育祖国栋梁的地方，学校培育学生的过程离不开音乐教育，但是音乐教育在很多学校没能得到完善，不是教学设施不够，就是师资不够，很多时候音乐课在许多学校成了一门“调剂课”，在升学压力下，不列入考核范围的音乐课被随意“转让”，甚至停开。很多学校没有配备专职的音乐老师，音乐课由其他任课老师代课，但是他们往往拿来上语文、数学等课，音乐教育有名无实。对于音乐的重视程度存在一种怪象：“高中不如初中，初中不如小学，小学不如幼儿园”，长期以来，音乐教育已成为许多学校和家长“支撑门面”的招牌之一。为了参加各级各类的音乐方面的比赛，学校挑选少数学生成立几个音乐专业队进行强化训练；为了迎接上级的各种检查，学校排练几个文艺节目演出汇报，这样，投入的人力、物力少，又见效果，领导见了，认为学校艺术教育有成效，获了奖，给学校和家长争了光，学校和家长有了炫耀的资本，都高兴。长此以往，形成恶性循环，学校只重视对少数学生或少数艺术训练组的训练，以此支撑门面，将大部分学生拒于音乐教育的大门之外，淡化了音乐教育的普及，音乐教育活动开展得极不实在。所以学校必须打破“门面”观，还给学生学习音乐的权利，注重音乐教育的实效性。

三、从学生的角度思考音乐教育

学生是学校的主体，学生在学校不应该只是学习文化课，更多的是德智体美全面的发展和各种兴趣的培养。有报道曾披露这样的调查信息：“现在的中小学生绝大多数都喜欢音乐，但绝大多数中小学生都不喜欢音乐课。”这是什么原因呢？我发现现行音乐教学中已出现了很多不能完全适应时展的问题：如课程过于注重知识的传授。音乐是一种情感艺术，但在课堂上往往被肢解成单一、机械的板块，或老师唱一句，学生跟一句，音乐课被简化为唱歌课；或了无生气、死记硬背乐理知识，用应试的那一套扼杀学生们最初萌生的乐感；内容的繁多与书本知识的过于偏重，使教学脱离了生活及社会发展的客观需求。因此，我们要加强音乐教育教学的自身建设，给学生创造一个宽松的体验美、感受美、欣赏美、表现美、创造美的环境，以提高学生的音乐兴趣，培养学生的创新能力。

所有处在音乐教学前线的工作者，每节课、每个音乐知识都需要情感的投入，做好正确的启发和导向工作，让学生在每次音乐学习过程中都有自己的情感体验和美的享受。总之，只有重新审视音乐课程的标准、理念，积极行动起来，不断学习，不断反思、不断进取，才能做一名优秀的音乐教师。

参考文献：

［1］肖光明.试论新形势下中小学音乐教师素养的提高.音乐教育与创作，2007，（8）.

［2］龚倩.音乐教师教学反思能力的培养初探.音乐教育与创作，2007，（8）.

［3］李丽娜.高中音乐女教师如何克服职业倦怠与获得幸福感.音乐教育与创作，2007，（9）.

篇3

【关键词】音乐艺术 情感体验 现状 思考

曾经有一位资深的音乐老师说过：“学音乐的学生如果没有音乐感觉，就好比顽冥不灵，根本是教不好的，也是教不得的。”虽然这句话说得有点“过火”，但我觉得这句话道出了音乐作品中最核心的东西――音乐的情感体验。

在传统的音乐教育过程中，太多教师在音乐课程中，强调更多的依然是各自的专业技术，声乐的强调发声的技术，键盘的强调触键的技术……大多数教师都忽略了对情感方面的发掘与表现，导致学生对音乐的理解能力极度的薄弱，只能成为一部没有情感的“发声机器”，因此，强调音乐教学中的情感部分，刻不容缓。

一、音乐教学当中对音乐情感体验教学的现状

什么是音乐情感体验。音乐的情感体验那么重要，那有人会问，什么是音乐的情感体验呢？音乐的情感体验就是人们常说的音乐感觉，指人们通过对音乐的听觉而对音乐音响所产生的一种情感体验，这种体验非常的抽象，这种体验也是因人而异；同时，这种体验能力也是构成一个人音乐修养的重要成分，是检验一个人艺术素质的高低的重要标准。

如何感受情感体验。了解了什么是音乐感觉之后，那么我们该如何感受音乐给人带来的情感体验呢？首先，了解音乐的创作背景。我们应该知道作曲家在创作一首音乐作品时，他是从最核心的情感表现效果出发，音乐中的每一个乐句都是经过精心设计、处理而得到的，这些乐句包含着大量的作曲家在创作时的情绪或情感信息。

其次，了解音乐的表现对象或表达内容。这样，我们才能对音乐作出一种内在的想象力，让我们可以通过已有的音乐形象，以及对音乐形象的创造力的想象，从而实现对音乐作品地听觉体验。

二、针对现状，改善视唱练耳教学的几点思考

（一）拓展思路，触类旁通

音乐感觉并不只是学习音乐的学生的专利品。我们通常说文艺不分家，又说了音美不分家。我们可以换一种视角来认识什么是音乐感觉。下面就通过美术方面浅谈如何来理解这种情感体验。

大家不知是否有过这样的体验，当你出游时，在山水之间偶然看到一幅高山流水的自然画面，是否会想到伯牙与子期呢？是否会在心中情不自禁的想起了伯牙的《高山流水》呢？如果有，恭喜你，你已经在音美之间获得了这种“感觉”，（我将这种感觉称为“通感”？。所谓“通感”，是指人们在审美活动中借助一种美的感觉沟通另一种美的感觉。换句话说，由某一门艺术的感觉转化为对另一种艺术的感觉。在艺术门类中它好比“桥梁”一样，使艺术之间相互沟通，相互转化。使人的视觉、听觉、嗅觉、触觉等多种感觉互相沟通，互相转化，也使艺术之间互相影响、互相交流、互相启发。以下也都称为通感）

古琴铮铮，流淌出流水般自然生动的旋律。如此流畅的旋律自然不是对不固定音高的简单模拟。但自然界中有固定音高的事物毕竟不多，音乐家们也在对那些没有固定音高的事物进行模拟。就像画家们努力在静止的画布上表现各种动感的画面一样，当然，音乐家无法像画家那样将一幅幅动态图忠实的展现出来，而只能是一种近似的模仿。音乐作品中用有规律的音乐运动来表现无固定音高的事物，这种音节的律动往往能给人感觉上的事物再现，而不仅仅是音高的再现。无疑，流水的形象分明就在其中，不然又怎会有子期的识知音呢。

音乐家们在大自然这幅美丽的画面前所表现出来当然不仅仅只是上面的这个例子了。又如李姆斯基一柯萨科夫的《野蜂飞舞》，音乐很难完全模拟野蜂喧闹的声音，作品里更多的是对野蜂声音的抽象与概括。这种与写实风格绘画不同的近似抽象性，也正是音乐的魅力所在。

绘画中的音乐，这些写实派的音乐我们可以用心的去体会。在体会之间，相信你也可以获得些许通感。

（二）着立于简，以简触通

我们现在来反向推理一下――音乐中的绘画。音乐中的“绘画”就是利用艺术的“通感”效应，激活人的思维与想象，让人在音乐欣赏中，大胆地表现与创造。

我们在音乐欣赏教学当中合理运用“通感”，不但可以促进和发展学生的发散性思维，还能调动学生聆听音乐的积极性，提高音乐审美能力的本领，对培养和发展学生的观察力、想象力和创造思维能力，都有着不可低估的作用。恰到好处的运用“通感联想”原理，选择贴近学生生活的音乐欣赏教学内容，以学生的发展为本，让学生在音乐欣赏中学会用画面描述音乐是培养学生音乐审美心理的重要途径。

篇4

新的音乐教学模式侧重提高学生学习音乐的兴趣，使学生学会学习音乐的方法，激发学生的审美情感和创造能力，使学生具备终身学习、发展的意识与能力；同时使学生具有自我获取知识与更新知识的能力，而不强调直接教给学生大量的音乐知识，并确保有较高的音乐教学质量与效率，以便与信息社会“知识爆炸”和知识迅速更新换代的发展趋势相适应。因而音乐教学中更加注重探索性问题、多元化问题、实践性问题的设计。

新的音乐教学模式的特点是以学生学习发展为中心，教师在教学活动中提出问题或活动项目，引导帮助学生开展音乐欣赏、音乐演奏、演唱、音乐创作、音乐研究、探索、问题解决。学生可随时随地以个人、家庭、或同学组成小组协同学习和工作，进行网上音乐搜索、欣赏、学习、获得指导、发表音乐信息或社会音乐调查、模拟实践音乐活动等。

通过老师讲、学生听的班级授课模式下，作为认知主体的学生在音乐教学过程中自始至终处于受灌输的被动地位，忽略和压抑了学生音乐学习中情感及审美的差异，其个体主动性、积极性难以发挥，很不利于培养学生的发散性思维、批判性思维和创造性思维，更不利于创新能力的形成和创造型人才的成长。至于学生主动学习音乐、体验音乐、欣赏音乐、创作音乐、实现自己获取知识自我更新甚至创造新知识的能力，由于在班级授课的条件下学生缺乏主动探索、主动发现的学习环境，并且与社会上、国际上的音乐信息资源完全隔绝，因而在传统的

音乐教学模式下阻碍了学生的音乐需求与发展。

一、如何构建网络信息时代的中学音乐教学模式

（一）建设、开发、运用音乐教学网络信息网络

1.首先需建立起校际内外或更高级别的音乐教学网络信息网。不光是计算机网络、广播电视网络的连接，更为重要的是网络信息音乐学习环境即音乐教与学资源的网络构建。通过计算机网络可扩展至全社会的每一个角落，生活与学习完全融为一体。教室不再是唯一的音乐学习环境，学生在家庭、学校、社会各处都能任意时间、任意地点进行音乐学习，获得指导帮助，这才是真正意义上的开放学习。

2.校内外建立或连接音乐教学资料库、音乐网站等，让各地区学校不同特色的音乐教学资源充分共享。库中的CAI音乐软件应满足音乐学科内容丰富和形式多样等要求，以适合不同年级学生音乐学习的需要。

（二）研究新规律，运用新教法

过去，学校音乐教学中应用现代教育技术主要是让教师自己制作课件辅助音乐教学，即所谓“计算机多媒体辅助音乐教学”，实际上仍然是以教师为中心，只不过是把老师说的、唱奏、黑板上写的、挂图上画的变为“机灌”而已，这实际是“强化”传统教学的一面。信息技术仅仅是作为助教的教具，帮助教师的教学，没有多少创新价值。

随着教育网络信息化的深入发展，人们逐步认识到网络信息时代的中学音乐教学模式关键是转变教育观念，实现信息技术与音乐学科教学的整合，改革教师教的方式与学生学习的方式。

教师要充分利用网络信息音乐学习环境，根据不同音乐课程的特点，学生音乐学习的特点设计教学问题。音乐教师要认识到教的环境不再是单一的音乐课堂，不仅是课堂、音乐实践活动中的教学，甚至在家庭、学校、社会的各处都可以指导音乐学习。

（三）研究新规律，运用新学法

网络信息时代中学音乐教学模式的课程形态是“以生活为中心”。学生学习音乐的内涵发生了深刻的变化，即：学习音乐显性知识、技能变革为学习音乐隐性知识、能力的掌握和学习音乐能力的培养，音乐记忆学习变革为音乐感受、音乐体验学习，注重音乐活动结果变革为注重音乐活动过程及创意。

学生学习音乐的环境和方式也发生了变化，社会各处都可开展音乐学习。学生可以使用电子媒体（电视、广播、CD-ROM光盘）、电子邮件、新闻组、IRC实时聊天、MOO虚拟环境、CU-SeeMe视频会议等因特网上的工具，自主开展音乐学习，或与老师就音乐学习、活动、作业和社会音乐信息问题进行交流、讨论。借助适当的指导，学生能大大提高音乐学习的兴趣，并能获取、存储和提炼音乐信息。主要的学习类型有：1.音乐实践体验型学习；2.音乐研究型学习；3.音乐资源型学习；4.音乐协作型学习；5.音乐网络探究学习；6.音乐虚拟学习。

二、网络信息时代中学音乐教学模式未来的展望及反思

篇5

关键词：音乐表演 双语教学 思考

一、实施双语教学的必要性

到目前为止，东北大学艺术学院建院刚刚5年，双语教学尚处于起步阶段，与其他学院相比，有一定的差距。因此，笔者认为，为了尽快实现东北大学“多科性、研究型、国际化”的发展目标，关注艺术学院的双语教学是很有必要的。其原因在于：

1.学术发展（学科建设）的需要

对于西洋乐器和美声专业来说，我们学的是舶来品，如果想直接了解本专业最新的学术动态，只能亲自去查阅原文资料或观看大师班教学录像。这样，国内教学中的传统方式则难免出现学术盲点，“以讹传讹”的情况容易发生。

2.国际交流的需要

如今，学校举办国际音乐节，与欧、美一些音乐院校进行校际交流已成惯例，实施双语教学能够为这些交流活动的顺利进行及深入开展打下坚实的基础。同时，中国的民族音乐想要为世界所了解和认知，同样需要语言作为桥梁。音乐的音响无需翻译，但音乐的实现过程、技术及音乐背后蕴藏的思想、文化、美学含义则一定要通过准确、生动的语言来表达。因此，只有充分利用好语言媒介，才能实现中外文化的良好沟通与交流。

3.与综合大学的教学模式接轨的需要

综合大学中的双语教学是近几年开展起来的，虽然时间不长，但潜力很大。以东北大学为例，前年举办了双语教学基本功大赛，旨在提高教师双语教学能力，同时营造一个开展双语教学的良好氛围，其中理、工、文、艺术、体育等各专业的教师踊跃参加。这就是综合大学的优势，整体的文化氛围以及学术环境在无形之中影响、带动了艺术学院的进步。因此，在艺术学院开展双语教学，一方面可以迅速跟上东北大学的教学节奏，与东北大学的教学模式接轨；另一方面可以弥补音乐、美术教育之不足。

二、实施双语教学的难点分析

迄今为止，艺术学院的双语教学尚处空白，究其原因有以下两点。

1.学生

众所周知，音乐表演专业的学生，尤其是器乐专业，从小学习专业课，很多学生从艺术中专考入东北大学，录取线200分左右，文化课基础较差。学生们反映，听公共外语老师讲课很吃力，主要是词汇量和句法较差，但兴趣还是很普遍的。因此，在教学中，从兴趣出发来寻找双语教学的切入点是切实可行的。

2.师资

大多数专业教师的英语水平有待提高，这是双语教学进课堂的最大问题。表演专业的特殊性决定了公共外语和专业外语老师较难承担艺术学院的教学任务。因此，提高专业教师的英语水准是双语教学的关键。

三、实施双语教学的具体步骤

(一)师资培训

教师的英语水平是双语教学成败的决定性因素。当然，教学是双向活动，学生的基础、素质也非常重要。在教学活动中，教师是起主导作用的。因此，师资的培训是开展双语教学的重中之重。

在职培训学科教师。上文提到，表演专业具有很强的专业性，最佳方案是对本专业的教师进行英语强化培训，承担双语教学的任务。东北大学有外语学院，教学的硬件、软件都很完善，艺术学院的教师可以充分地利用综合大学学科齐备的教学资源，进修或自修以确保双语教学任务的顺利完成。

聘请外籍教师。在条件具备的情况下，聘用母语为英语的具有教师资格认证的外籍教师，以大师班的形式参与到教学中来。教师、学生通过观摩、上课的方式提高英语的听说水平。而且，从另一个角度讲，也可以把外籍教师作为桥梁，通过他们了解发达国家的音乐教育，从而促进我们自身教学的进步和发展。

积极开展双语教研活动。积极开展双语教研活动是提高双语教学的捷径。在教案编写、课堂教学节奏把握和授课语言的准确、生动等多方面都可以向外语专业的教师学习。此外，举办英语竞赛、英语角等形式多样的活动也是促进双语教学的好办法。

(二)双语教学进入课堂的教学原则及内容

1.原则

先易后难，循序渐进。艺术学院的学生与其他文理专业的学生相比，英语水平较低，开展双语教学应从零做起，不能急于求成，正所谓“千里之行，始于足下”。

2.内容

基础英语。对于综合大学的其他专业来说，基础英语有老生常谈之嫌，但在艺术学院，则必须给予高度重视，学生们只有在基础英语掌握到一定程度时，才能够进行双语教学。否则，双语教学就会成为空中楼阁。基础英语学习的重点应放在基本语法和词汇方面，与公共外语教学有所不同的是，可将音乐方面的词汇与基本语法、句法训练相结合，以引发学生对音乐英语的兴趣，兴趣对于学习是最好的出发点。

专业英语。音乐表演专业不同于其他理、工、文类专业，教学中实践多于理论，直观教学较多，通常的形式是教师根据学生演奏（唱）情况提出问题，以示范的形式让学生模仿，帮助学生解决演奏（唱）中存在的问题。因此，鉴于表演专业的特殊性，选择双语教学的切入点是非常关键的。常言道：“兴趣是最好的老师。”因此笔者建议，从教授学生感兴趣的音乐作品入手，学习相关的作曲家、作品中常用的表情术语及所处的音乐史划分阶段的英语表达方式；从教学角度讲，先从汉语对应的单词入手，逐渐增加词组和短句。学生积累了一定的音乐英语知识后，再将句子的结构扩展并增加复杂程度，这部分内容最好在研究生期间进行。

首先，单词学习。学生演奏“海顿”的作品时，在学生的乐谱上写出海顿的英文拼写“Haydn”，再教读音，只需模仿发音即可。这样，学生学起来没有(转第57页）(接第45页）负担，还很有兴趣，而且能顺利、轻松地进入到双语教学的程序之中。同理可证，乐谱中的术语多为意大利语、德语、法语、西班牙语等，可以用同样的办法使学生逐步掌握。在本科阶段，只要掌握单词的正确发音、知道对应的中文含义即可。例如，曲式术语：德语“Walzer”（圆舞曲）；速度术语：意大利语“Allegro”(快板)；表情术语：法语“désordonné”（混乱的，杂乱的）等。

其次，词组学习。还以“海顿”（Haydn）为例，这位作曲家是音乐史中古典时期的代表人物之一。那么古典时期对应的英文表达方式“the classic music period”应作为重点词组掌握。此外，以点带面，将古典时期之前的巴洛克时期“the Baroque period/（the figured-bass period）”、文艺复兴时期“the Renaissance period”以及之后的浪漫主义时期“the Romantic period”、近（现）代音乐“20th-century （contemporary）music/（modern music）”等教给学生，学生的专业词汇量就会逐步扩大，而且，将独立的词组按照一定的逻辑关系组合起来的学习方式，会增加学生的兴趣。

再次，短句学习。这部分内容应用在表演专业的核心部分。何为表演专业教学？即通过乐器和人声展示音乐，它是一个实践的过程，教师通过行为语言（演奏、演唱）和阐释语言传授专业知识技能，学生通过视觉、听觉、触觉吸收教师所言所讲、所奏所唱。演奏理论在课堂所占的时间相当少，也就是说，语言阐释的比重占很小一部分。因此，根据表演专业的教学特点，在结合演奏进行双语教学时，笔者建议应以短句，简单句为主，将音乐术语置于句子当中。下面举几个简单的例子：

①分弓改为连弓，好一些。

Please use legato（意） instead of detaché（意）。It will be better.

②你知道乐曲的织体层次、色彩对比、力度变化以及曲式结构吗？

You know the layers of texture，the contrast of colours， the Change of dynamics and the structure of the music forms，don′t you ？

③你对休止符重视不够，尤其是八分休止符和十六分休止符。

You don't pay attention to rests，especially the eighth rest and sixteenth rest.

刚开始的时候，学生会觉得句子很简单，但关键词听不懂，例1中legato和detaché这两个单词就属于这一类型。也有这种情况，学生听懂了单词的通常含义，却不知道它作为音乐术语时的含义。这时，应单独将术语进行翻译、解释。例3是比较典型的例子。例2则属以上两种情况的综合。当然，进行双语教学的方法还有很多，教师应该在教学活动中不断发现、不断总结，才能不断收获。

结语

总而言之，双语教学与其他任何门类的教学一样，是一个漫长的、渐进的过程。无论采取那种方式、方法都可以。重要的是，教师必须根据学生的基础、能力，找出教学的切入点，设计、制定行之有效的教学方案，才能达到最佳的教学效果。

参考文献 ：