吉他入门音乐教学精选(十四篇)

序言：作为思想的载体和知识的探索者，写作是一种独特的艺术，我们为您准备了不同风格的14篇吉他入门音乐教学，期待它们能激发您的灵感。

篇1

关键词：吉他；选修课；教学模式；高等师范院校

中图分类号：J603 文献标识码：A 文章编号：2095-4115（2013）06-81-2

高等师范院校一般是多学科多系别的综合院校，学生毕业后大部分会进入教育行业。所以学生除了学习本专业的知识外，课外生活也是非常重要的。部分大学生爱好广泛，多学科的氛围使得学生不会拘泥于本专业的学习。在校学生一般兴趣较为广泛，所以课外的各类学生社团往往非常活跃，如话剧团、舞蹈协会等等、当然少不了吉他社团或协会。

吉他这种乐器，以它独有的魅力赢得广大年轻人的喜欢，基本上每个学生宿舍都会有一两把吉他。练习一门乐器对学生的身心健康无疑十分有益的，但毕竟不是所有人都能完全靠自学来学习。所以正确引导学生在本专业课程之外的兴趣是非常必要的。除了学生自发组织的吉他协会，有的学校开设了全校性吉他选修课，无疑为学生的兴趣开辟了一个舞台。

学习吉他的学生的兴趣也是不同的。有的学生喜欢独奏形式的古典吉他，而有的学生则喜欢弹唱形式的民谣吉他或新兴的指弹形式的民谣吉他，也有极少数学生喜欢实体电吉他，可谓各有特点。可以说，弹吉它成了大多数学生接触音乐学习音乐的一种重要的有效的手段。而长期以来，高等师范院校大部分并未开设吉他选修课，很多学生都是买书自学或参加社会上的培训班来实现。这使得很多学生的技巧很不规范，甚至有很多不正确姿势得不到正确的纠正和指导演变成不可改变的错误姿势。所以在条件允许的情况下，在高师开设吉他演奏选修课是非常必要的。

一般情况下，古典吉他教学与民谣吉他教学一是直以两种形式存在的，有点河水不犯井水的趋势，实体电吉他教学更是独立于二者之外。因为每种吉他的演奏内容和演奏方法也是非常不同的，分类教学也自然成为理所当然的事。

但作为一门校性选修课，教授内容却不能过于专业和单一，这是校性选修课的特点。所以有必要将各类吉他的演奏教学综合在一起，做到既全面涵盖又能有所侧重才好，这正是本文探讨的主要内容。

一、高等师范院校开设吉他选修课的必要性

吉他这种乐器，在世界范围内都有着广泛的群众基础。尤其是，它既能演奏高雅的古典音乐，又能为流行音乐伴奏，可谓雅俗共赏同时又价格便宜（普及型）。所以深受年轻人喜爱。学习的同时又能学习音乐知识，对于学生来说是一件学习音乐入门的最佳的乐器选择。

（一）有助于调解学生身心健康预防心理疾病

目前社会发展迅速，就业形势严峻复杂，有些大学生心理压力过大出现各种问题，若能进行良好的自我疏导对学生身心健康尤为重要。尽管有些大学对学生有心理咨询服务，但毕竟都是来自外部的力量是被动的因素，而学生自身若能进行良性的主动的心理调解，效果自然会事半功倍。无疑学习乐器是很有效的一种途径，练习乐器可以让一个人专注于一件事，在练习和学习中得到心理放松。加之音乐本身既能娱己又能娱人，通过学习吉他演奏或弹唱，很多大学生的个性变得开朗和易于沟通。

（二）增加学生艺术修养和自信

目前我国中小学音乐教育非常不规范，城市与农村学生差别更大。而有些地方的音乐课形同虚设，基本不教授乐理内容。这导致很多人上了大学连简谱都不认识，更别说五线谱了，这种情况这在发达国家这是不可想象的事。

随着我国经济飞速发展，应试教育的弊端越来越明显，对学生的综合素质教育也越来越重要。培养学生的创造性思维也越来越成为教育的重要目标，所以在大学阶段，很多大学生都希望弥补一下自己在音乐知识上的不足，加强自己的艺术修养和综合素质。因为在未来社会，只会某种专业技能“书呆子”式的单一型知识分子将会越来越不适应社会的发展需要。例如，音乐上使用的打谱与音乐制作软件都是欧美国家制作的，因为这需要既精通计算机又精通音乐的人才能设计出来。

很多学生由于单一的学习模式和专业的关系，个性很容易变得沉默拘谨。而通过练习吉他以及上舞台表演，学生的自信心得到锻炼和提升，朋友圈子也会扩大，个人交往能力不断增强，有的人甚至会变成了音乐社团活跃分子。

（三）开发智力

练习乐器是手脑并用的一种过程，而吉他不但需要一只灵活的右手，同样也需要一只灵活的左手。通过练习可以使较少使用的右半脑得到锻炼，有助于智力的开发，对自身专业也有潜移默化的帮助。并加强左右半脑的配合与协调能力，对大脑保健有良好的作用。国外有研究表明，练习乐器者可以防止中风带来瘫痪的危险，因为乐器练习会在大脑内部建立更多的神经通路，一旦有部分神经通路中断，仍然会有其他通路可以来实现替代功能。

二、古典吉他教学模式的利弊分析

古典吉他是兴盛于西班牙的一种以演奏古典吉他乐曲为特点的独奏乐器，技巧丰富，风格细腻，是吉他的代表性乐器，受到广大年轻人的喜爱。

（一）古典吉他教学模式的优点

单纯的古典吉他教学，主要以五线谱为载体的各类练习曲为主，包括琶音、音阶、分解和弦等练习内容。而演奏姿势也要求颇为严格，对左右手的要求也各有不同要求。所以以古典吉他作为入门学习有助于学习者养成正确的演奏习惯，体现了其作为专业器乐教学的特点。

然而作为选修课，学生一般出于自发的爱好，有必要作一种变通。因为师范院校的开设选修课目的并非要让学生成为演奏家或专业音乐工作者，其目的更多的是为了丰富学生课外生活、增进身心健康、扩大思维视野。所以无法也不可能完全按照专业的特点来教学，必然需要一种灵活变通的教学方法，如结合六线谱对照教学，图示记谱教学等，增强教学的直观性和可理解性。

（二）古典吉他教学模式的利弊

其一是受练习曲目进度的影响，学生往往学习进度比较慢。如在初级阶段的分解和弦练习，音阶练习等内容，对力量型的训练重视不够。如各类和弦的大横按，小横按，而这些练习其实可以和上述内容同时练习。

古典吉他初学曲目较少和弦换把的练习，或不够突出。而民谣吉他却不同，在最初的学习阶段，就有了和弦换把练习，一首简单的校园民谣，就要不断换和弦，所以民谣练习者对吉他左手换把的掌握速度往往比较快，而古典练习者对音阶练习等掌握的比较快。

其二是学生容易失去信心。由于练习进度受到识谱等问题的困然，枯燥的练习缺乏吸引力，并且对于节奏感的培养也非常不利。所以单纯的古典吉他教学在高等师范院校的选修课中显然是不太合适的。

三、民谣吉他模式的利弊

（一）民谣吉他教学模式的优势

民谣吉他训练的内容主要是歌曲弹唱，所以一开始学生就能很快接触到和弦与节奏。并且随着进度的提高，各类琅琅上口的歌曲加入练习之中，增强了学生的兴趣，对于节奏感和乐感的培养非常有利。教学的开始基本是开门见山式，老师直接教授音阶、和弦以及节奏，学生一般在很短时间内就能弹出一些简单节奏以及和弦。即使在学生不懂五线谱甚至乐理的状况下，就已经能感受到吉他音乐的魅力，是练习吉他入门的一种快捷方法。

（二）民谣吉他教学模式的不足

民谣吉他教学模式的优点同时也是其缺点。一些社会上的吉他培训班也是利用民谣吉他的特点，宣称一个月甚至一星期学就能教会一个人弹吉它，甚至在教学过程中直接省略了乐理部分的教学。直接教学生练一些经典的和弦模式，代替本质的乐理教学，因为有些歌曲的伴奏和弦都是一个模式，这样学会一个模式就可以唱很多首歌曲，很大程度上误导了一部分吉他学习者。

其缺点也是显而易见的，随着学习进度的提高，如果继续停留在和弦与节奏的初级阶段，学生也会很快厌烦的。因为很多学生不懂乐理并不知道自己在演奏什么，对于和弦连接的原理以及和弦的性质根本不了解，只是按照图式谱在照猫画虎。所以根本的乐理知识学习才有重新回到学习中来，演奏姿势的不正规与随意性在后来的提高学习中也暴露出来，导致学习进度难以继续提高。

很多学生在练习吉他很久以后还根本不知道靠弦演奏与不靠弦演奏的区别，所以在改为演奏古典吉他后，弹奏音量极小，并且演奏得乐曲毫无音色层次。因为学习乐器不仅仅是学习一门技术，还必须加强音乐理论的学习增强自身艺术修养。

这就要求加在教学中人更多的专业理论学习，如增加乐理教学的内容以及五线谱视奏教学，为学生打开更多学习的窗口，扩大学生视野，让学生根据自身条件以及学习进度自由选择学习方法，而不是狭隘的单一窗口学习方式。

四、以古典吉他为主二者相结合的优势

（一）运用古典吉他训练模式练习民谣

作为练习使用的普及型吉他一般即可装尼龙弦，也可装钢丝民谣弦，造型上常常也不严格，所以即可演奏古典乐曲，也能演奏民谣伴奏，初学者应以古典吉他的学习方式建立正确的演奏概念，然后便可学习民谣吉他演奏手法，这样可以有一个相对的参考标准，学习者明白自什么是自由的姿势，什么是严格的姿势，以古典吉他的姿势和演奏手法入门，

（二）运用民谣吉他训练模式奠定古典吉他基础

民谣吉他的练习模式是块状的，力量训练占了很大的比重，大横按以及频繁换把在最初的学习阶段已经进入训练日程。这正是古典吉他练习在初级阶段缺乏的，因为一首古典吉他练习曲所涉及的换把可能很有限，也不是针对性的，古典吉他练习曲强调最初阶段强调右手的训练往往比左手多，右手有很多分解和弦、双音以及靠弦奏法和不靠弦奏法练习，左手只有一些非针对性的换把训练。

民谣吉他刚好相反，更加强调左手的基本功训练。右手除了固定模式下的分解和弦，如三拍子和四拍子的模式，多数是一些节奏性扫弦。左手则配以各种调性的和弦连接转换，练习者入门不久即可直接进入专门的换把训练，因为和弦换把正好是民谣吉他的基本技巧，一首小型的校园民谣歌曲至少也要换三个和弦，而且一般每小节换一次。为了不影响演唱的节拍节奏，就必须强调换把速度和准确度，所以民谣吉他练习者往往很快能掌握快速的换把能力，这是古典吉他学习模式所不具备的。

篇2

大学是一个学生进入高等学府之后，对一种技能进行更深入的认识和学习的阶段，是对自己的专业进行一种研究一种立足于社会又面向世界的学习。我国对于吉他教育，尤其是电声吉他的教育的里程碑上还没有任何记载，原因有两个：第一，我国的高等音乐教育走的是古典音乐教育体系，走的是欧洲的古典音乐教育路线和教纲，没有涉及到现代音乐和吉他这个方面。第二，我国没有完整的正规的吉他教学体系。既没有统一的教材，也没有对电吉他等级的衡量标准。还有就是我国刚刚开始涉足、承认这种音乐。这样一来许多学生在学习的期间也有很多困惑和无奈，比如风格方面，练习引导方面，技术掌握方面等。吉他的风格流派很多，吉他的种类也很多，这样学习起来的系统性就相对较差。我国现阶段在电声吉他上没有学院派的研究生和博士生，这样就给教育带来了一定的难度和弊端,也给技术和水平的定位加上了问号。在我国吉他初级学习无法和高等的音乐艺术院校接轨，还因为高等院校最初没有设立这个专业,也就没有人去引导正确的学习模式。最初的学习者都是跳跃的学习方法和过程,例如没有乐理，音阶练习就直接进入SOLO部分,没有五线谱和简谱的概念只能看六线谱,刚学会和弦就急于完成歌曲弹唱。没有进行各种基础的技术练习就直接简化曲子来达成目标。学过古典音乐的同学一定知道,这样学习乐器的过程是极不科学、极不合理的。这样就会给我们的理解上带来偏差,使我们的进度走弯路，乃至最终达不到学习目标。

吉他是一个完整的管弦乐团,以及其复杂的对位性和丰富的和声深受人喜爱。然而,如何学习是一个重要的问题。鉴于以上考虑，本人就吉他教学起步的一些主要特征,再结合自己多年来的教学经验来谈谈吉他教学的几个重要步骤。

一、基础教育

吉他的基础也是所有乐器的基础，除了要了解吉他的历史以外,就是识谱和小三门（听音，试唱，节奏）。这些是学习音乐的必备条件。吉他的考生通常进入大学后这个方面很薄弱，原因很简单，原来学的时候看的是六线谱（吉他谱），没有系统学过练过乐理和小三门。这也是我国吉他发展初级阶段的一个弊端,很多教材都没有五线谱,有的也只是配上了简谱,这样一来就使我们对音符和音与音之间的关系没有了理解的概念。所以，很多吉他学生在基本乐理方面很薄弱，需要很好地进行训练，这样才能更好地进行吉他的学习和对音乐的认识。

二、基础练习

我们都知道钢琴有车尔尼、哈农、拜厄等优秀的初级练习教本,可是吉他的初级教本是什么呢？现在市面上普及的入门训练教材的内容都是吉他的和弦的指法和单音练习的小片段,这些练习没有从根本上起到基础练习的目的,只能做到了解。基础的练习就我个人来看有三个关键:一是对姿势和手型的训练和掌握。二是对谱子的理解和认识,也就是五线谱和六线谱的相互对照。三对吉他指板上的音的了解。这三个基础方面又要通过哪些方面的练习来完成呢？有音阶的练习、节奏的练习、和弦的转化练习。通过这些练习,我们就能更好的衔接到下一步的学习之中去。

三、提高练习

提高练习主要是对手的灵活度和机能的练习。这种练习可能会一直伴随着学生的学习过程,比如有琶音练习、八度音练习、过弦练习、速度的提高等。

篇3

为了提升高中音乐课程的教学质量，我们需要重点把握以下几点原则：

1.以鉴赏为主，提升学生音乐审美水平和音乐素养。高中音乐课程是高中阶段要求开设的鲜有的非考试类课程，因此相对于其他课程而言具有天然的非功利性优势，因此，高中音乐课在教学过程当中要适度减少目的性，更多地借助于轻松活泼的教学氛围，为学生提供以鉴赏为主的教学。这样就能够区别于其他应试型科目，可以更加重视素质的提升，帮助学生提升审美水平和音乐素养，让学生能够实实在在地获得自我的提升。

2.因材施教，主张个性化培养策略。由于高中生在音乐基础方面具有明显的差异，在教学初期每个学生对音乐的兴趣也不尽相同。例如，一些女生对音乐有很强烈的兴趣，领悟能力也比较强，然而许多男生却对音乐难以产生浓厚的兴趣。在这样的条件下，高中音乐教学就可以进行个性化的培养策略，对学生进行学基础上的针对性教学，例如可以对基础良好的学生加大培养力度，安排他们参与更多的表演，另外的同学可以一边欣赏一边学习，在轻松的氛围当中感受音乐的美好。这种因材施教的方式不仅能够提升教学质量，还能减少部分人的学习压力，毕竟，高中阶段的学生在日常的学习过程当中已经压力较大，不适应在音乐课程当中再增加更多超出他们能力范围的任务。

3.重视兴趣培养，突出音乐课程的娱乐性。从我国的教育现状来看，虽然在高中阶段开设音乐课程十分有必要，但是由于大量考试科目的存在，学生精力和时间都十分有限，因此在教学过程当中可以尽量降低课程要求，重视对学生音乐兴趣的培养，将音乐的娱乐功能发挥出来，在培养学生兴趣的同时，也能够让学生的其他课程的学习之余能够有一个很好的放松。基于此，高中阶段的音乐课程教学的内容可以涵盖较大的范围，不仅仅包括基本的音乐入门知识，也可以加入民族特色音乐、地方特色音乐形式、优秀流行音乐等等，通过广泛的涉猎音乐内容能够在很大程度上提升学生的综合音乐素养。让学生既有学习的兴趣，又能够学到真正的音乐审美能力。

基于上述原则，以一节音乐课（45分钟）为例，本文设计的高中音乐课程主要分为以下几个环节：第一步，基本知识讲解阶段。在这个阶段，音乐教师针对高中音乐课程大纲要求进行有关专业内容的讲解，例如，吉他的基本构成和特点、五线谱基础知识入门、歌曲演唱的一般要求以及音乐领域的基本常识等等。在这个阶段，教师主要完成必要的音乐授课，内容可以涵盖学生感兴趣的多种内容，知识要求言简意赅，通俗易懂，难度要适中，能够让学生学到一些在现实生活当中非常容易用到的基础知识。

篇4

女儿的生活少不了音乐

女儿张一凡从4岁开始学习钢琴，直到1 0岁时，才因学业繁忙和眼睛近视而中止。虽然放下了钢琴，但她的生活却始终与音乐相伴。

因为学习钢琴，一凡学到了很多音乐知识，培养了她扎实的乐感，她小学就加入了学校的合唱队。现在，当女儿感到学习压力大时，她会自己静静听上一曲肖邦、李斯特的名曲，很快心情便多云转晴了。孩子现在拥有健康乐观的心态，很大程度上要归功于音乐这位“好老师”。

这些年的钢琴学习使女儿的学习能力也得到了锻炼。由于学习压力大，她的同学们都在周末忙于参加补习班，但一凡没有参加任何补习班，学习成绩还保持在班级前几名。身边的家长都向我取经，怎样让孩子学习成绩名列前茅。我观察琢磨后发现，别的孩子做作业时都喜欢东摸摸、西碰碰，但一凡始终坐得住、静得下心。她上课时的注意力也比别的同学更集中，这样学习效率自然高了。我爱人总结道：“这和一凡从小学习钢琴不无关系，开发了思维能力、掌握了学习方法，又懂得了勤学与苦练的关系，这样学起来就轻松多了。”（读者：张建成）

我的经验：

女儿学习钢琴时，习惯在乐谱上涂画。会在某段乐曲上画个太阳，标注：“真好听，很活泼。”这些符号稀奇百怪，但我从来不阻止她，她想出的方法，可能是最适合她的学习方式。

老师的话：

学习音乐并非是要当演奏家，而是希望孩子能有一个终身相伴的朋友

表达情感，帮助孩子打开心扉

学音乐的孩子能更早体会欢乐、悲伤等情感。这会使他在潜意识里了解物质、环境的美，也更懂得表达情感，有利于未来对情商以及审美感知的培养。

魅力音乐，帮助孩子完善个性

贝多芬的音乐充满男子汉气概，肖邦的音乐柔美悠扬。男孩通过音乐能培养气概、女孩通过音乐能修炼气质。富有生命力的音乐，有助于年幼的孩子塑造更健全的个性。

“音乐不是孤立的事物，它存在于生活过程之中，它既不能从孩子的意识中分开，也不能从每天的生活中剔除。对孩子来说，生活产生音乐，音乐源于生活。”

边玩游戏、边学音乐，帮助孙辈培养兴趣

我是一名音乐爱好者，喜欢在家唱歌听音乐。一次我突然发现，只有5岁的小孙子彬彬玩玩具时，竟然哼起了他自己编的小调。我再仔细观察了一段时间，发现彬彬不但喜欢哼小调，有时候听到音乐，还会跟着一起打节拍。

我想试着培养彬彬对音乐的兴趣，但考虑到他还小，就给他买了把新潮好看的小吉他。我和家里人讨论后，一致决定先让彬彬“玩”乐器，让他产生对音符的兴趣。彬彬收到吉他后，立刻就被“新玩具”迷住了，他经常抱着小吉他随心所欲地弹奏。除此之外，我还将吉他融入到游戏中。彬彬喜欢玩抓迷藏，我会把玩具藏起来，然后弹吉他。他离玩具远了，我就弹高音，走得近了，我就弹低音，现在这可成了彬彬最爱的游戏。儿子和儿媳妇都非常赞成我的做法，儿媳妇表扬我：“彬彬比同龄孩子聪明、反应灵敏，爸爸肯定功不可没。”

我的经验：

爱玩是孩子的天性，让孩子在游戏中爱上音乐，更容易使他对音乐产生感情，也容易产生学习的效果。以后再参加辅导班，便顺其自然了。

老师的话：

孩子由于年纪尚小，命令他学习会使他反感。可以先报个1 0课时的乐器入门班，不用给他设定框架，让他带着玩的心态接触音乐。有些孩子在此过程中产生了兴趣，这样再带着他深入学习，效果更好。

沈老师来支招： 展现乐曲的画面感，让孩子爱上音乐

学习音乐是枯燥的，尤其是基本功，必须长期反复练习。长辈不妨用树林、小鸭、小鸟、节日等孩子平时喜爱的词来展现乐曲的画面感。

举例：练习枯燥的练习曲时，可以给孩子展现一幅画面：“你弹的乐曲就是一只小鸟，它正在奋力飞翔。如果一卡壳或停顿，小鸟就会从天空中掉下来！”孩子关心小鸟的命运，就会坚持练习曲子。

将刻苦慢练引入其中：告诉孩子只有耐心慢练，才能使小鸟的翅膀一下下拍打起来，自由地翱翔。

这些不当的教育观念你有吗？

ד孩子学音乐，要找最有名的音乐专家。”

老师的教育方式会直接影响到年幼孩子的学习热情。有些专业老师上课枯燥、严格，会令孩子产生排斥。在启蒙阶段，最好找对孩子有爱心、愿意和孩子边学边玩的老师，更有利于孩子兴趣的开发。

ד孩子刚考取4级，应趁热打铁，明年再考一级，趁学习压力不大的时候考完10级。”

很多长辈看到别家孩子考了级，就希望自己孩子也迎头赶上。还有些家长会认为孩子级考得越高，学习能力就越强。其实老师对每个孩子都有特定的教学计划，每个孩子的学习能力也不同。如果为了应付考试，学到的只是外壳，并没有理解艺术的真谛。

篇5

摄／本刊记者／陈耀国

时下，爱好音乐的人和想学会简单弹唱的年轻人越来越多。于是，吉他、贝斯等既时尚流行价格又比较经济的乐器也开始受青睐。开琴行便成为一项富有文化艺术性的创业形式，有着良好的发展前景。乐不仅是一种艺术，而且也作为人类的一种社会现象，伴随着人类的出现而产生，与人类不可分离。社会发展到在21世纪的今天，随着物质生活水平的提高，人们对音乐的追求也提高到了一个新的阶段。人们聆听音乐、研究音乐，创造音乐，演奏音乐；同时由于演奏乐器可以促进脑部的发育、培养人的协调性，于是越来越多的孩子成了琴童，踏进了音乐的学堂。此时，人们对乐器的需求开始增加，这就促使了琴行的诞生。

目前上海已有五六家知名的琴行，华彩琴行就是其中一家。开业十年来，华彩琴行稳扎稳打，确立了自己的市场定位，积累了大量的客户，在业内也赢得了良好的口碑。

中西乐器　琳琅满目

记者来到的是华彩琴行位于上海市新市北路的门店，这是华彩琴行几家门店中较有代表性的一家。约80平方米的琴行共有两层楼，装修简约。两边的墙上分别整齐地陈列着古筝和吉他这两样不同风格的中西弹拨类乐器，颇有几分中西合璧的意味。接待记者的方先生介绍说。华彩琴行主要销售的就是弹拨类乐器，而西乐的吉他与民乐的古筝就是其主打的产品，同时也有钢琴、小提琴、二胡以及一些周边产品的销售。

华彩琴行销售的古筝囊括了入门级到专业演奏级，品种齐全、价格公道，再加之现在西乐的流行，专注于民乐销售的琴行并不多，所以他们还是能吸引不少顾客前来购买。由于是厂家直销，所以价格比其他琴行优惠了20％～30％，这也是顾客选择这里的另一个主要原因。

方先生说，挑选古筝很有讲究，主要看使用何种木料、用漆是否均匀以及工艺是否精湛三个方面。一般的初学者在选购的时候没有必要买很昂贵的琴，实木质地的琴就是入门级的最好选择。同时实木琴的价格也最实惠，在1700元左右，既经济又适用。属于中档的就是紫檀饰面的琴，价格在3000元左右，也是店里销量最好的琴。其最大的特点就是木质坚硬，演奏中产生的杂音最少。所以专业人士和演奏家都会选购这款琴。同时，紫檀木做的古筝上通常会在面板配以意境悠远的古诗词或古代乐工抚琴的画，这些细节上的精致给以演奏古筝时的氛围很好的衬托。而店里最贵的一把古筝，是以上乘的木料黑檀所制成的，售价是4800元。这把琴采用了极少数厂家使用的嵌银丝与雕刻工艺，可以说是“镇店之琴”。所谓物以稀为贵，给出的定价也是最高的。

方先生说，一把好琴不仅能给演奏者带来最好的音色，也是一件值得购买的收藏品。随着时间的流逝，掌握制筝工艺与技法的人越来越少，所以有些颇有难度的复杂工艺正渐渐从人们的视线中消失。就以前文镶嵌银丝技术为例，掌握这个手艺的师傅都已是高龄，其虽经验丰富，但体力与精力毕竟有限，再加之几乎没有年轻一辈来接班传承这种技艺，所以镶嵌银丝的加工费每年都在涨，从这个角度来说，购入一把用料上乘、工艺精湛的古筝，也不失为一项投资。

而对于时下大受年轻人追捧的吉他，从木质民谣吉他到组乐队必不可少的电吉他，这里都有充足的备货，能吸引不少年轻人前来光顾。在众多吉他中，最吸引记者的是―把迷你小吉他。方先生告诉记者，这是专为儿童设计的吉他，不单独出售，但如果报读儿童吉他培训班的话，就能够免费获赠一把。

热爱音乐　传播音乐

人们常说，音乐是没有国界的语言。同样的，音乐也不受时间与年龄的限制，可以伴随人的一生。方先生多年来坚持练习萨克斯，对音乐的热爱，促使他选择了在琴行工作，在工作中，方先生接触到了更多志同道合的爱乐人，对于音乐、乐器也有了更深刻的认识。

方先生告诉记者，从生理上分析，学习乐器能平衡大脑的运行。在练习乐器的时候，双手、眼睛，耳朵都被调动了起来，而与此同时，大脑的左右两个半球也都动了起来，左脑和右脑同时工作，既调动思维又调动动作。这便是对于脑部功能的最好锻炼和平衡。对于4～7岁的儿童，练习乐器，能使孩子在这种一心多用的状态下无法再分心于别的事情，对于培养孩子注意力的集中大有好处。从客观上看，学习乐器有利于培养情操，培养人的涵养，你在学习乐器的过程中，无论是民乐还是西乐，你都会不自觉地受到其所蕴含文化的熏陶，这种获益就不仅仅是音乐方面的获益了。此外，在工作或学习压力大的时候，弹奏一段自己喜欢的曲子，对放松紧绷的神经也很有帮助。

作为华彩琴行的负责人，方先生也把他对音乐的热爱融入到了琴行的经营中。在与方先生的交谈中，他也不主动提及乐器的售价。方先生告诉记者，琴行不应该是一个充满商业气味的地方，一定要给人一种“家”的感觉，让爱好音乐的人不仅是来买乐器，更可以把这里当作可以玩音乐的地方。只有这样，琴行的名气才会更响，客源也会越来越多。

选址琴行缺门地区

华彩琴坊位于上海市虹口区的新市北路上，这里不仅是虹口、宝山、杨浦三区交界的地方，而且交通十分便利。光琴行门口有多路公交车的终点站，距离有30多条线路的大型公交站点江湾镇站也仅10一15分钟的步行距离，同时轨道交通3号线在此也设有站点。

“例如柏斯、知音、通利等琴行的选址都着重于环线内的市区或浦东地区，而对于上海东北地区的拓展就不那么多，于是我们华彩就在这些空白地区选址经营。对于来学琴的人们，除了学校的声誉、师资力量，交通是否便利也十分关键。我们这里的交通线路多，连接着宝山、杨浦、闸北等好几个区，还有轨交3号线，所以过来学琴十分方便。”方先生如是说。

另外，这里社区发展已十分成熟也是华彩选择这里的原因。近年来，随着人们的生活质量不断提高，退休在家的老年人越来越多地参与到文化活动中去，以丰富自己的晚年生活。方先生介绍说，来这里学琴就有不少是住在周边小区的爷爷奶奶。他们中年龄最高的已有70多岁。老年人学琴的目的并不是考级，而是修身养性，充实自己的精神生活。

产销和培训一体化

华彩琴行不同于其他琴行的最大之处，就是它的经营模式――集制作、销售、音乐培训为一体。

记者对沪上一些琴行了解后发现，这样的经营模式似乎只有华彩才有。一般的琴行通常只有销售和音乐培训两个环节。而由于华彩拥有自己的乐器厂，其所生产的华彩牌古筝和斯坦利钢琴，除了商销售之外。同时也在华彩琴行销售，这就使琴行在古筝销售这块可以跳过中间商直接拿到价格最优惠的货品，从而直接提高了收益。

虽然在销售方面华彩琴行着重的是吉他、古筝、钢琴的销售，而在音乐培训方面，华彩琴行则涉猎很广，包括了电子琴、手风琴、笛子、二胡等多种西乐与民乐的教学。在师资方面，聘请了上海音乐学院、上海广播交响乐团、上海民族乐团等专业教师来执教。在收费方面也是十分的亲民，3-5人的大课班人均收费35元一节课，而一对一的小课班人均收费60元一节课。

多样的教学、合理的定价，使华彩琴行吸引了大量顾客，赢得了人气。

普及和教育更重要

银监会最近出台新规其核心是严控银行理财产品的风险。新规对银行的理财产品进行了限制，无论对银行还是投资者都会带来不小的影响。但从可能产生的结果来看，这一规范恐怕也难逃两面不讨好的窘境。

一方面，对银行业务的影响是不言而喻的，高风险、高收益产品的缺失将使银行理财产品的竞争力下降。另一方面，对于投资者而言，面对银行理财产品，“看不懂”可能才是一个最大的风险因素。近两年，围绕对一些银行理财产品的种种负面报道来看，问题主要还是集中在产品说明书晦涩难懂以及销售人员对于产品的风险介绍避重就轻，使得双方处于信息完全不对称的状态。这样一旦理财产品出现亏损，矛盾自然就会激化。

对于银行理财产品而言，基金的发展或许具有很好的借鉴作用。基金在其发展初始阶段，也产生过很多类似的问题，但随着对基民不断的风险教育以及不断规范，目前此类问题已鲜有所闻了。

因此，规范与教育才是根本解决之道，而简单的“一刀切”不是一个好办法。更何况，曾引起较多问题的结构性产品倒并不在被禁之列，说明书依然难懂，这样就很难保证今后问题不会重演。

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《最美的音乐史》读后有感

吕大君

《最美的音乐史》内容概要：本书讲述的音乐史，完全是用另外一种方式。作者在讲故事，从古老的童话和传说，直到我们今天的音乐逸事。从最早的骨笛吹奏者，到游吟诗人，从巴赫、莫扎特、门德尔松，到马勒、凯奇、古尔德以及“摇滚之王”埃尔维斯？普雷斯利……

《最美的音乐史》读后感，来自卓越网的网友：我的艺术之旅始于自幼对音乐、绘画的爱好，直到八年前考入中央美院，才开始真正踏上艺术的探索之路，愿用读书、摄影、绘画、以及我现在的艺术教学和设计创作工作填满余生，透过这些经典的艺术图书带给我的视觉火花、创作灵感和内心激荡陶冶自己，提高创作和教学水平，从图文并茂的<数码单反摄影圣经>学习摄影，追求瞬间的感动到？藤的设计整理魔术，从早已远去的吉他琴声到博物馆中穿越时空的画作，从大荧幕上的升降镜头到古代瓷器晶莹的釉面，这些经典艺术书和艺术入门教程让艺术走向大众，成为艺术和学生、公众沟通的桥梁，我愿分享经过我阅读和教学实践所总结出的最经典的25本文化艺术图书收藏，让艺术感动你，打动你……

最美的音乐史-从巴赫到“摇滚之王”普雷斯利的故事的读后感，来自当当网的网友：书中故事趣味性好，了解了很多音乐故事，关于音乐和音乐家，读起来很轻松不枯燥，乐趣喜爱的方式学到了很多，了解了很多。音乐是令人愉悦，陶冶情操，缓解压力的，音乐有很多分类和形式，不专业，只是了解一点常见的，小提琴协奏曲，歌剧呀，现在有流行音乐，民族，美声等吧，但那是音乐知识了，似乎音乐专业研究生要掌握的基本知识。这本书不同的是，大家都可以读，轻松没有压力的读，并且越读越有兴趣。其实真是，可能每个作品，包括音乐作品，都有着背景，主人公，故事，感想，思想。都是作者的精华展示，都能给大家一种东西，或者力量，或者轻松，或者放飞心绪，有人喜欢这明星的歌曲，有人喜欢那明星的歌曲，有时听这个人的，有时听那人的，都很好的。音乐有自己的特点，它不存在具体的形式，通过唱片，乐器，表演者，场地演奏出来，主要是通过声音表达给大家，同时配以灯光，造型，服饰，特定环境表达。讲述自己的故事，陶冶大家情操，缓解生活压力，丰富生活内容。其实音乐无处不在，街上，商场，餐厅。难以想象，没有音乐的世界得多磨单调，就像人们都穿灰色的衣服，可能会缺失太多内容，缩小人们生活空间……

篇7

关键词：竖笛；兴趣；三年级学生

一、了解渊源，激发兴趣

八孔竖笛是一种历史悠久的欧洲乐器，14世纪起源于意大利北部，16～18世纪盛行于欧洲各国。它音色柔和、甜美，可任意转调，富有歌唱性。教学时可播放一些竖笛演奏视频，让学生感受竖笛的艺术和舞台魅力，教师也可现场富有表情地范奏两首学生熟知又好听的曲目，激发学生学习竖笛的兴趣。接着带领学生学习八孔竖笛的演奏姿势：（1）持笛方法：左手在上，右手在下，左手拇指按住笛身背面上方孔为背孔，左手食指、中指、无名指按1、2、3孔。右手大拇指持笛身，食指、中指、无名指、小指按4、5、6、7孔。（教师边讲解边示范，边指导学生练习）（2）演奏姿势：身体要自然端正，竖笛与身体的夹角保持40度左右，两臂自然下垂。应注意用指肚按孔，以使孔关闭严密。

二、练习吐奏，打下基础

学习竖笛的基本奏法是“吐奏”，让学生学习嘴巴放圆轻轻说出“吐（Tu）”，告诉学生就像吹蜡烛一样，先吸一口气，再舌尖向前弹动，让蜡烛的火苗微微抖动。这样演奏的声音音头集中、灵巧，非常悦耳。竖笛的基础三音是：5（sol）、6（la）、7（ti），它们是学会竖笛的根基。首先是单音“5”（sol）的学习：（1）教师向学生讲解“5”的指法和口风的把握。（2）待学生掌握后进行火车接龙游戏。接下去“6（la）、7（ti）”的学习。学会三音后，教师引导学生吹奏：“5、6、7”三音的小练习，例如《小宝宝要睡觉》。

三、笛声融和，丰富效果

竖笛在教材的每单元中都有科学、系统的教学内容，如果在我们的歌曲教学中，把笛声融入歌唱教学，效果一定会很理想。例如，在苏教版第五册第三单元《顽皮的小杜鹃》一课中，由于竖笛的音色清脆、明亮，和“小杜鹃”的歌声很接近，小杜鹃的歌声只有“布谷”[5（sol）、3（mi）]两个音组成，歌曲是F大调，在C大调的竖笛演奏中应吹奏成“■（do’）、6（la）”，这两个单音对于刚进入竖笛学习的学生来说也不难，因此在歌曲学完后，用竖笛扮演小杜鹃的歌声，穿插在每句的末尾处，教师可以把全班分配成两组，一组演唱歌曲，一组演奏竖笛，而后再交换。这样的组合会让学生感觉很新颖，学生也了解到原来竖笛不是只有单一的表现形式，它同样可以形式多样，有着丰富的表现形式和演奏效果。

四、创设情境，引导表现

以多媒体为辅助教学手段，通过创设情境，使学生处于一种舒适、富有乐趣的情境之中。在学习《雪绒花》乐曲之前，可以让学生随音乐复习演唱曾经欣赏过的美国电影《音乐之声》的插曲《do re mi》，让学生再次回到电影片段中：上校在看完孩子们的表演后，自己弹着吉他演唱了一首抒情优美的歌曲。那就是《雪绒花》（出示歌单），这首歌让我们好像看到了晶莹的雪花在天空中飞舞。音乐、视频为本课创设了一种优美、安宁的情境，请学生随着老师的琴声轻声哼唱歌词，在熟悉旋律后再来学习演奏。随即提问：《雪绒花》这首歌哪些地方用“连音吹奏法”比较好？并在歌谱上加上连音线。（学生各自试吹，两分钟后回答，并说明为什么？再在歌谱上画上连音线）。教师应有意识地培养学生敏锐的音乐听觉并巧妙地引导他们参与到音乐中去，在参与的过程中让学生感受、体会到竖笛演奏带来的音乐美，从而激发了学生学习竖笛的兴趣。

五、深入学习，引领入门

在我们竖笛课教学中，三年级阶段作为学习的起点，基础练习必不可少，老师经常采用的教学方法也有很多，例如：

1.讲授法

讲授法是教师通过口头语言向学生传授知识的教学方法。其优点是音乐教师有较充分的主动性，易于把握所传递的音乐知识的尺度，使学生在短时间内获得较多的连贯知识。

2.范奏法

在课堂教学中，通过教师的示范演奏，使学生能够直观地了解到正确的演奏姿势、指法及演奏技巧。

3.练习法

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关键词：小学 音乐课程 美育

自古以来，美育的渗透问题一直为人们所重视，著名教育家孔子在两千多年前就提出“兴于诗，立于礼，成于乐”，很明显地把音乐教育放在重要的地位，并且在《学记》中有这样一句话“不兴其艺，不能乐学”，也很直接地强调了美育的重要性。“美育”一词是德国美学家席勒最早提出来的，他在著作《美育书简》中明确提出了德、智、体、美四育的概念。他说：“有促进健康的教育，有促进认识的教育，有促进道德的教育，还有促进鉴赏力和美的教育。”他指出美育的目的在于“培养我们感性和精神力量的整体达到尽可能和谐”。在近代，王国维和两位大家非常重视培养美育，他们都赞扬并提倡席勒先生提出的德、智、体、美全面发展，也就是“四育并举”的教育方针，目的是培养“完全之人物”，音乐教育作为美育的重要组成部分，两者之间有着相互促进和制约的关系。

在我国当代，《义务教育音乐课程标准（2011年版）》指出：“音乐教育以审美为核心，主要作用于人的情感世界。”“音乐课的基本价值在于通过以聆听音乐、表现音乐和音乐创造活动为主的审美活动，使学生充分体验蕴涵于音乐音响形式中的美和丰富的情感……”这些审美活动的存在，便于学生“养成健康的审美情绪、积极乐观的生活态度和高尚的品德，为其终身热爱音乐、热爱艺术、热爱生活打下良好的基础”。音乐课是实施美育的重要途径之一，其重要价值包含四个，第一个就是：审美体验价值，可见，审美价值在音乐教育中具有举足轻重的地位。

美育的最高境界是“无所为而为”，这是朱光潜先生在《谈美》一书中的一个观点。举个例子：大家都会觉得树的倒影比树的正身美。何以见得呢？因为作为树而言，人们在看到它以后就会条件反射地意识到它的实用价值，发生许多实际生活的联想，而对于倒影则不会，它是隔着一个世界的，与实际生活毫无关系的，我们大多只会关注它的轮廓线纹与图案，把它当作一幅画来欣赏，所以，便感受到了美，觉得树的倒影比正身美。再比如，北方人初到西湖，江浙人初到云南，纵使是审美能力浅薄的农夫，应该也会惊讶于它们的奇景，而对于身在其中的西湖人和云南人来说，这些奇景只是值得大家自豪的名胜风景区罢了。对于真正的美景也不过如此，为何会有此差别？因为对于当地人来说，各个景点对于他们来说是有实用价值的，每个景点的美已经变成了经济的砝码，所以，他们感受不到美。但是对于外地人来说，他们眼里只有景色，所以，可以纯粹地去发现美、感受美。这便是区别，也是美与不美的根本所在。“无所为而为”的美才是真正的美。这种思想可以很好地映射到我们现今的音乐教育上，纵观现今国内小学音乐教育的现状，随着我国基础教育改革的蓬勃发展，近年来小学音乐教育的发展也有了很大的起色，不过，在这个过程中，仍然有一些陈旧的观念和措施影响着小学音乐教育的发展，其中对于美育渗透的认识度尤为缺乏。例如，在音乐课上，老师重点教授音乐知识，忽视学生在学习过程中审美的体验和审美能力的培养；有些老师还片面强调音乐技能的培养，不重视在音乐情感上的体验，让学生无法感受到音乐的乐趣。这些现状都是忽视了美育在音乐教育中的重要性而导致的，老师们没有做到“无所为而为”，而是奔着一个短期的目标让学生跟随着老师的步伐前进，到达那个终点，就认为教学结束了。其实不然，在这个过程中，很多学生因为老师的教学方法不当已经失去了到达那个终点的兴趣，只能一直被牵着鼻子走，丝毫感受不到音乐学习的乐趣，因为学生感受不到音乐学习中的美，所以才会索然无味。就此现状，当下的小学音乐教育应该从以下几个方面入手，将美育渗透到课程中去，以便更好地为学生服务，为社会服务。

1 加强对音乐老师的美育渗透工作

音乐的教学过程，应该是老师和学生共同体验、发现、创造、表现和享受音乐美的过程，新的课程标准中，对音乐教师提出了更高层次的要求，提出小学音乐教师自身的音乐美学修养是教学的必备基础，作为小学音乐老师现在应该注意以下几点：第一，加强对美学基础理论的学习。要想教会学生体验音乐中的美，作为老师自己首先要很清楚怎样才算是美。其实，在我国，美学终究是个新颖的话题，很少被列入必修课程或者选修课程，教师培训中也缺乏这一部分的内容。所以，教师本身对美的学习就很欠缺，正如在前文中提到的，朱光潜先生在《谈美》一书中，深入浅出地给读者讲授了什么是美，怎样感受美。像这样的读物，大可作为教师培训的入门书，推荐给所有的老师去阅读、学习，一定会受益匪浅。第二，了解学习音乐美学的相关知识。音乐美学也称为音乐哲学，它寓于哲学当中，哲学的观点认为，事物的形态是多种多样的，审美也不例外，音乐美学就是要教会我们怎样剖析出不同音乐中不同的美。作为老师，如果我们无法上升到哲学的层面去理解美学的意义，那么，面对学生时，如何让学生如沐春风地去感受音乐学习的乐趣呢？所以，音乐美学作为一项基础课程，必须要求所有的音乐老师认真学习。第三，了解学习音乐史。第四，掌握几种乐器。在这里要引用朱光潜老师的这句话“不学艺莫谈美”，说的正是这个道理。作为音乐老师，我们必须要有自己擅长的乐器，最起码的竖笛、钢琴、小鼓这些基本的乐器要熟练掌握，其他的如民族乐器葫芦丝、弦乐器吉他、簧鸣乐器口琴等，也要略知一二，这样就可以丰富教学内容，让学生在音乐课上能够感受到乐器的丰富多彩，提高学生的学习兴趣，从而让学生感受到音乐的另一种美。第五，学会主动挖掘音乐中的美。朱光潜先生在《谈美》一书中屡次指出，审美要做到“无所为而为”，就是告诉我们，美不是一种实用的、可以触及的事物，它是需要用心感受、主动挖掘的，并不是为了某一个可预见的目的，我们为了目的去发现美，这种途径所到达的目的并不是美。所以，作为老师，自己本身要努力去发现音乐中的美，抛开音乐的物质价值，去领会音乐深处的美，并把这种发掘美的意识潜移默化地教给学生，让学生明白，音乐并不只是听一听就能感受到它的美，音乐有形式美、节奏美、音响美等等，只有教师自己具备挖掘音乐美的意识，才能在教学过程中影响自己的学生，达到在音乐教学中渗透美育的作用。

2 重视器乐教学的价值

新课标指出：乐器演奏对于激发学生学习音乐的兴趣以及对音乐的理解、表达和创造能力有着十分重要的作用，有利于发挥音乐教育的审美功能，丰富学生的课余音乐生活。器乐教学是在传统的音乐课堂之外，另外加入的一种音乐学习，器乐教学丰富了课堂内容，不仅能陶冶学生的情操，而且在学习器乐过程中还能够磨炼学生的意志，一次又一次的练习，从不会到熟练，从烦躁到满足，让学生在学习过程中体验坚持不懈就会有收获的意义。这对学生来说，不但能磨炼他们的意志，而且还让学生明白了坚持的重要性，这些无疑都彰显出器乐教学的重要性。针对目前乐器引入音乐课堂的现状来说，以下三类乐器值得借鉴。第一，葫芦丝，作为民族乐器的一种，它是土生土长的原生态乐器，其声音悠扬、清脆，入门快，学起来也不难，音域虽然窄，但是在这有限的音域内，它可以演奏出动听的曲子，它的存在深得国内外人士的喜爱，也不失为小学生音乐入门的乐器首选，现在云南的众多中小学学生都在学习葫芦丝，这对音乐教学起了不小的促进作用。当然，优质的葫芦丝能够保证音准和学生学习的兴趣不减退，在购买葫芦丝时，要注意：首先看外观，葫芦相当于葫芦丝的音响，所以，葫芦越圆润，音质就越好；其次听音色，优质葫芦丝的声音应该是悠扬、响亮的，在购买前应该试吹几次，如果听着舒服，无杂音即可；最后辨音准，音准很重要，作为初学者，在购买时尤其要注意乐器的音准，所以，在购买时，最好让懂乐器的朋友一同前往，当场试音，确保音准无误，这是学习乐器的关键。好的葫芦丝能够更好地辅助学生学习乐器，学好乐器能够让学生亲身感受到音乐的美，这便是审美教育渗透的一种重要方法。第二，竖笛，它起源于意大利，20世纪初，很多国家就陆续引入了竖笛教学。我国于20世纪80年代末引入竖笛教学，实践证明，学习竖笛有利于提高学生的学习积极性，增强学生的学习动力，就其本身而言，竖笛具有体积小、重量轻、便于携带、难度适中、易掌握等优点，此外，竖笛的孔距适中，符合小学生的生理条件，而且学生从刚开始接触到演奏一首简单的曲子，所耗时间并不长，所以，竖笛适合中小学生使用。第三，其他乐器的学习。当下很多家长非常重视对孩子进行音乐教育，学习乐器就成了首选，因此，当下培训市场上，各种辅导班层出不穷，钢琴培训、架子鼓培训、吉他培训等，这是一个很好的现象，证明家长都注重培养孩子的音乐素养，对于这种情况，学校要予以支持，多给学生一些课余空间，让学生有时间去学习课外的乐器。如果师资力量足够的话，学校也可以设立相应的乐器学习小组，便于学生更好地接触乐器。当然，在学习过程中，要注意适度原则，要让孩子在兴趣驱使下去学习，做到乐中学，这样收益会更大。

3 倡导“无所为而为”的教学思想

这个思想是朱光潜先生在《谈美》一书中，第一节“我们对于一棵古松的三种态度――实用的、科学的、美感的”的中心思想，他用一棵古松在不同人眼中价值不同引出了这个道理。对于木商来说，古松是一种很好的木料，可以做成很多的家具来贩卖；对于植物学家来说，古松是叶为针状、果为球状、四季常青的显花植物；对于画家来说，古松是一种苍翠挺拔的古树，它苍翠的颜色、盘曲如龙蛇一般的线纹，让画家沉迷其中，这便是纯粹的美。古松是客观存在的，它的形象一半是天生的，一半是人为的，最平常的知觉中会带有几分创造性，极客观的东西中也会带有几分主观的成分。美也是如此，作为老师，我们要有发现美的眼睛才能看到美，才能引导学生去发现美。我们不应把音乐课仅仅作为完成自己的教学任务来看待，而应充分发挥音乐课对于学生全面发展的重要促进作用，用“无所为而为”的思想去理解学生，让学生真正做到在课堂上轻松、愉悦、创造性地学习音乐，而不是单独为学习哪一首歌，为学会哪一件乐器而进入课堂。教师应告诉学生音乐学习的真谛是发现音乐中的美，一直去探索，一直去挖掘。音乐中有无穷无尽的宝藏和快乐值得学生去学习，教师只有具备这样的教学思想，才能让学生真正喜欢音乐课，而不是像很多一线音乐老师所说的：“我感觉很多学生喜欢音乐，但是他们不喜欢音乐课堂。”这便是音乐老师没有做好引导的工作，在教学思想上没有让学生很轻松地投入音乐学习，没有做到“无所为而为”。因此，在教学过程中，校方、老师都应该秉着“无所为而为”的思想看待音乐课，不要给彼此太大的压力去面对音乐学习，而是让兴趣作为最好的老师，引导学生发现音乐的美，再通过学生自己的发展去挖掘音乐更多的美。这样，长此以往，学生会更加喜欢音乐课，音乐老师会更加有教学成就感，而对于整个学校来说，审美渗透的成效也是显而易见的。

当下随着新课标的颁布，审美教育已经成为小学音乐教育的主题，起步不久的审美教育对于所有小学来说，尚且是一种新的教育理念，并且这种理念不可能在短期内看到很明显的成效，所以，这就需要上上下下所有的人共同努力，给审美教育提供空间和机会。作为校方，要重视美育的渗透，有意识地安排较强的师资力量，并起好带头作用；作为老师，要积极配合校方的安排，加强自身的美育素质，积极参加各种相关的培训活动，授之以鱼不如授之以渔，音乐中的美不是简单的让老师告诉学生，而是教会学生怎样去发现音乐中各式各样的美，这就要求音乐老师自身具备极高的音乐素养和审美意识，并且始终要以“无所为而为”的教学思想去影响学生，潜移默化地让学生明白老师的良苦用心，体会音乐的神奇魔力；作为家长，要有一颗开明的、与时俱进的心，支持和鼓励孩子去学习音乐、接触乐器，积极配合校方，发现孩子的兴趣所在，鼓励孩子接触所喜欢的事物，去发现和追寻生活中的美。“慢慢走，欣赏啊”这是《谈美》封面上的一句话，也道出了审美教育的一种态度，不可急功近利，不管是谁，我们只有秉持了发现美、追求美的态度去慢慢摸索，美的存在自然会拨云见日。

参考文献：

[1]朱光潜.谈美[M].上海：华东师范大学出版社，2012.

[2]《论语》

[3]席勒.美育书简[M].徐恒醇，译.北京：中国文联出版公司，1984.

[4].美学文选[M].北京：北京大学出版社，1983.

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音乐素养是素质教育的重要内容，也是培养高素质音乐人才必不可少的基础。从知识结构上说，音乐素养主要包括读谱、视唱、听音、节奏、和声、写作、音乐史、音乐欣赏等要点；从作用上说，音乐素养重在培养“懂音乐的耳朵和理解音乐的心灵”，直接决定着一个人理解音乐、感悟音乐、表现音乐能力的强弱高低；从培养途径上说，这是一个漫长、复杂、艰辛的过程，需要专业指导、科学训练，更需要学习者持之以恒、反思探索。提高音乐素养虽然无捷径可走，但笔者认为正确的方法、科学的体系却能够使人少走弯路，通过电子琴这一载体可以对青少年提高音乐素养起到事半功倍的助推功效。

自从美国人哈蒙德（hammond）先生在1934年获得专利并成立电子乐器公司，人类社会就迅速进入了电子音乐的新时代，以电子琴为代表的电声乐器迅速普及。如今，电子琴不仅是多种音乐会的主角，而且也走进了幼儿园、中小学、大中专院校的音乐课堂，在各级音乐教育活动中扮演着不可或缺的角色。随着中国社会的全面进步，目前学习电子琴的青少年人群可谓俯拾皆是，因而我们很有必要借助这一社会趋势，认真探索如何利用电子琴来循序渐进地提高青少年的音乐素养。

借助电子琴，使音乐学习的过程充满趣味。音乐是美妙动听的，但是学习音乐的过程却充满了枯燥和艰辛，这也是很多学习者浅尝辄止、难以坚持到底的重要原因。对于初学音乐的青少年来说，他们具有很强的好奇心，但是又有怕吃苦、知难而退等潜意识。利用何种手段和形式使他们的好奇心、求知欲持续下来，是摆在教育者面前必须解决的问题。电子琴作为一种高科技产品，具有超强的音乐表现力，它音域宽广，和声丰富，一台琴可以与一支管弦乐队的演出效果媲美（双排键电子琴可以模仿庞大乐队的演出效果，具有强大的节奏编辑功能，为表现音乐作品提供了更大空间和更大可能）。而且，电子琴不仅能够轻松自如地模仿大提琴、小提琴、吉他、小号、长笛、单簧管等管弦乐器的声效，还能够演奏出其他乐器难以达成的音乐效果，逼真地模仿大自然中的多种音色变化，比如风声雨声、动物声响、宇宙音响，并根据需要可随心所欲地配置类似打击乐器的节拍，并且可以对此进行自由编辑，使音响效果更为丰富、更显个性，尤其适合演奏节奏感较强的现代音乐作品。同时，电子琴通常都装置有效果器，比如，混响、回声、延音、震音轮、调制轮，便于演奏者简便自如地表达丰富的音乐情绪。更为难得的是，电子琴自身通常储存有一百多种以上的各种音乐风格的节奏音型以及打击乐旋律，古典的、现代的、西洋的、民族的，应有尽有。这些音响动听、使用便捷的自动节奏功能，非常便于师生们进行节奏感教学，便于学习者随时随地用心灵、用身体感悟音乐节奏的律动，领会多种音乐风格的艺术魅力。由此可见，电子琴自身这些特点比较契合青少年的认知心理，可以全方位地满足其心理需求。借助电子琴这种乐器将使他们的音乐学习过程变得充满趣味，使之很容易就被音乐的魅力、电子琴的魅力所吸引，激起探索、学习的内动力，在寓教于乐中调动他们学习音乐的自觉性、能动性，促进其音乐素养的全面提升。

电子琴可满足青少年多层次的音乐审美需求，锻炼全面的音乐能力。音乐教育的本质力量在于以鲜明生动的艺术形象感染、影响和培养人。音乐教育不仅培养学生感受美、理解美、表现美和创造美的能力，更重要的是通过美育的手段提高人的素质，从而实现人与自然、与社会的和谐①，电子琴以固定音高、音色丰富、兼容性强、伴奏功能强，以及简单易学等个性特色，从其诞生之日起就受到各阶层音乐爱好者的喜爱，特别适合作为青少年学习音乐的入门乐器。事实证明，通过学习电子琴，可以显著提高青少年的音乐旋律节奏感，显著提升他们在音乐欣赏、音乐感受、音乐表现、即兴伴奏等方面的能力。新一代的电子琴还具有自动伴奏、录音、变调、存储、编辑等多种功能，学习者可借助叠加、分离等操作手段演奏出合唱、混响、延时等音响效果，这不仅便于他们体味音乐迷人的魅力，而且也为他们提供了宽广的探索性学习的空间：他们可以根据自己的审美情趣编辑出新的声效，可以更为个性化地学习乐理、节奏、音准、音色、音区等知识，更生动地感受音乐、创造音乐、表现音乐。而且，他们在感受音乐的同时，还可以开发创造性、创新性思维，锻炼艺术想象力，丰富青少年对经典音乐作品的感知，拓展音乐视野，接近艺术真谛，探索艺术发展规律，循序渐进地在音乐中获得教益，满足青少年多层次的音乐审美需求，全面提升其综合素质。甚至，电子琴演奏对青少年的身体协调能力也有一定的促进作用，比如，双排键电子琴拥有两层以上的手键盘和脚键盘、脚踏板，它的表现能力是其他乐器甚至钢琴所无法比拟的。演奏者通常用右手弹奏主旋律，左手弹奏副旋律或和弦，右脚控制音量踏板或延音踏板，左脚控制脚键盘发伴奏低音，双腿膝盖还可以控制切换音色等。演奏一曲需要全身运动，最讲究的是身体各部位的统一协调②。音乐教育的特性之一是其实践性，不少专业人士都提倡学生直接操持某种乐器，手脑并用地主动学习音乐③，很显然，电子琴非常符合这一趋势和要求。

电子琴比较适合初入门者学习。电子琴音高稳定，初入音乐之门的青少年如果将电子琴作为入门台阶，则可通过听辨、模唱等手段快速而准确地帮助他们建起

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稳定的音感，为进一步学习音乐寻到正确的门径、打下良好的基础。同时，电子琴自身储存有风格多样的音型和节奏，能够模拟多种乐器的音响效果，并且可以自由编辑、组合，合理利用这些独特的功能，不仅有助于青少年对音色的认识和听辨能力的提高，而且还有助于开发他们的音乐想象力，丰富他们对音乐的理解力和表现力，系统地培养他们对音色、节奏、音效等的整体编排能力，使音乐技能升华为音乐能力。学好了电子琴，对他们进一步学习视唱、练耳、键盘等知识，都有显著促进作用。更进一步说，有了初步键盘知识的中学生或大学生学习电子琴，则更为容易入门和提高。尤须特别指出的是，青少年通过学习电子琴，在有了一定基础之后，可以相对轻松地去学好钢琴、手风琴、管风琴等其他键盘乐器，去感知更为丰富的器乐世界。

学习电子琴的成本较为低廉，普及、提高两相宜。对于青少年来说，电子琴教育的第一属性是素质教育，核心在于提高美学素养和综合素质。在社会主义市场经济环境下，普及音乐教育、提高广大人群的音乐修养，让更多的青少年从中获益，关键之一是必须找到一种或几种成本低廉、多数家庭可以承受的载体。比较而言，电子琴售价较为便宜，中等收入的家庭即可购买得起中高档电子琴，且搬动方便、占用空间较小，师资资源也比较丰富，从学龄前儿童到高中生都可以在零基础之上较为快捷地入门，所以电子琴很是适合作为音乐教育的载体。同时，电子琴音色优美，表现力强，应用前景广泛，适合有志于此者进一步深造、提高，在此基础上学习乐器学、音响学、和声学等知识，获得更大的发展，甚至将之作为终生的事业。

篇10

视唱就是看谱即唱，即不做任何准备，把乐谱上所标记的音的高低、长短、强弱准确的、有感情地唱出来。对于参加音乐专业高考学生来说，视唱是必考科目，考试要求也很高，既要唱准音高、节奏，还要演唱得富于“歌唱性”。笔者通过多年的音乐高考辅导，在视唱教学方面探索积累了一些实践经验，现总结如下：

一、唱准音阶并巧妙运用和最大限度发挥音阶的作用

（一） 唱准音阶是唱好视唱的基础。

要想把视唱唱好，首先要唱准音阶。高中音乐特长生应先把C大调的音阶唱准， 我经常引导学生用轻松和自然的声音来练习，同时注意用耳朵感受音与音间的连贯性和音高的准确性。唱自然大调音阶音准要求：第Ⅰ级（主音）和第Ⅴ级（属音）要唱得平稳；第Ⅲ级（中音）、第Ⅶ级（导音）倾向性强，唱时应有倾向性高的趋势；第Ⅳ级（下属）应向第Ⅲ级靠近，构唱时标记如下：平稳平唱；趋势向上；趋势向下。

（二）用音阶解决单音唱不准的问题。

单音是整个音乐里最基础的一部分，每段作品都是有一定数量的单音组成而来的。有的学生唱视唱听起来很“别扭”，其实就是没有唱准每个单音。针对这个问题，可以采用各大调音阶练习，进行调式感觉的稳定训练，培养稳定的调式感觉，因为每一部音乐作品都具有一定的调式调性，唱好音阶具有一定的调式调性结构的概念，对视唱好旋律以及乐感的培养，具有重要的意义。

（三）用音阶进行节奏的训练。

有人说，旋律是音乐的灵魂，节奏是音乐的骨干，旋律的直接体现就是音的高低走向。可见音准和节奏是视唱教学中的重中之重。我们学习节奏应该遵循从易到难、从简到繁的原则。在学习新的节奏型时，单纯的拍打节奏会显得枯燥无味，此时，将节奏融入音阶中，学生练习起来就会更有兴趣。

二、视唱前的练习很重要

建立良好的调式感是视唱音准的前提，对调式音级之间的音高关系要有正确的音感。为此，调式音阶的练习，稳定的音级（Ⅰ、Ⅲ、Ⅴ）的音感建立非常必要。因此视唱之前，针对视唱曲的调式，要做音阶和调式的练习。

三、在视唱教学中强调规范“击拍”

打拍可帮助我们掌握乐曲的单位拍的速度和时值。在视唱教学中，我非常强调规范的“击拍”法，即最简单的手上下动作击拍：“”为完整的一拍，“”表示前半拍，“”表示后半拍。在视唱时，用手击拍，禁止用脚打拍子，“击拍”动作自然、舒展、大方，节奏准确、有拍点，不能随意改变“击拍”图式，不能时快时慢，注意唱打一致，嘴要跟拍子唱，要有乐感。但又不能像舞蹈一样，不能将“击拍”当成摆设。刚开始练习的时候，最好叫学生在乐谱上标记击拍的图示，并把速度尽量放慢，音准和节奏都准确的时候再适当加快速度，但必须以乐曲中间不打节、不停顿为前提。

四、重视视唱中音乐情感的表现

视唱也是音乐的二度创作，视唱时要赋予作品鲜活的生命力。在日常教学中不光要求学生要看调号、拍号和速度， 注意音准、节奏、节拍等基本要素，更要要求学生注意视唱中的表情记号、强弱记号等，做到有表情的视唱。视唱教材大多是优秀的音乐作品或是民歌，有表情的演唱可使学生获得一些音乐语言，并加深对作品的理解，从而提高表现力。

五、在教学中运用多媒体设备，事半功倍

以钢琴为音色主体、伴奏主体的视唱训练已远远不能适应日益发展的音乐文化，将计算机音乐制作技术和多媒体系统引入视唱教学中，将会收到很好的效果，体现在教师的教和学生的学两个方面：教的方面：我利用TTCsetup12s（译为TT作曲家）的音乐制作软件为视唱曲目制作伴奏，因为制作合成的内容，音高节奏准确，在课堂教学中可以任意逐小节、逐句随教师意愿及学生熟练程度播放，其速度、音调和示范音色均可随机变化。这样，我在视唱教学中既省时又省力。学的方面：我将制作好的视唱练习曲目下载到学生的MP3、MP4、学习机等承载体中，将教材中的乐谱变成听得见的乐曲，让他们在课后跟着音乐进行视唱的练习，取得很高的效率和质量。

六、器乐进课堂是加强视唱能力的重要手段

器乐教学对于培养学生对音乐的兴趣，发展对音乐的多种爱好，提高视谱、视唱、视奏能力，音乐的感受能力，理解能力都起到良好作用。

不难发现，从小学习器乐的学生识谱和视唱能力都较强，由于我所教的学生大多来自农村，基本上没有接触过乐器，音乐基础相当薄弱，因此学习视唱相对吃力，我尝试开设了钢琴课，还鼓励学生利用课余时间学习吉他、口琴等乐器，让学生边看谱边唱，边唱边弹，实践证明器乐教学对培养学生的视唱能力起到了特殊的辅助效果。

七、选择视唱的教材很重要

学生在初学视唱时，往往会因为害怕、紧张唱走音，从而失去信心甚至发展到排斥和抵触视唱，因此，我会选择学生熟悉的音乐作品如儿歌、流行歌曲等作为他们的入门练习曲。比如我选用了湖南文艺出版社的《流行音乐学院视唱练耳》这本教材供初学者使用，教材收集了时下较为流行的音乐作品，通过音程练习掌握音高概念，然后再练习基本节奏型，最后将音高和节奏融入拍子。练习曲都是根据难度由浅入深的安排。由于流行歌曲的旋律学生很熟悉，他们在练习时候能很容易找到音准和节奏，当学生通过一段时间的练习建立了稳定的调式感和音感后，我才开始使用湖南文艺出版社陈玉香著的《高考音乐强化训练视唱练耳卷》以及冯往前著的《简谱视唱与听力训练》进行系统的训练，事实证明，这样的教学效果比较好。

另外，平时还应加强对学生的听音练耳方面的训练，学生通过听唱、听 记、欣赏等来增强耳朵对声音的听辨能力，对音高产生记忆，逐步形成 准确概念，发展学生的音乐记忆力、表现力和创造力，全面提高学生的音乐素质。让学生能熟练运用音乐知识去欣赏音乐、理解音乐、创造音乐，感受音乐给他们带来的快乐，是我们广大音乐教师共同的心愿。

参考文献：

[1]许敬行，孙虹编著.《视唱练耳》（一）.北京：高等教育出版社，2000年第2版

篇11

在我的印象里，只要是光天化日，朗朗乾坤，苏雪雪的出场总是金光闪闪，伴随着电视剧里的慢镜头，和万众瞩目的垂涎目光。

我坐在咖啡厅的角落，瞧着那厮长发飘飘，穿着齐踝的大红长裙，踩着十几厘米的高跷，飘飘欲仙地走过来。我忍不住拿起面前巴掌大小的菜单遮住我的大饼脸，虽然只能遮住眼睛，但至少，眼不见心不烦，可以暂时无视从四面八方飞来的羡慕嫉妒恨的“眼刀”。

潘颗渑神，不和谐的搭配。也许大多数人都会这么误会我和苏雪雪的关系，而事实上，我们真的只是普通朋友，或者说哥们儿更恰当。

唯有我清楚，苏雪雪女神外表的背后的故事。也只有我看到过她，穿着人字拖，背心短裤，脚踩凳子，手拍桌子，拿着瓶子胡侃海吹的潘垦。也只有我清楚，她能徒手撂倒夜里想打劫她的混混，高跟鞋砸得人眼冒金星，红旗招扬。

即便如此，我和苏雪雪依然不能―概而论。我甚至从心底里冉冉升起了―种自豪感，苏雪雪也就是金玉其外，而我是表里如一，潘康降住

“还傻坐着干嘛，收拾东西赶紧走啊。再迟，杨希就该走了。”我盯着苏雪雪高跟鞋的鞋尖，她不耐烦地敲着桌面，我也很想起身，偏偏屁股不听使唤，挪都挪不动。

“范毅，你别告诉我，都这时候了，你还犯怂。”

虽然摄于苏雪雪的，可想到杨希，我就不可自抑地发抖，胆l去。我没勇气直面杨希，从过去到现在，都做不到。

苏雪雪也不多费唇舌，趁我发愣，提了我身旁的吉他盒子就走。这下子我总算回过神，一跳三丈高，扑了过去。

要知道这可是花了我2000块活费买的吉他，是我的心肝宝贝，天知道落到她手里会发生什么惨绝人寰的事。

“女神息怒，放下吉他，我这就走。”

苏雪雪麻利地背上吉他，长发一甩，瞥了我一眼：“出息，非逼我出绝招。吉他我先背会儿，你扛上音箱。到了地儿，我就还给你。”

这就是苏雪雪了，尖酸精明，做事从不拖泥带水，果决得让男人汗颜。

作者没说，小王子是不是帅哥

人来人往的火车站，我拖着音箱大汗淋漓地跟在苏雪雪身后，我实在无法理解。女孩子到底是怎样的生物，每个月流那么多血，还能生龙活虎，踩着那么高的鞋跟也能健步如飞。

“就在这里吧。”

检票口，人口密度最高的地方，苏雪雪总算停了下来。她利落地取下吉他盒，拿出吉他，将吉他上的线插在音箱上。随意弹了两下，高分贝的音乐声，立马吸引了大片的视线。

苏雪雪一把将吉他塞到我怀里，退到了边上，双手抱肩，下令指挥：“我估摸着杨希就在这附近，你可以开始了。”

我愣愣地看着苏雪雪，手里抱着沉甸甸的吉他，心中一阵茫然无措。

我是―个很胆怯懦弱的人，这辈子做过的最大胆的事，也不过是在高中校庆演奏结束，杨希搭讪我们乐队主唱洋洋失败时，我瞧着这姑娘蹲在杂物间门口哭得实在可怜，恬不知耻地上前自我介绍。

我说：“你好，我叫范毅，大家都叫我小王子，是个弹吉他的。”

杨希抬起头瞧了我一眼，皱了眉：“长这样，也能叫小王子”

作为男人，我难得有骨气一回，一句话顶了回去：“你没看过《小王子》那本书吗？作者根本没写小王子是个帅哥！”

杨希盯了我一阵儿，估计是觉得我认真的样子挺耐看，“噗嗤”一声笑了。她笑起来的样子，就像梨花带雨又逢春，楚楚可怜而又生机盎然，我也忍不住跟着她―起傻笑。

然后，我转身抱起我的吉他，飞陕地走掉了。杨希在后面“喂喂喂”叫我，我置之不理，只是―个劲儿地往外快走。

按照苏雪雪对我的形容，每当我走路飞快的时候都是想逃避，比跑慢―些，但比普通的走|央很多，再配上我黝黑的皮肤，壮硕的体型，活像一只大黑熊。

也不知道我在操场上暴走了几圈，抬头就看到坐在看台上的苏雪雪，她抱着贝斯，凄凄切切，跟我大眼瞪小眼。

苏雪雪说：“范毅，你真怂，跟女孩儿搭讪都不会。”

那时，苏雪雪也是我们乐队中的一员，和现在完全不是―个风格，她留短发，微微发胖，是个贝斯手。

按照常理说，女孩子―般都喜欢吉他，钢琴，小提琴。可苏雪雪选择了疯狂的贝斯，弹到激情时刻，总是摇头晃脑，跟打了鸡血―样兴奋激动。

我们乐队里的男孩子有次夜里烧烤时谈起苏雪雪，大家都认为这个女孩子没正形，没―点女人味。只有我弱弱地插了―句：“其实我们内行人都清楚，贝斯控制整个乐队的律动，虽然不像主唱那么显眼，但很重要。我想苏雪雪应该是―个低调付出，不求冒头的人吧。”

其实闲聊这种事，就是凑在一起侃大山，胡言乱语，事后就都忘了。但难保有那么一两句话被传了出去，得罪了谁，触动了谁，我们自己却依然蒙在鼓里。

某―天，大家练习结束，正往活动室外面走，苏雪雪突然凑到我旁边，说了一句：“我怎么就觉得，你像童话里的小王子呢？”

耳尖的队员都听到了这句话，哄笑了一阵，也跟着叫了起来：“小王子，范毅，我觉着这艺名儿挺好啊，以后就叫你吉他小王子吧！”

毫无疑问，我再次暴走了，宓寐脸通红。虽然被嘲笑，可我―点都不怪苏雪雪，因为我觉得她并没有恶意。

高二下学期，乐队解散了。大家都忙着准备高考，不太联系了，除了苏雪雪。她经常来找我闲聊，或者说，每到课间操时间，她都会带着好吃的来慰劳我，有时候是手抓饼，有时候是―碗香辣土豆。

我当然也不会自作多情地认为苏雪雪是喜欢上我了，我很有自知之明。但吃人嘴短，我还是吞吞吐吐说出了我的疑问。

苏雪雪听完，―声长叹，大掌拍在我的背上：“我是做慈善的，瞧你肥头大耳容易饿嘛。”

我被她说得满脸通红，咬了一口手抓饼，―整条培根叼在嘴边，愣是忘了往回吞。

不知我有没有听错，她好像又小声补充：“小王子啊，因为这么多年，只有你看出我弹贝斯的理由，只有你懂我。”

努力就有收获？这是个谎言

杨希出现的时间点，并不如我和苏雪雪计算好的那样。我还没有正经开场，杨希就拨开骚动的人群，盯着抱吉他发呆的我，满睑疑惑地问：“范毅，真的是你，你在这里做什么？”

她的嘴唇一张一翕，我仿佛都听不见，我望着她那张涂满化妆品的脸，陌生到无言。

我是在大二才发现杨希跟我在同―个大学，同―个专业，当时我们学校辩论队PK别的高校大获全胜，校长开大会表彰辩论队成员，杨希出挑的个头十分显眼，彼时，我眼坐在我身边的苏雪雪说：“那是杨希，跟我们一个高中的。”

“你喜欢的就是她吧？”苏雪雪不拐弯抹角，直奔主题。

我站起身，在众目睽睽之下，暴走出了大礼堂。

没错，我喜欢杨希。

高中的时候，我扒过她教室的窗口，特地穿过两个教学楼，跑去她教室旁边的卫生间上厕所，我在她教室外的大树下练吉他，我知道她位置靠窗，很容易听到。

可我没有―次敢与她面对面说话。直到如今，我们已经升上大三，她就要出国读书，我却再没能眼她有过一次交集。

我知道我这样很怂。很多人信奉，努力就会有收获，相爱就能在―起，可我偏偏不信。

杨希能记得我的名字，我已经受宠若惊。高三以后，我们之间，只有我―个人的纠结而已。有那么一瞬间，我看着她的脸，怀疑我是否真的认识过她，那张睑似乎有些熟悉，但又和记忆里的样子不相符。

也许正因为如此，我才能够慢慢冷静下来。拨响了第―个音符。

我说：“是我，杨希，我想为你唱首歌。”

我没唱事先跟苏雪雪说好的《情非得已》，也没有在曲终之时来个真情告白。虽然这样的招数很老土，但苏雪雪坚信还是会有很多女孩儿因此感动。

道理我都明白。可最后，我唱的是戴佩妮的《我和你的那些年》。“我和你与其相见不如怀念，与其拥抱不如眷念…--从今以后不再见面，从今以后只是怀念……”

我以为苏雪雪会冲上来阻止我，可她没有。她只是安静地站在―旁，我没有看她，但我知遒地很忧伤。

那天晚上，我和苏雪雪买了几瓶啤酒就着两个烤脑花儿，在火车站的角落里“巴山夜话”。

她看上去有些生气，甚至可以说是气急败坏，一口气吃完了两个烤脑花，就给我留了点酸萝卜粒。

“你除了跑还会什么？人家杨希都主动上来抱你了，你都没听人说话呢，撒腿就跑，几个意思啊你？”

我仔仔细细挑着锡纸里的酸萝卜粒，吃得津津有味，我想如果现在能有碗白米饭，我―定能吃出天堂的味道。

“范毅，你到底有没有听我说话？”苏雪雪气得从音箱上跳下来，狠狠给了我一下。我手―抖，锡纸碗掉在了地上.酸萝卜粒撒了―地，我心疼不已，美梦破碎。

我幽怨地望向苏雪雪，她的红色长裙，就算在夜里也那么显眼，即使是狰狞着一张睑，还颇有女神架势。在她身上，我再也找不到那个高中假小子的痕迹，和看到杨希时―样的陌生感让我顿生沮丧。

我说：“苏雪雪，我不知道你不能明白我的感觉，不管你也好，还是杨希也好。你们都在往你门认为好的方向发展，可我却觉得越来越陌生。其实我也想变，或者也往好的方向变，努力就有收获，对我来说是谎言，这是命，也是我的选择。”

苏雪雪沉默不语，我摸着我的吉他，把它放在我的腿上，那是来自音乐寂寥无声的温柔。我卯足劲也比不过你们稍稍用力

其实我小时候没什么爱好，最大的兴趣就是坐在家门口，看来往的小孩子们打打闹闹，而我腿上缠着厚重的绷带。

坐得久了，我难免无趣，就冲着屋里喊：“阿妈，饭什么时候好啊？”

阿妈说：“―会儿就好了。”

我又说：“阿妈，我的腿什么时候好啊？”

屋里良久没有声音，好―会儿阿妈才瓮声回道：“不久……不久就好了。”

不久就好。我很长―段时间都在期待这个“不久”快点过去。

第―次上手术台，我想这“不久”就要到头了。第五次上手术台，我还在想“不久”到了吧？

最后―次去见主治医生.我知道这“不久”终于来了。

医生说，你要怀着希望活下去，你还年轻，以后的医学说不定能完全治好你的腿。就算不能完全好，你也不能放弃，有很多残疾人都能好好活下去的，你只是不能再跑太陕。

我当时并没有哭，反而松了口气，我至少看到了我的结局，不用再盼着那个“不久”了。可阿妈却哭了，哭得斯心裂肺，她大声咒骂那个撞断我腿的货车司机，埋怨苍天不公。

那哭声让我烦躁，我冲出门去，开始暴走，比跑要慢一点，比走要快一点，这就是我的极限。

我絮絮叨叨地说着过去，苏雪雪在旁边悄无声息，仿佛不存在，我并不确定她是不是在听，不管怎样，我都想继续说下去。

我学吉他很偶然，那时候村里办喜事丧事都流行请乐队。当时，我家对面的张大伯去世了，乐队在他家门口敲敲打打唱了―宿，吵得我原本的哀伤也消散殆尽。于是我悄悄溜进乐队放服装道具的杂物间，想要搞―些破坏。

看到了架子鼓，我觉得分外新奇，就坐上去敲了两敲，越敲越来劲，跟着打起了拍子，玩得入了迷，就连有人进来都没发现。

“你的节奏感很不错嘛。”

我吓得从凳子上摔下来，说话的是这个乡村乐队里的吉他手，他像大多数搞艺术的人―样邋遢散漫留长发，笑嘻嘻地瞧了我一阵后，单方面决定要将我纳入门下，教我弹吉他。

可他是个随性的人，做事都是一时兴起，教了我俩月，他便不耐烦了，扔了把旧吉他给我，就任我自生自灭，自个儿跳上大卡车去别地跑业务了。

对于他的离开我并不意外，那也并不妨碍我爱上吉他，理由很简单，因为弹吉他不需要用腿。

小声的啜泣响在我的耳畔，苏雪雪抱住了我，我知道她很想安慰我，可人都是个体，根本没有感同身受这―说，也没办法给予慰藉，不过是怜悯而已。

我说，苏雪雪，其实我知道，你为什么―定要变成女神。你高中时候喜欢我们乐队的主唱洋洋口巴？那天的事儿，我都看到了。

那时候，苏雪雪和洋洋早恋，被洋洋她妈逮了个正着。洋洋妈拉过自己儿子，指着苏雪雪鼻子就开骂：“你长得又丑又矮又胖又难看，凭什么跟我儿子在―起？”

苏雪雪和洋洋都没有说话，直到洋洋妈扯着洋洋走了，嘴唇咬出血的女孩儿才无力地蹲下身，嚎啕大哭。她大声喊：“总有―天，我会让你们都后晦的。好得让你们无法直视！”

之后，苏雪雪瘦了，白了，美了，上大学后还学会了穿高跟鞋，变成了女神。

也许最初，苏雪雪并不想要变成这样，就像我最开始碰的乐器并不是吉他，可后来苏雪雪没有成为张狂的贝斯手而是成了女神，我也没有学架子鼓，而是学了吉他。这都是阴差阳错，命运转折，我们都不知道哪儿出了错，便往岔路走了，―去就回不了头。

苏雪雪和杨希都可以用他们的努力去改变他们的生活，他们能够双腿奔跑，稍―使劲就能跑得够远，而我就算暴走，也只能被抛在最后。

你我都知道，结局最好是这样

有件事，我没有告诉苏雪雪的。那就是杨希其实也是喜欢我的，高中她就说过了。

有天，我在她教室下面练吉他，她打开窗，在二楼冲我喊：“喂，范毅，我知道是你，你要是再给我弹一曲，我就喜欢你，好不好？”

杨希的话口下到我了，我想动手指，可我的腿先于我的手作出反应，我又逃走了。

但欠下的总是要还的，多年以后，我还是给她弹了那一曲，与她告别，送她离开。在火车站，杨希并不是什么都没说，她拥抱我的时候，脸埋在我的肩窝，泪水打湿了我的脖子，嗡嗡的声音就像很多年前的阿妈。

她说，小王子，我还是喜欢你的，但你总是逃跑，我不能再等你停下了。

我很想哭，也想开口挽留，可我最终还是推开了她。因为我不知道我将来会在哪里，不管是哪里我都无法带她去。她有两条腿，可以走出国门，跑到天际。而我身有残疾，不管她嫌不嫌弃，我都无法接受这样的自己。

三个月之后，苏雪雪来跟我道别，她要去美国做交换生。

篇12

关键词： 奥尔夫教学法 儿童双语教育 应用性

一

教育是我国发展中不可或缺的部分。只有采用有效的教育方式，才能使国家更加繁荣昌盛。但原先我国的“教学方法多以句型训练、语法翻译、以汉语来讲英语的字母、单词、句子的老一套为主，教学趣味性差，不太适合幼儿的身心发展水平和特点，所以教学效果欠佳”[1]。目前，中国正大规模地推广一种新式的音乐教学方式——“奥尔夫音乐教学法”，该方式将枯燥的音乐教育音乐化、情景化，能极大程度地激发儿童的潜能，开发儿童的右脑，同时提升儿童的学习兴趣，旨在寓教于乐。奥尔夫音乐教育法是音乐教育的主流，可以说这是一种十分成熟的创造性教学方式。前人的研究表明，幼儿英语教育音乐化是可行的，能够广泛地培养孩子们学习英语的兴趣和英语语音的敏感度，但并没有明确地应用“奥尔夫音乐教学法”。我将该教学方式应用于儿童英语教学，实践后取得了异常出色的效果和成绩，有效解决了英语教育中存在的问题，认为适合在中国大范围推广。我主要探讨奥尔夫音乐教育法在英语早期习得中的作用，以及把奥尔夫教育中的优势运用到儿童英语早教中去。

儿童双语教育被认为是能启发儿童，开发儿童智力，帮助儿童树立另一种世界观，最终儿童成长为国际性人才的有效教育手段。而如何让孩子们习得英语也是我国一直在摸索的。国内儿童双语教育市场各式各样，有中国教师主持，亦有外国教师主持；有各类兴趣班，亦有各类辅导班；有亲子教育，还有家教式教育。但林林总总的教育方式普遍存在着英语环境严重缺失、语音标准化困难、母语控制强、儿童兴趣缺乏及“哑巴”英语等问题，这些问题正在挫伤儿童学习英语的兴趣和热情，使得很多儿童得不到很好的教育。反思我国儿童英语教育的现状，总的来说，无非是两类形式。其一，过于强调语言习得。部分教育模式仍长期使用以单词、老师上课一字一句解析学习英语的陈旧模式，忽视了学生对英语及音乐的热情和环境对他们学习的影响，忽视学生在通过游戏音乐学习英语的兴趣及吸收的能力。其二，过于强调兴趣培养。我国音乐教育传统模式是单纯地教唱英语，强调音乐性，缺失音乐的律动性、情境性。学生主要是模仿着老师的发音等，很被动。这类教育短期内，学生有一定的兴趣，但长期则无法提高语言习得能力，即学生只是简单地学会唱英文歌而已。这样单一的兴趣培养因为语言习得的缺失而丧失了长效性。在这两类教育中，更具有负面影响的是，无论家长还是教师均一味地追求出成绩，严厉地对待学生，若学生不能达到期望就将受到不公平的对待。由于每个人在学习能力方面有着很大差异，就我国原有的课程目标来说，总会有一部分学生离老师的预期目标很远，于是他们自然对英语教学敬而远之，教师也无能为力。这正阻碍了学生学习英语的步伐，导致每个人都学过英语却一直停留在初期阶段。

二

“奥尔夫音乐教学法”是联邦德国著名音乐家卡尔·奥尔夫所创建的，是当今世界最著名、影响最广泛的三大音乐教育体系之一。奥尔夫认为表达思想和情绪，是人类的本能欲望，并通过语言、歌唱（含乐器演奏）、舞蹈等形式自然地流露，这是人原本固有的能力。音乐教育的首要任务是不断地启发和提升这种本能的表现力，而完全获得知识则不是追求的最终目标。奥尔夫音乐教育的核心是“元素性”音乐教育，“元素性”包含了音乐的入门各要素，又包含音乐作为一个人自生生态平衡、人格全面发展的不可缺的因素这一重要原则。[2]在奥尔夫的音乐课堂中，孩子们有机会进入丰富的艺术世界，音乐不再是旋律和节奏，而是儿歌等不同艺术形式的有趣的游戏。他们可能在老师的引导下去关注特定的一个声源，去倾听、辨别、想象来自生活和自然界的不同声音。“奥尔夫音乐教学法”是一个非常独特的音乐教育体系。它与传统的教育方法完全不相同，因为这其中把音乐融入了教育中。奥尔夫特别强调的一个重要原则是要学生“动”起来学习音乐，然而，这和我国音乐教学有很大的出入。卡尔·奥尔夫指出：学生在学习中必须动脑、动手、动脚，全身心地感受和表现音乐。课堂上，教师的音乐引导会让学生沉浸在欢乐的游戏中，他们不知不觉地接受着英语氛围的熏陶。“奥尔夫音乐教育”的重点在于让小朋友们在音乐游戏中无意识地学习英语。这不仅不会让他们对学习有不开心的印象，反而会使他们的学习效率提高不少，培养孩子的认知、体格及语言能力、韵律节奏感，更重要的是能培养孩子对英语、音乐的热爱。

“幼儿感知能力发展较快，除各种音程外，还可听辨一些简单的和弦；可以记住八到十六小节的乐曲；可以完整地演唱、演奏一般的乐曲。对音乐的兴趣逐渐增大”[3]。“奥尔夫英语音乐教育法”则是将“奥尔夫音乐教育”应用于儿童英语教育之中。“并且大部分儿童的模仿能力较强，在听到一个新的句子或词之后有一个几秒中的沉默期，这之后便能基本准确地发出听到的音”[4]。这个教学方法的应用，综合考虑了儿童的生理构造、儿童心理学、二语习得等各个领域所提出的儿童英语教育存在的现状和提出的问题。在该教学方法的应用过程中，以下五点是特别需要引起教学者注意和重视的。

1.合适的音乐

根据语言习得的图式理论，奥尔夫音乐英语教学法中，首先要选取的就是节奏简单、具有重复性、耳熟能详的音乐。所以英文歌曲的选择应该为经典儿歌歌曲，歌词不必太难，只需要有几个关键词的出现就可以了。《快乐游戏》这本教材即具有以上特点。教材中的英文歌曲音乐动听，层次分明，在美国风行几十年，家喻户晓。在一遍一遍重复的音乐下，孩子会不自觉地跟着节奏拍手，会跟着音乐哼唱。儿童的学习能力是无法忽视的，只要他们重复几遍就可以完全记住音乐的旋律。旋律熟悉后，英文的词汇和句子马上就会习得。

2.相符的游戏

“对于幼儿来说，玩耍和游戏都是他们积累知识和发展能力的重要方式。在玩耍中快乐成长，在游戏中增长知识和能力”[5]。如果孩子没有学习兴趣，就没法真正融入英语学习中。“奥尔夫音乐教育”不仅强调好的音乐，更强调好音乐的参与性，即游戏和情景。因此，在教学之前，应设计好本次与音乐相符的游戏动作。比如一首简单的英文歌曲《Follow Me》，可以设计了七个动作（包括拍手、小花、兔子、翻手腕等），让小朋友一边哼唱一边跟着做动作。这些动作都是比较简单的，在平时小朋友们上幼儿园的时候也会接触到。一开始只有手或者脚的动作，一会以后换成难度稍大一点的手脚并用的动作。游戏中，大多数小朋友可以在几次重复之后一边唱一边跟着老师做动作并且在重复的单词“follow me”上声音比较清晰明亮，从而使他们在游戏中明白“follow me”的意思。

3.变化

儿童注意力集中问题也是儿童教育中一个很难攻克的课题。在“奥尔夫音乐教育”中，变化是吸引儿童注意力的一个有效方法。儿童的注意力大概只能集中半个多小时。一旦教学时间过长，孩子就会坐不住，并且可能使教学场面变得混乱。所以在教学之前，必须让小朋友们做好各项准备，比如上好厕所，尽量中途不出现各种突发状况。一旦中途停止教学很有可能会无法再次上课。音乐虽然可以吸引他们，但重复会让他们觉得乏味。而在教学过程中，不同的游戏和情景启发则是能吸引孩子注意力的有效手段。

4.重复回忆

古人云：“温故而知新。”无疑，这在儿童教育中起着至关重要的作用。好的复习是非常必要的。在每次上课前及上课后都应重复弹奏一下以前学过的歌曲。小朋友们一听到熟悉的音乐就会自觉地唱起来，这不仅可以让学过的英语单词更加牢记，还能帮助小朋友们纠正可能错误的发音。在一次一次的重复中，小朋友们可以不用音乐起调就自己唱出歌来，这时就可以不再重复前面的歌曲了。

5.乐器

现在国内英语教育正在大力宣传“多媒体”设备，强调电脑、电视、触摸屏的应用，甚至在很多教学中，大家都是直接放录音，但有些设备播放的歌曲模糊，反而对孩子造成错误的指导。这样的教育手段完全不符合“奥尔夫音乐教育”的宗旨。电子设备的应用固然有其优势，但恰恰是儿童心理所不喜爱的。儿童喜爱可以直接触摸到的、能自己实践的教具，所以在“奥尔夫英语音乐教育”的实践过程中，我们选择用钢琴或者吉他来伴奏。这样一来，好处显而易见。其一，音乐不会失真。儿童的音乐分辨能力得到提高。其二，儿童的参与性提高。孩子们能直观地看到老师弹琴的样子，对音乐表现出很大的兴趣。老师甚至可以鼓励孩子进行触摸弹奏，同时强化教学内容。其三，因材施教。器乐教学方式是真正考虑到儿童习得能力的一种方式。在实际操作中，速度得到控制，并随时根据孩子的习得程度进行调节。孩子们在学习的过程中压力大大减少，能轻松地跟上老师的节奏。

在实践教学中，这种独特的教学方式对改变我国儿童英语教育的现状及我国教育长期以来以知识传授为主的缺乏兴趣培养的英语教学的状态大有裨益。音乐是属于右脑习得记忆的，英语却是左脑记忆，右脑记忆很早就是公认的最佳记忆。“奥尔夫英语音乐教育法”正是利用了人类的生理习得功能，同时结合语言习得教学法、儿童心理学等，旨在让孩子在轻松愉悦地环境下进行有效的二语习得。

参考文献：

[1]廖道胜.论中国幼儿英语教育史[J].陕西师范大学学报（哲学社会科学版），2002（S3）.

[2]刘云松.浅谈对奥尔夫音乐教育理论的认识[J].遵义师范学院学报，2004（04）.

[3]王丽红.儿童音乐心理学浅说[J].大舞台（双月号），2008（02）.

[4]张晓晴.当前中国儿童二语习得现状[D].哈尔滨理工大学，2008.

篇13

一、声音制作类谶程的教学定位

    在哈尔滨工业大学广告学本科专业新的教学体系里，将培养优秀的数字媒体广告人才定为教学h标,非常注重实践教学^声音类课程包括《基本乐理》、《录音设备与软件应用》、《音乐概论》、《视听语言》、《影视录音》和《影视录音课程设计》等六门,其中《基本乐理》、《音乐概论》、《视听语言》偏重录音艺术的知识传授与欣赏，《录音设备与软件应用》、《影视录裔》、《影视录音课程设计》侧重声音制作技术。

声音制作类课程特点是实践性强，对《广告形象设计》、《影视合成技术》等后续的课程的学习可以起到铺垫作用，也为学生毕业实习及日后从事实际工作，在声音制作方面打好坚实的基础。因此,我们把教学目标定为让学生通过本系列课程的学习，分阶段地掌握录音理论知识，培养基本的声音制作实践能力和录音艺术思维。

二、声音系列课程改革方法概述

(一）建立课程体系，明确,制作炎课杩之间的关系

三门课程之间的关系是递进式的，《录音设备与软件应用》是一门以实践为主的小课，讲授录音设备和录音软件基本的操作。《影视录音》是系列课程的核心，系统性地讲授录音专业知识，同时也为后续的《影视录音课程设计》实践教学打好基础,，《影视录音课程设计》是让学生利用一周时间，制作一部影视广告片，以声音制作为主题,突出录音技术与录音艺术，是所有声音类课程的最终目的地。

(二)结合原则

1.传统知识的教学与新技术结合.教学内容与时俱进，不断更新内容，反映当代录音技术发展最新成果和录音艺术的新观点P

2. 教学与教师科研、实践相结合，课堂上讲授教师亲身参与制作的各类影视、广告作品，有说服力；同时增加互动性，让学生参与到教学中.教学相长。在实验环节增加趣味性，让学生感觉到录音知识不再枯燥尤味。另外,还将教师的最新科研课题加入到实验内容里，师生共同探讨,学习进步。

3. 知识讲授4现代信息手段相结合,通过影视剧、视频、歌曲、照片等各种资料的搜集，在课堂上呈现给学生，加深其对专业知识的理解，也活跃了课堂气氛，提高教学效果学以致用，把专业知识教学向课外实践延伸鼓励学生更多地参与社会实践.

三、教学改革的内容与实施

(一）深令教学

1. 《录音设备弓软件应用》的课堂教学4学时，仅作简要的入门介绍，把主要内容放在实验中。

2. 《影视录音》课程的课堂讲授共30学时，内容包括录音基础知识、录音技巧和录音工艺三大部分。

为避免学生感觉枯燥乏味，我们列举大量实例，极大地提高了学生的学习兴趣和学习热情我们考虑到广告学专业的特点，以《影视声音艺术与制作》这本书作为参考教材,在讲课中删去了一些较为抽象旦与本专业较远的内玆，缩减了部分纷繁复杂、难以理解而又实用性不强的内容，使授课变得更加精练，学生容易理解：同时，补充了“电视广告录音制作”等实用性和针对性内容S外我们_f业特点,增加实贱性内容,合理运用案例教学、项目模拟教学等方法，讲述我们参与过的大量影视.广告作品的制作过程。例如,在讲述“电影录音1:艺”和“电视录音工艺"这两个章节时，我们以在我校校园_摄的电影、电视剧、专题片为例，运用成片及现场的录像、照片等素材，讲授录音专业知识和作品制作流程,使学生感觉比较亲切,容易接受.在增补的“电视广告录音制作”一节中.我们将参与制作的不同类型的广告展示给学生，并加以讲解分析，使学生深人了解电视广告录音制作的工艺流程，同时与学生在课堂tl直接进行互动沟通，一起进行讨论，取得了很好的效果。

3. 《影视录音课程设计》,为了使课程设计具有可操作性，我们将课程设计分成了三个阶段，即课程设计的准备阶段、展开阶段和验收阶段。在课堂上为学生布置任务，让学生认识到课程设计的费要性，为同学们解释明确课程设计的目的、意义、方法步骤、设计思路和考评指标，并找出前几届课程设计中的优秀作品，进行演示说明,使学生明确目标，心里有底。

(二)实验教卞的实拖

实验教学是理论教学的良好补充:^

1.录音设备与软件应用:实验为11学时,共分为3个实验项目，分别是录音设备的连接与使用，单轨音频编辑软件SoUndforge的简单操作和多轨音频编辑软件Vegan的简单操作，录音设备的连接与使用使学生r解录音设备的基本功能，对其有一个初步的认识;通过两个软件的学习，培养学生的学习兴趣，提高声音后期处理的能力。

2.《影视录音》课程的实验为15学时，共分为3个实验项目，分别是影视作品欣S：与声音分析、影视录音节目制作和影视录音软操作与合成制作，都楚综合性实验，注重培养学生的综合素质能力。

(1) 第一个实验“影视作品欣赏与声音分析”，3学时。我们选用了大量的影视广告作品作为学生实验的素材，让每个学生运用所学知识，通过欣赏作品,从艺术和技术的角度完成对《影视录音》课程知识点的理解。实验包括广告片声音分析和改写某一部电视广告片两部分内容、广告片声音分析是让学生欣赏各类经典的广告作品，从中分析声音的特点，锻炼学生的声音鉴別能力；改写某一部电视广告片，则是运用“还原法”，将告中的声音关闭，由学生重新为其设计语言、音乐、t响这云个要岽，其s的是锻炼学生的声音设计能力。

(2) 第V个实验“影视录音节H制作”学时。在录音工程实验室，主要完成“音乐录音”、“电视广告配音”等几部分内容，要求学生完成实验并绘出设备连接图首先.在录音棚中，一部分学生使用电子琴、鼓、吉他、萨克斯、长笛等乐器,模拟乐队进行演奏，另外一部分设置传声器(话简），通过电缆连接到数字调音台，通过改变传声器的位置，改变音乐的录制效果，操作调音台、硬盘录音机以及其他周边设备，对音乐进行多轨录音的。通过实验，使学生对《影视录音》课程中音乐录音这一难点能够有更好的理解“电视广告配音”釆取传统的手动编辑配音和运用音频!：.作站，操作多轨录音软件这两种形式，实现同样的功能,让学生比较二者之间的匾別-

(3)第4个实验“影视录音软件操作'6学时我们在机房安装rAudition,NuenHo和Samplitude2496等三个专业录音软件.还提供了学生在录音棚录制的部分语言歌曲及各类音乐、音效素材作为学生实验的素材。由于Audi¬tion软件较容易掌握，以它为主进行系统讲授，让学生通过练习，了解基本的使用操作要领，学会混响延时、均衡、动态范围、镶边、变速等基本特效操作,掌握多轨合成缩混的基本要领b

(三）考这形式的改革

为全面推进素质教育，改变“一卷定终身”的做法，我们对考试形式做出了改革

1. 《录裔设备与软件应用》：实验课成绩占30%，利用实验室设备，自己动手录制，在汁算机上用所学录音软件进行后期制作，最后制作一部30秒的手机彩铃，占总成绩的70%p

2. 《影视录音》总成绩由以下〔部分组成：

(1) 课程论文:主要是考奄学生是否实现了应有的功能，是荇达到了学习的目标，满分10分。

(2) 实验:主要是考查学生的自主学习能力、创新能力、团队协作能力以及：£作学习态度等，满分20分「.

(3) 期末笔试：试卷满分70分，其中选择题、填空题20分，主要考査学生对基础知识的掌握；简答题20分，主要考查学生对重点知识的掌握；应用题30分，重点考査学生的实际能力.题型结合实际,非常灵活,使学生无从押题，避免了死记硬背。

3.《影视录音》课程设计:通过--周的制作，学生完成设计任务。教师采取答辩形式，让学生展示课程设计作品，并阐述课程设计实施过程、体会及对课程设计的总结，教师对每个学生做出正确的评定。评定从结果性和过程性两方面人手，由两至三名教师依据工作态度，文件规范、业务能力、完成情况、艺术感觉、答辩表现等指标进行打分，取平均分，结果较为合现,，

四、教学改革成果

我们经过多年的改革实践，取得了昆著教学成效:我们申报成功了校“十一五规划教材"《录音技术实验》并于2010年出版，申报成功两项2010年学校教学研究项目，在《现代教育技术》等核心期刊撰写了多篇相关论文。不仅如此，我们还利用课外实践的机会.鼓励学生积极参与各种形式的竞赛，发挥本专业的特点，把学到的知识加以应用。在历届全国大学生广告艺术大赛中，我们指导学生制作的广告作品均有突出表现.2004级常润芳等同学制作的网络广告《左脑右脑》获第二屈大赛全国优秀奖；2005级兰云、程啸峰同学制作的《诺基亚手机——音乐让我说》广播广告获第二届大赛全国优秀奖以及黑龙江赛区三等奖，2007级戴运怡同学的《雀巢咖啡》广播广告获第三届大赛黑龙江赛区三等奖。2010级硕士栾慧勇等同学的广播广街《好想你枣片》获第四届大赛全国优秀奖。

五、结语

篇14

近来，B-Box与阿卡贝拉音乐受到青少年的热烈追捧，这与他们对学校合唱教学的淡漠和抵触形成巨大反差。为什么同样是多声部的音乐活动，一个如此受青睐，一个如此受冷落呢？

1.从青少年的生理心理特征入手寻找原因

对于初中生来说，青春期是他们的心理断乳时期，他们的情感、情绪逐渐丰富，集体感、友谊感逐步增强，他们害怕被孤立，渴望充分融入集体中，更多地愿意与同伴一起交流、活动。所以当某种事物被大多数同伴接受时，其他人也会跟着接受。单独表演不够自信的他们，更喜欢以小组方式参与音乐实践活动，个人的成就感在群体中得到认可的同时，也与同伴进行着思想、情感的交流，让他们得到很大的自信和满足感。对于陈旧、单一、重复、枯燥乏味、缺乏挑战性的事物，感到厌烦；对于过分强调知识技能、忽视审美感受的训练，相当反感。但同时对于新事物却充满了热心和好奇，极具探究精神，所以他们对音乐的兴趣取向也表现得多样性、多元化，渴望自主地感受、体验、享受音乐。

2.从B-Box、阿卡贝拉的起源发展、风格特点入手寻找原因

B-Box是一种起源于美国，出现了十余年的新兴Hip-Hop元素，它和街舞、街球、说唱、涂鸦等成为Hip-Hop文化的一部分，发声方法类似于口技，深受青少年喜欢。

B-Box的入门学习就是比较简单的三个基本音，模仿架子鼓里的大鼓、小鼓和钹。学会这三个音后，任何节奏型都可以变着花样地打。可以和别人合作，也可以自己独立完成，挖掘个人的音乐创造能力，进行各种变化。

阿卡贝拉（A Cappella）指由中世纪教堂音乐发展出来的无伴奏人声合唱音乐，是一种不依赖乐器的人声音乐、人声敲击乐及人声BASS的结合。在这个平台上交织着其他各种人声乐器旋律，模拟吉他、大小提琴、管乐、自然界动物的声音及没有实际意义的音节等交互演奏，再加上领唱的主旋律，筑成紧密且纵横交织的多声部音乐形式。

B-Box和阿卡贝拉都是从最重要的、也最易被人感知的音乐要素——节奏入手，用人声这件世界上最美妙的“乐器”，以周围一切能发声的音源为音色，创造出让人惊叹不止的音乐。这两种音乐活动不依赖任何乐器，不受时间、空间、物质条件限制，因人的音乐水平不同，或易或难，可一人独享亦可众人齐乐，随时随地体验音乐带来的快乐。

3.从课堂合唱教学的方法入手寻找原因

初中音乐合唱教学是初中音乐教学中的一个重要教学内容，也是一个让老师们头疼的教学难点，因为合唱教学首先要求学生具备较好的歌唱能力以及其他各方面的综合音乐能力，而大多数老师往往会采用单一、重复、枯燥的训练让学生获得这些能力。

作为教师，要明白课堂合唱教学的对象是普通的大众学生，他们的音乐素质不像合唱团的学生那样高，如果照搬合唱队的训练方法和教学手段，只会让学生觉得枯燥、无趣，让学生对合唱敬而远之。

二、切入运用

B-Box与阿卡贝拉同为多声部音乐文化，可一人独乐亦可与众齐享，难度低、富有变化、创造性强，加之它们的动感，时尚、充满活力，深受青少年的喜欢，这些都是初中课堂合唱教学所需要的。尝试运用B-Box、阿卡贝拉两种音乐形式，切入到初中课堂的合唱教学中，激发学生合唱学习的兴趣，唤醒学生参与合唱的热情，享受与人合作和自己创作的快乐，可使合唱教学取得事半功倍的效果。

（一）激趣

古人云“知之者不如好之者，好之者不如乐之者”。就教育现状来说，只有蹲下来以学生的角度去看待合唱，用学生喜欢的方式接触多声部音乐活动，才能激发他们的学习兴趣和热情。以下通过两个课例片段，谈谈笔者的探索与实践。

该课目的是让学生通过一起玩多声部节奏叠加游戏，认识B-Box、阿卡贝拉两种流行音乐形式，激发学生对B-Box和阿卡贝拉的兴趣，在玩中感受到多声部音乐活动的快乐。

课例1：《友谊之歌》——认识B-Box

教学过程

1.通过学唱《友谊地久天长》体会歌曲的节奏特点，边拍节奏边唱，找规律。

2.播放娱乐节目中明星们玩B-Box叠加游戏的视频，引出B-Box。学习B-Box三个基本音：大鼓、钹、小鼓。

3.尝试用B-Box的三个基本音为歌曲伴奏，感受动感的流行合唱的魅力。

4.聆听用阿卡贝拉形式演绎的《彩云追月》，介绍阿卡贝拉，讨论歌曲中还有哪些音效比较有特色，平时不常听到。

5.课堂拓展：举行B-Box歌曲伴奏PK赛，两或三个好友组成一队，进行《友谊地久天长》歌唱人声伴奏比赛。

通过以上课例，让学生先在游戏中感受了多声音效叠加的丰富音响魅力。又通过友谊的主题，让学生们与好朋友们一起参与到B-Box音乐活动中来，培养学生在歌唱中的合作意识，让学生体验与好友一起歌唱的快乐，消除了对多声部音乐实践的不自信感，让他们的耳朵多多听到好友的声音，与自己的声音一起并肩起航，激发起他们对B-Box的兴趣。而阿卡贝拉形式《彩云追月》的欣赏，让他们更深地体会到我们人声音效伴奏的强大魅力，吸引着他们学习的欲望。

课例2：我的音乐舞台

巩固学生对多声部音效叠加游戏的兴趣，可采取学习小组的形式，8—10人为一个学习小组，分成4—5组。推选一名同学担任组长。组员们讨论：用常见的四分音符、八分音符、十六分音符节奏，让学生选择B-Box的三个基本音进行自由组合，创造属于本组特有的个性节奏，成为本组的标志性节奏口号。

教学过程

1.分组讨论设计一个拍的两小节的节奏代表本组，教师设计一个特定的节奏型作为指挥口令。

2.所有同学包括教师起立，脚左右步做节拍律动（这样能起很好地保持匀速状态），教师在念指挥口令的同时，用手指数表示接下来要展示节奏的小组，中间要求不能断。

3.指挥由教师换成学生。

4.由一组接口令逐渐增加两组、三组、四组或是五组同时接。

5.学生创编力度手势，丰富节奏游戏的音响效果。

设计意图：训练每个上来当指挥的学生全身机能的协调性：脚动、口念、手指、眼观、耳听、心想；训练台下学生的注意力、看指挥的习惯、与他组合作建立多声部节奏听觉，训练身体的律动感。

在此基础上发展游戏的深度和广度：例如增加新节奏型：前八后十六、前十六后八、附点节奏、切分节奏等；创编两小节到三小节、四小节，甚至更长的节奏型。本组成员讨论决定，新节奏型加入的位置，并配上 B-Box音效。

设计意图：增加节奏长度来考验学生的记忆能力，循序渐进增加难度，多声部的节奏音响效果更加丰满，增强学生的多声部听觉和身体节奏感。

从简单的节奏与B-Box基本音效入手，从个人初次模仿到同学之间合作，再到小组与小组合作，在游戏中建立学生的多声部听觉，在不断深入的游戏中强化了学生多方位感知能力。这个游戏在每节课前五分钟进行，每节课后都要布置下期站在台上指挥的学生，要求每个上来指挥的学生都进行自我评价，教师即时表扬认可，指出不足。

（二）享趣

新奇的事物能引起学生短暂的注意，如果只是重复的、单一的、没有深入的多样化学习，只会让学生的兴趣如风中的蜡烛，悄然无声地熄灭。如何让学生在学习B-Box、阿卡贝拉中保持兴趣，继而发展成为稳定的兴趣爱好呢？那就得让他们在玩中体验到多声部音乐活动的美，在玩中享受与他人合作的快乐，在玩中享受创新音乐的乐趣，在玩中享受音乐实践带来的成功感，在玩中慢慢消除对多声部音乐活动的害怕、恐慌心理；创设一种音乐活动让学生的才能得到他人认同和赞赏，学习的兴趣得到稳定，持久；培养学生多层次的“立体”听觉习惯，从而降低学生参与合唱的难度，用自己喜欢的方式参与合唱，在发扬学生音乐个性的同时，又让学生认识、体验了合唱的魅力。以下举例的各种玩法多是与学生们一起探讨、挖掘，同时仍在不断总结、不断地创新。

玩法一：玩各类音效主题

厨房大荟萃篇：

海岛晨曲篇：

此外还有，交通高峰篇、古诗词篇、自然生灵篇、校园进行时等等，不借助道具，只用“身体”这件乐器做音效，借助不同的节奏型、不同的音效、创编符合各个主题的简短旋律，再现各主题的场景。这个活动充分开发学生的音乐想象力，培养了学生的多声部听觉能力，关注与他人的密切配合，训练了学生注意力的高度集中。

玩法二：精心挑选每节适合B-Box、阿卡贝拉风格的课，做好此风格的合唱编曲。

如《天山之春》、《青春舞曲》、《游击队之歌》、《踏雪寻梅》、《友谊地久天长》等歌曲均可做此类风格的合唱编曲。选择歌曲时，注意旋律尽量不要太复杂，曲式较为简单些。作为初次接触B-Box和阿卡贝拉风格的学生来说，难度较高往往会让他们体验不到成功的喜悦和审美的满足。

在为歌曲伴奏之前，先把学生分组：节奏1组、节奏2组、节奏3组、歌唱组、伴唱组，依次加入为歌曲伴奏，体验团队的合作精神。再由组之间的合作变成小组内个人之间的合作，由易到难循序渐进。在人声打击乐B-Box为歌曲伴奏之后，尝试加入非实义音节的简单的和声伴唱，让学生体验和声加入的流畅感和歌曲伴奏的饱满感。学生体会到伴奏音效的不同会给歌曲风格带来转变的同时，也增加了学生对多元音乐风格创作中，音乐要素在其中所起作用的直接体验。下面将两种玩法综合在同一课例中来具体说明。

课例：《多彩绽放，魅力青春——〈青春舞曲〉的阿卡贝拉演绎》

教学目标

1.在学习阿卡贝拉的活动中，消除学生对多声部歌唱作品的害怕心理，感受多声部作品的音乐魅力，让学生能随时随地享受与人合作的多声部歌唱的快乐。

2.在认识阿卡贝拉以及对《青春舞曲》的阿卡贝拉风格的初步接触、模仿、演绎的过程中，以组组合作、生生合作的方法，培养学生对多声部听觉的敏锐性，提高学生间的歌曲纵向合作能力。

3.聆听不同风格的《青春舞曲》，使学生明白音乐元素在音乐作品风格中的作用，并愿意对歌曲进行二度创作。在学习阿卡贝拉的活动中，激发学生寻找身边音效的兴趣，能为我所用，并愿意更深入地去了解和学习。

教学过程

1.歌曲风格大串烧

教师播放剪辑作品《青春舞曲》，请同学们仔细聆听，体会更喜欢哪种风格，并说说喜欢的原因。教师总结，并归纳风格变化是如何体现在速度、力度、音色、节奏、后期的音效处理等方面的。

设计意图：让学生感受音乐元素在音乐作品风格中的重要作用。

2.复唱《青春舞曲》

1）用“La”哼唱歌曲后，教师出示歌词带领学生演唱，通过手势帮助学生调整歌唱状态：OK的手势，“三起来”（嘴角翘起来，眼睛亮起来，眉毛扬起来），用轻松、饱满的声音演唱歌曲。

2）演唱风格的尝试。教师用指挥手势让学生演唱歌曲，集体尝试速度的变化，还可以请个别学生尝试在节奏上变化。

设计意图：让学生自己也进行简单的尝试，体会改变速度、节奏带来的情绪与风格的不同。

3）播放教师自己录的一段《青春舞曲》的阿卡贝拉视频：一个人玩阿卡贝拉。

师：谁知道老师这种风格？

学生仔细聆听，说说此风格，引出阿卡贝拉。

设计意图：引出阿卡贝拉，激发学生的好奇心。

3.一起来玩阿卡贝拉

1）阿卡贝拉的简介

师：什么是阿卡贝拉？阿卡贝拉怎么玩呢？（展示一段阿卡贝拉的视频介绍，学生观看视频，用自己的话概括阿卡贝拉的定义）

2）再次播放教师作品

师：仔细聆听，听出里面都藏了几个不同的伴奏声部。请依次找出来，并尝试把它念出或是唱出来。

设计意图：训练学生聆听习惯，提高耳朵对多声部作品的敏锐性。了解阿卡贝拉各伴奏声部的组合。

教师结合歌曲乐谱，依次出示《青春舞曲》各声部的伴奏谱。学生集体学习各声部的伴奏。注意每声部的难点，进行练习。

各声部学习要点：BASS声部发音位置低，注意口腔与鼻腔是放松、打开的状态；架子鼓（B-Box）声部要特别注意K鼓的发音，往里吸气时发此音；口技声部注意附点节奏；人声伴唱注意音准，特别在反复记号部分的人声伴唱音准，两次结尾的不同。

在模仿各声部中让学生明白，阿卡贝拉编曲时要注意的事项：音区的高低；节奏的错位变化；伴唱的音如何找。

设计意图：入门学习的第一步是难度适当的模仿。通过分解学习难度，让学生了解此风格的几个重要组成部分。

3）学生模仿各声部进行初步尝试

将学生按声部分组，每一组选择一条伴奏进行小组学习。组内自行讨论，确定一个打节拍的首领。组内练习后可进行小组间合作，此时教师需注意BASS声部和人声伴唱声部的音准方面，在巡视时要多作指导。进行合作时，教师需做好速度提示，并给予手势提醒五个小组依次加入，完成初次合作。小组间合作后还可以请每组派组员出来合作。此时需注意每个声部进入后，要保持好速度的统一。

此外，还可以组织学生观看外国阿卡贝拉团队的演绎，拓展学生视野，给予启示。请学生去寻找身边的音效，小组内完成此曲的阿卡贝拉，进行展示。

4.小结

师：你在这节课上学到了什么？为什么会让你开心？（学生畅所欲言）

学生在这节课上，体会了阿卡贝拉的巨大魅力，感受到自己和同伴一起也能为歌曲伴奏，居然比伴奏带还要好听，从审美上得到了成功的体验。得到成就感的他们更有动力去尝试，愿意与他人合作，延伸到其他作品的创编上。

在学习B-Box和阿卡贝拉过程中不难发现，学生需要的是快乐愉悦的多声部合作体验。为了不让合唱基本能力的提高陷入枯燥的技术操练中，实施时应注重活动的情境性、方法趣味性和学生的主动性。让学生能在“玩中学、乐中学”，进行轻松快乐的有效训练，享受B-Box、阿卡贝拉带来的快乐体验，让学生入其境、知其味、乐在其中，享受合作和创造的乐趣，在赞许、认可的快乐中，唤醒每个学生参与音乐实践的热情。

（三）延趣

俗话说：“万丈高楼平地起”。随着对B-Box、阿卡贝拉的深入接触，学生对多声部音乐活动从恐慌到不紧张，再到从容应对、快乐参与，对课堂合唱参与度也提高许多，这个转变不可能“一蹴而就”，它需要一个有的放矢、循序渐进的长期培养过程。这需要老师认真对待每一节课乃至每一个教学环节，长期不懈地对学生的音乐能力进行培养，丰富课堂合唱教学的形式和手段，增强课堂合唱训练的趣味和愉悦体验。学生对B-Box、阿卡贝拉的兴趣通过不断的学习刺激、强化，成为持久、稳定的音乐兴趣后，他们对多声部活动的喜爱就不仅仅表现在音乐课堂上，这种学习会延伸至课外，延伸至生活中，学生会自发地去搜集、聆听相关的音乐作品，并产生强大的学习动力。

时下网络上有不少高水准的阿卡贝拉清唱团的演出视频，曲目类型丰富，从清新自然的校园歌曲到动感流行的经典歌曲，从专业团队的演出到经典广告歌曲的演绎，阿卡贝拉无不演绎着人声音乐的合唱魅力，如炫声乐团（Dazzle Voice）、壮声人声乐团（Strong Voices）等一些知名的阿卡贝拉人声清唱乐团。

通过欣赏，激起学生更加深入学习的欲望，由原先的节奏叠加到简单的和声伴唱加入，由一组的节奏加入变为二组、三组不同节奏音效的加入，让学生把自己的演唱自然地融入歌曲中，培养学生的和声听觉，让学生对多声部的融入不再有“惧怕感”。在《青春舞曲》阿卡贝拉风编曲合唱中，同学生进行了小小的难度尝试：从三声部的单节奏伴唱，发展到六声部和声加入的伴唱，虽然不及视频上那些清唱团的完美表演，但学生的歌唱热情空前高涨，强烈地体验到阿卡贝拉的合唱魅力。通过课堂中的学习，学生在聆听中认识了平时很少用来歌唱的音效，丰富了他们的合唱音响来源，为他们开创了一个无界的音乐音效联想空间。

有句话说得好：没有做不到，就怕想不到。课堂上的点滴学习已经不能满足学生对于B-Box、阿卡贝拉的渴求了，学生自发地在课外找资料、收视频、组团队去学习。学生课外的音乐探讨也由单一横向的音乐作品，慢慢地拓展为对纵向音乐作品给予关注。他们或三五个好友聚集一起，用自己喜欢的方式为歌曲做和声伴奏，或相互推荐聆听歌曲；他们在合唱艺术的殿堂里快乐地翱翔，随时随地的享受音乐实践带来的快乐，并用自己喜欢的方式去参与体验，延伸了对多声部音乐活动的热爱。