常见的平面设计风格精选(十四篇)

序言：作为思想的载体和知识的探索者，写作是一种独特的艺术，我们为您准备了不同风格的14篇常见的平面设计风格，期待它们能激发您的灵感。

篇1

一、简单阐述各个时期版式设计的特点

版式设计在不同的社会时期，受不同的文化、艺术、流派风格的影响，有了不同的设计风格特点.中国最早期的版式设计是采用直排的文字，平面的插图，文字与图像结合，主要体现在印刷的佛经上面.西方中世纪时期，平面设计主要代表就是手工书写和宗教的书籍上，受工艺美术运动的影响，当时注重手工艺，版式设计推崇的是古朴自然的设计风格，到后来新艺术运动的来临，开始有装饰性的理念的注入，在版式编排上，开始趋于简洁的几何图形平面化的处理.二十世纪以来，美国、欧洲、德国、日本的版式设计发展迅速.

自十九世纪工业革命运动时期版式设计的核心人物威廉姆•莫里斯开始，从他所开始极力推崇展示版式设计之美的生活与艺术相融合的设计原则，到表现人类内心情感的德国表现主义版式设计，从强化内容要素的波谱艺术到进入极限抽象意境的版式设计的流行，版式设计将理念用于设计实践中，这个时期的设计风格基本上是杂乱无章的，版面中的设计元素非常随性的编排来突出一种视觉效果.

早期出现的现代主义强调形式语言的美感与表达，经过后现代主义的改良，带有装饰性和历史性的设计加入到平面设计中，即传达了信息又增加了趣味性.发展至今，科技的发达对平面设计又推进一步，现代的编排设计主要是利用电脑软件来进行设计制作. 互联网的发展，不仅是平面设计的工具更加简便，信息传达的快速，使各种设计风格相互交流，并且融合，使画面更加美观，形式多样.版式设计的风格、形式也越来越呈现多样化，不同的设计理念，形成不同的设计风格，版式设计也随着时代的潮流不断的变化发展着，现代版式设计不仅是为了方便读者阅读大量信息，也可提供品味、欣赏、收藏，是具有独立文化艺术价值的实体存在.

二、版式设计的规律和一些小原则

1.确立主题

平面设计版面中，往往有大量的视觉设计元素，想要清晰、明确的表达出主题，首先就要确定主题思想内容.版面设计中要突出主题，就不能将所有的设计元素设计成一样的均衡，或者色彩，或者形式上要有所变化，强调出个性.

2. 相类似的元素或者内容要注意归类

设计画面中，为清楚的表达意图，将信息准确的传递，图片与文字的解释说明势必要放在一起，设计过程中就要有意识的将同类信息放置在同意片区域内，不同类的元素也不易过多，太多则显得杂乱.

3. 关键信息的提示

如果设计一张视觉元素过多的宣传单，主题确立，各类信息也分区域编排妥当，在其中，也可适当的对重要的信息内容作个提示.比如图片可采取不同的形状剪裁，周边突出的形状加以鲜明的色彩.文字可采取放大字体，或者变换字体的方式，造成不一样的视觉效果，增强视觉冲击力.

4.版式设计也要有草图辅助

在进行版式设计的时候，不要忽视草图的作用，通过草图，可以使设计者拥有更大的想象发挥的空间，产生更多一些的灵感，使画面更加富有新意和活力.在草图上不断的写写画画，想到的任何创意都可画在草图上，对于设计者来说，不管是哪方面的设计，有这样的一个习惯是非常有益处的，在草图中能够不断的有创新，形成自己的设计风格和特点.

5.对设计草图的提炼

设计草图中，必须要去掉一部分相对较差的创想，选取最适合将要进行设计的版面样式，要更深一步的研究画面中的缺点和不足之处，优化版面设计方案.

总之，版式设计就是让观看者在享受美感的同时，接受作者想要传达的信息.最终是使版面产生清晰的条理性，用悦目的组织来更好地突出主题，达到最佳诉求效果.

三、版式设计的作用与功能性

版式设计是形式语言的一种传达方式，它与版面中的每一个设计元素都紧密相连，成功的版式设计将平面设计中所有的视觉元素所要表达的信息清晰、明了的传递出来，用最优美的姿势演绎出设计元素所要传达的意图，使设计画面形象鲜明，主题明确.

1. 整体版面的美化

版式设计的任务之一就是将版面中的各个设计元素，包括文字、图片、色彩等进行编排设计，使整个画面达到最好的视觉效果，让欣赏者能够一眼记住设计作品，就是最成功的.

2.更加突出设计的主题

主题的突出不仅仅是设计元素的任务，版面的编排也起到非常重要的作用.要将画面设计的主体物放在主要位置，作为视觉中心，造成视觉冲击力，传达主题意念.

3. 编排的形式与设计内容要统一

版面设计要求形式美，前提是要与平面设计中表达的内容思想要统一，版面要求到达的完美版式，要与主题相互呼应.赏心悦目的排版形式能够更好的达成诉求效果.版式设计主要的一个目的是将信息更好的传递给客户或者是消费者，并且使消费者非常清晰的了解眼球所接受的内容和信息.版式设计的功能还体现在，使版面更加优美，变得有节奏和韵律，画面轻松和谐，以一种有效合理的方式展现出内容的主题思想，吸引观众的注意力，使接受者能够一目了然，有一种轻松自在的感觉，了解传播的内容，才是版面设计最终所要达到的.四、常见的版式编排设计类型和形式平面中版面设计的首要问题就是采用那种构图形式.它决定了版面的结构形态，不同的构图有不同的诉求效果.版面的编排和布局少有固定的模式，也不应有固定的模式，一些版面在以前看是“犯忌”的处理，但观众却都认为很有特色，甚至有特有的个人风格.也有根据版面内容需求，有意“犯规”，反而更具创新性.

篇2

关键词：平面设计；书法元素；运用；笔墨；设计；创新

书法是中华民族传统文化中独具特色的艺术表现形式。书法以笔、墨、纸、砚、绢为媒介，在相互交融、相互渗透之下，产生了独特的图案变化和肌理变化。通过笔在粗、细、方、圆的不同点画，使书法文字的艺术美感体现得更加明晰。在平面设计中，将书法元素和现代设计理念相互融合，能够使平面设计的表现形式和语言更加丰富。书法中流露出的节奏感、线条感和灵动感融汇在一起，既带有文字的内涵性，也具有图画的装饰性。在平面设计的外在装饰效果上，书法元素既具有形象性，也具有抽象性，为平面设计师展示出了别样的艺术空间。

1平面设计中书法元素的运用价值

随着经济社会的飞速发展，“时尚中国风”已经成为国际设计领域中一股新的时尚潮流，越来越多的设计师开始关注传统文化，在现代化的设计表现中尝试融入新的艺术表现形式。正所谓“民族的才是世界的”，只有有特色、有文化、有内涵的设计风格，才能被人们所认识和了解。并在全国乃至全世界得到认同。书法元素本身就是对传统文化的继承，是一项同时具备具象、抽象两种特质的艺术形态。这种双重的表现形式，促使书法艺术在人类文化发展进程中扮演了重要的角色。从根本上说，在书法艺术中所呈现出来的民族文化和表现形式，更加贴合平面设计的发展形式，这也要求广大设计工作者充分利用书法的书写、变形、夸张等不同的手法，使平面设计融入民族精神，保持长久的生命力。

2平面设计中书法元素的运用原则

在当前时代下，中西方国家对本民族的文化进行了持续的深化和创新。中国的平面设计工作更是如此。通过传统文化的融入，将平面书设计和书法艺术融合在一起，呈现出了一种别样的生命力，对具有中国特色的平面设计的魅力和审美价值产生了重要的推动作用，在运用原则上也体现出了一些发展规律。具体分析如下：

2.1书法艺术的表现形态

书法艺术之所以更加贴合平面设计的创新和发展，主要是因为在书法艺术的表现形态上，一撇、一捺都体现出了一种图案类的装饰美感。在当代国际一些较为成功的平面设计案例中，香港著名设计师靳埭强把平面设计和书法艺术结合在一起，使他的作品呈现出一种深厚的文化内涵。他主张将中国书法文化的形态当作设计图案看待，在融合文字内涵的基础上，把中国书法艺术和平面设计融合在一起，把书法供人“赏析”的价值更加形象地融进设计之中，继而使平面设计具有特殊的意义。

2.2平面艺术的思想内涵

众所周知，平面设计被广泛运用于各个领域。平面设计作品按照社会共识和大众审美理念进行了创新和解读，所以更加符合人民群众的审美需求。除了外在的审美品鉴，优秀的平面设计作品还离不开丰富、真挚、新颖的思想内涵。因此，平面艺术思想的融入，能够通过文字的编辑、组合和编排，使平面设计在现代设计中具备历史意义、社会意义和文化意义。书法艺术的应用元素众多，所具备的思想内涵也十分丰富。从最初的象形文字到甲骨文，再到隶书、篆刻和宋体，都能够使平面设计的思想更加完善，既具备传统韵味，又具有设计新意。

3平面设计中书法元素的创新运用

3.1围绕视觉艺术，注重题材创新

传统书法艺术的价值不言而喻，但是围绕平面视觉艺术，平面设计的文化内蕴也需要展开来看。书法元素本身是富有感情的，它具备丰富多彩的装饰感觉和文化气韵，这些优点和计算机中机械、冰冷的美术字有所区别。然而，平面设计中书法元素的应用并非是生搬硬套、一成不变的，而是需要针对人们的审美需求对艺术设计题材进行开拓和创新的。因此，设计师在平面设计中需要具备归纳精神和创新能力，通过对传统书法艺术的开拓，充分发挥自身的艺术优势。除了要准确地传达商品的信息，还要使平面设作品更加贴近人们的审美心理。例如，画家黄永玉在进行酒瓶设计时，为了增加“酒鬼酒”招贴文字的特性，除了在瓶身采用了麻绳、陶罐和麻布相结合的素材形式，还在包装正面“酒鬼”二字的品牌招贴设计上融入了草书的书写形式。黄永玉有意识地对“酒鬼”二字进行了变形，加入了草书的元素，而且字体一改草书的潇洒顺畅，进行了抽象和变形。用有意歪斜的字体，加入艺术字的变形技法，既体现出了酒鬼醉后写字的思想趣味，又体现除了深刻的代表性和审美性，让人们看到后产生会心一笑的效果。另外，草书的结构精简、笔画缠绵，也更加符合“酒鬼”品牌之下的飘飘欲仙的醉态质感，使产品的形象更加鲜活真实，并在整体设计结构上形成了极具个性的设计风格。

3.2融入文化思想，体现艺术和谐

平面设计中，书法元素的运用并不是凝固的，而是一种动态的设计表现手法。广大设计工作者要将传统融入平面设计中，在思想文化上吸收中华民族书法艺术的发展精髓，使平面设计更加富有思想深度。因此，在实际的设计中，设计师要注重对题材的深入挖掘，将传统书法元素中倡导的和谐、质朴、含蓄的思想融入传统文化之中，继而实现对传统文化中儒家、道家等经典文化的融合。在充分考虑平面设计中书法元素的各项因素的同时，对书法元素的比例、大小、色彩、材质进行整合，使平面招贴艺术的价值不仅仅凝固在审美角度，还体现在内在意蕴上。

3.3了解书法技法，实施选择设计

为了满足平面设计中不同的艺术特色和设计需求，设计师需要针对不同的书法元素进行创新，有选择地将字体、文字、版面结合在一起，使平面设计效果更加出乎预料，吸引大众的眼球。例如，在书法字体的应用上，最为常见的是隶书、篆书、楷书、行书等几种书写形式。在平面设计中，草书字体如行云流水，往往被运用到自由、松散的设计风格之中；楷书字体平稳踏实、规整端庄，往往更加适合一些中规中矩的设计风格中；隶书字体古朴、筋骨丰盈，因此在设计风格上给人一种雅致经典的感觉。行书动静兼具，通常被应用在浓淡相宜的笔墨设计中。在2008年北京申办的奥林匹克运动会的标志设计上，设计师在设计35个体育图标的过程中，就从书法元素中选取了“大篆”作为图形设计和平面设计的相互结合，将中华民族延续了3000多年的象形文字予以神话。特别是用竹简汉子笔体书写的“Beijing2008”，更沿袭了独特的书法意蕴，在设计理念上塑造了“去繁就简”“选择设计”的文化理念。

4结语

书法是一种实用性极强的艺术表现形式，无论是在招贴艺术、标志艺术或是其他设计门类中，书法艺术都已经成为艺术文化的发展核心。而在书法元素和平面设计的融合中，设计师需要通过一系列创新的技术手法，塑造一个较高的艺术境界。广大设计工作者要秉承与时俱进的发展态势，深刻提炼中华民族传统文化中包含的艺术情感和思想内涵。

参考文献：

［1］…殷玲玲.谈传统图形在现代设计中的表现［D］.苏州：苏州大学，2007.

篇3

“水晶宫”博览会掀起了“工艺美术”运动工业革命最早在英国完成，为了庆祝这场运动的伟大成果，维多利亚女王特意主持举办了世界上第一次世界博览会，将成果一一展示。这一世界性盛会的展览大厅是由近代著名的建筑设计大师约瑟夫•帕克斯顿设计建造的，第一次采用新型工业材料，使用钢铁与玻璃建造温室，无论在选材、造型、结构还是功能方面，都令人膛目结舌，赞叹不已，所以最终取名为“水晶宫”。它在现代设计史上具有特殊的意义。在这次展出的作品中，工业产品占了很大的比例，但是造型、功能低劣，缺乏一种从总体出发的工业品统一设计。针对这一缺点，设计师们想办法去弥补、不断地创意改进。设计师们尝试着用一些传统的装饰纹样加以设计点缀，后来又将哥特式的纹样、洛可可式的纹样用在铸铁的蒸汽机上或者金属椅子上以及纺织机器上等。由此，掀起了“工业美术”的运动。

“工艺美术”运动时的设计师及其设计风格“工艺美术”运动时期的主要设计师是威廉•莫里斯，他是最主要的代表人物，也是这场运动的奠基人，他的主要设计思想理念来自于理论思想家约翰•拉斯金。拉斯金最先看到了早期资本主义工业化生产的某些弊端，认为工业革命发展到最后的结果会破坏自然规律打破人类赖以生存的生态平衡，也会产生很多品质低劣的机械产品。一切机械化的产品他都比较抵触，传统手工业生产方式是拉斯金最推崇的。他认为最理想的生产方式应该是手工设计，设计理念与实践操作能够将产品的审美与功能完美地结合在一起。莫里斯汲取了他的思想，主张艺术与技术、审美与实用的统一，主张从自然和哥特式风格中找寻出路。他主张的设计风格具体可分为以下几点：第一，强调手工艺，明确反对机械化生产；第二，在装饰艺术上反对矫揉造作的维多利亚风格和各种古典、传统的复兴风格；第三，提倡歌德风格和其他中世纪的风格，讲究简单、朴实、功能性强；第四，主张设计纯粹、诚实，反对设计上的哗众取宠、华而不实；第五，装饰上推崇自然主义、东方装饰和东方艺术。在他的设计当中我们可以看到很多日本式的平面装饰元素，例如大量的卷草、花卉、鸟类等，有一种特殊的品味。

“新艺术”运动中的平面设计

1.“新艺术”运动的产生在英国“工艺美术”运动的带动发展下，19世纪后期，在欧洲爆发了一次设计史上的革命，这就是著名的“新艺术”运动。这次运动的发起中心是法国和比利时。这次设计史上的里程碑似的运动是当时对欧洲和美国影响相当大的一次装饰艺术运动，同时还影响到许多领域，不论是建筑、海报还是平面设计，甚至是绘画、雕塑都受到影响。新艺术运动被评论家、研究学者比喻是欧洲大陆在设计、艺术上的最后一次欧洲风格的再现，同时也是体现欧洲文化统一的运动之一。新艺术运动的目的在于解决建筑、室内装饰和产品的艺术风格等方面的问题，以便能吻合时代精神。

2.“新艺术”运动时的设计风格在欧洲各国之间，由于政治、经济、文化以及习俗等因素的不同，新艺术运动所展现的艺术风格也会有所差异。但是，总的概括来说，他们都存在着共同点，那就是曲线形风格。各种曲线及弧线的设计使得新艺术风格发挥得淋漓尽致。新艺术运动时期，主张艺术与技术相结合，倡导艺术家从事产品设计，不反对工业化；提倡自然、率真和精巧，放弃了对传统装饰风格的参照，转而采用自然中的一些装饰因素，用流动的线条形态和蜿蜒交织的分割来隐喻和象征大自然生命的活力。设计风格中展现了大自然的元素，直线与平面是用自然界不常见的，多将曲线运用在装饰上，完美地呈现出大自然中花草树木形态的曲线装饰。它的设计风格体现出一种引人憧憬、幻想的特色，常常采用流水、花草、孔雀、身姿婀娜的少女等元素，能够自然地呈现出优雅婉约的情调，并能够完美地将其运用到的曲线符号中，有着形象生动的唯美意向。

“工艺美术”运动与“新艺术”运动对现代平面设计的影响

著名的法国平面设计大师——朱里斯•谢列特和尤金•格拉谢特两位设计师成功地推动了设计业一次变革，两位大师巧妙地将平面设计从维多利亚风格推向了崭新的设计时代之“新艺术”设计风格。在平面设计领域一次重大的事件莫过于1881年法国政府放宽和废止了一些宣传海报的发行、宣传方式，在法国除了神圣的教堂和政府宣传栏以外都可以合法的张贴和宣传。正是这次政府行政法规的制定导致了法国甚至是整个欧洲设计业一次重大的变革，掀起了一阵海报、宣传贴标的设计热。艺术从此在法国无处不在，从街头到小巷都成了艺术的天堂，因此许多艺术家们驻足于艺术领域，对于进行商业艺术设计再也不感到是低人一等的事情了。人们对艺术的追求已经是涉足到欧洲的各个行业。在英国发起的“工艺美术”运动为商业美术打下了坚实的根基，法国许多设计师们在新的环境之下开始从事大量的商业美术设计。这一现象也极大地推动了“工艺美术”运动的蓬勃发展，以至于工艺美术运动在20世纪初影响到了北美和欧洲个别地区，这也是现代设计史上首次发起这么大规模的设计改革运动。期间，美术与技术相结合的原则为现代的平面设计奠定了首要的基础。主张产品设计，反对纯艺术等等设计新理念，在现代平面设计史上具有相当的积极意义。但是，作为新时代的设计理念，它也有自己的不足。比如说它主张艺术可以由手工业取代，设计艺术中最完美的应该是手工，这些观点与新时代中的设计思想是不相匹配的。因为时代在变迁，设计也在进步和创新发展，不可能仅仅停留在手工艺术的时代，所以这具有一定的局限性。现代平面设计还是要根据现代的流行元素、设计风格进行与时俱进的设计思潮。新艺术运动就比较切合实际，是大众化的艺术实践运动，它和社会是能够同步发展的。新艺术运动正赶上欧洲其他文学艺术推陈出新、探索尝试的新时期，新艺术运动借机汲取其它艺术的精华和经验，发展自己的设计艺术。我们可以通过一些例证来探析新艺术运动的实质和发展的轨迹。例如新艺术风格中的曲线运用体现了象征主义。象征主义折射了当时哲学界部分人对科学的理性主义的怀疑，并产生了传统宗教思想的复兴，这种对美学价值、文学道德的思考，通过象征的方式表现出来。新艺术运动中的设计作品受到自然主义风格和日本浮世绘的影响，风格细腻，装饰性强，多为女士风格。大量采用了花卉、昆虫等元素，与工艺美术运动比较男性化的风格形成鲜明对比。新艺术运动不依照历史风格，而独创出表达了自己时代的风格，体现了创新和改进的精神。就是这种精神在现代平面设计中，值得我们学习和借鉴。现代平面设计就是要在固定的知识基础上，加以自己的创新思想通过与时俱进的现代化表现手法呈现出来。

结语

篇4

一、摄影与平面设计

1.摄影与平面设计

平面设计由图形、色彩、文字三个要素构成，现代平面设计中，图形占据整个设计的作品，尤其是在广告设计中，图片的位置十分重要。具有视觉冲击力的、新颖的图片往往首先吸引人的注意，图像相对于文字的第一性使得摄影逐渐成为平面设计中极其重要的因素。相比其他的视觉形象，摄影更加具有直观性、真实性、形象性和高效性，正是因为这样的优势，摄影作为一种获得图像的手段，在平面设计中应用非常广泛。

2.平面设计中的摄影图片的拍摄是设计的过程

平面设计中的摄影图片的拍摄是为了满足平面设计创作而进行的有目的性的摄影活动，不同于纯艺术摄影，它具有很高的预见性、目的性和设计性。摄影活动中的构成与布局都是与设计相关联的。摄影师在创作前，面对的是一个现实的三维空间，而最终得到的是一幅幅二维的、为平面设计服务的图片作品，我们将这个过程称为摄影师的创作过程。要使创作的成果与设计师的设计思维相融合，满足设计师的创作意图，这样就要求摄影师在创作的每一个环节必须要融入设计的因素，带着设计创作意图的思维去创作是平面设计中摄影图片的获得所必备的因素。

二、设计图片拍摄过程的设计要求

1.前期策划与沟通

设计是为大众服务，为客户服务。如何赢得客户的信任，如何保证设计方案的质量，前期的沟通与策划显得非常重要。在设计创作之前，摄影师应与设计师一起参与以下方面的沟通：⑴与客户的沟通与客户的沟通是设计创作前的第一步，主要分为以下几个方面：一是了解客户的企业与产品状况，如企业历史沿革、企业的经营范围与经营策略、企业的市场地位，产品的原料、用途、功能、档次、生产工艺、成本与价格、包装形式、产品市场地位和销售地域等等；二是市场调查，对同类企业和产品的调查，了解同类产品的市场定位与设计风格；三是设计要求，对客户的具体要求进行深入沟通，掌握客户的心理期望与设计初衷。⑵与设计师之间的沟通在与客户进行沟通后，与设计师的沟通也同样重要。了解设计师的整体设计思路、设计方法、设计程序等，最终要做到以下几个方面的沟通:一是确定设计目标，确定目标就是确定设计的主题，确定了主题才能知道需要什么样的设计图片，在明确设计主题的情况下拍摄设计图片，这样摄影师就不能一味地追求新颖而脱离设计的目标；二是仔细分析设计主题，确定图片的表现方式，确定了主题以后，摄影师要和设计师保持良好的沟通，了解设计师的设计意向，用最好的方式去表现和突出被摄体的特点；三是确定画面的色彩与基调，平面设计的三要素之一就是色彩，设计师在做设计的时候，都会考虑配色问题，使得设计作品的风格与基调与客户的要求相符合，既要有创新又要与客户要求和企业定位相连贯，因此摄影师在拍摄这类设计图片的时候需要将企业标准色考虑进去，结合设计师的具体设计要求，拍出符合设计要求，符合客户要求的设计图片。

2.场景设计

通过前期的沟通，摄影师开始拍摄。在按快门前，摄影师要根据商品的特征布置拍摄场景。对于摄影师而言，最重要的是根据场景的布置、光线的布置渲染出产品的面貌，最大化地发挥出摄影的真实性优势，让产品很漂亮地、清晰地展现在读者面前。而对于设计师来说，拍摄远不只停留在清晰、好看上。一幅好的设计图片是整个设计的灵魂，设计师选择图片是与设计息息相关的，设计要具有设计性要求设计图片也要具有设计性，摄影师在拍摄这样的设计图片时需要根据主题与设计要求选择最佳的表现形式。场景，无论是正面渲染还是侧面烘托，都是与设计主题息息相关而不仅仅局限在表现被摄物本身，更多的时候，设计师需要的设计图片，要借助场景的渲染去烘托被摄体、烘托设计风格，增强设计视觉效果，还有很多的设计创意在图片上看不到被摄主体的踪迹，但整个设计对主题的表现却是天衣无缝的。

3.设计构图

构图一词来源于西方美术中的“构图”，在中国画中称为“经营位置”“布局”，意为：结构，组成，联结和联系，指画面的构成，即画面各个组成部分的相互关系。对于摄影来说，构图就是运用一定的技术技巧把客观的被摄体有机地安排在场景中，以构成画面的各要素，形成一定的艺术形式，这既是完整的艺术作品，用以表达摄影者的意图和观点。对于设计，图片是平面设计的元素之一，与文字色彩共同组成具有目的性的设计作品，因此拍摄这样的设计图片，要考虑图片的开放性，图片的版式、画幅、以及科学留白等。

⑴构图

设计图片要体现设计性首先体现在图片的形式原理上。摄影师在拍摄设计图片前，将现实存在的三维的被摄体，按照设计主题要求、设计艺术形式美的规律进行布局设计，目的是准确地传达设计信息，增强设计作品的视觉传达效果。通过对称、均衡和呼应、对比与和谐、透视、体量、虚实、色彩等法则的运用，拍摄出符合设计要求具有审美价值的设计图片。摄影师在构图的时候，按照创意主题风格进行构图，视觉效果会大大加强。例如，利用主体与副体之间的对比可以渲染诙谐的设计主题；利用虚实的对比增强画面空间深度。

⑵图片画幅

画幅一般有横幅、竖幅和方幅，不同的画幅产生的视觉感受也不同。横幅有助于强化被摄体的水平舒展和广阔，设计中一般用于表现成熟、温暖、厚重感等。竖幅有助于强化被摄体的高大、挺拔、庄重、威严，强调垂直因素，能增强画面的活力，设计中一般用于表现建筑、前方延伸运动物体等。方幅有助于强化工整、轻松、宁静。摄影师在拍摄设计图片前应根据被摄体的特点以及设计主题风格来确定画幅，增强设计的视觉效果。还有一点值得注意的是，在拍摄系列设计图片时，要注意画幅的统一性以及构图的连贯性。

⑶科学留白

设计图片要与文字和色彩组成设计作品，它具有开放性。科学留白是拍摄设计图片时需要注意的问题。空白是画面中除了实体对象以外起衬托作用的其他部分。空白可以是人造背景也可以是自然景物。这些留白，不一定是白色的，要与设计的整体色调相近，影调比较单一，设计中常常在留白的地方设有点题性设计文字，共同构成设计作品，系列性的设计图片，要注意留白的位置的连贯。

4.色彩设计

色彩是平面设计的三要素之一，一幅带有色彩的画面，不仅比没有色彩的更清晰，而且更有感染力，不同的色彩给人不同的感受和联想，色彩比形状和线条更能在视觉和直觉中引起反响，因此色彩广泛地用来表达感情，渲染气氛，在受众头脑中引起情感反应。设计师在设计的时候，都会考虑配色问题，使得设计作品的风格与基调不仅符合设计主题去吸引受众，还要符合客户的心理期望、符合客户要求，与企业定位相连贯。设计图片的拍摄不同于艺术创作，也不同于纯的广告影像创作，它比前两者的局限性要大，摄影师在拍摄前，通过与设计师的沟通，基本确定拍摄图片的的预期基调与用色，确立了设计主题与表现形式后，设计好前期的拍摄场景，确立好主体与陪衬，进行拍摄。在这一系列的过程中，摄影师要按照“围绕主题、突出主体”的原则进行色彩设计。⑴围绕主题围绕主题，就是围绕设计师的设计主题去进行色彩设计，在坚持设计主题的前提下，还要确定客户与设计师想要表现的设计创意风格。对于摄影师，在拍摄时，会根据被摄体的特性和色彩以及属性等，设计相应的场景，确立可以渲染被摄体特性的色调，最大化还原被摄体；同一个被摄体，可以设计不同的色彩基调去表现，不同的基调呈现不同的视觉感受。对于设计师，需要的设计图片，是为设计服务的，它具目的性。摄影师要根据设计主题风格要求，对被摄场景的色彩进行设计，这样的色彩设计，要与设计师的整个设计风格完美整合，这样才能拍摄出符合设计要求的设计图片，而没有设计概念的摄影图片，只能作为图片素材。⑵突出主体设计就是要将主体展示给受众，让受众产生心理感应，主体的突出，是设计的主线，一幅好的设计图片此时就显得尤为总要。摄影师在拍摄这类图片的时候，要注意主体和陪衬的色彩的对比，通常可有以下几种方法：一是淡化背景，突出主体，这类图片，摄影师在场景设计的时候，往往需要故意将陪衬的色彩淡化设计，场景中，跟主体有直接关系的设计为设计用的主题色，这样的色彩设计比较直截了当地凸显了主题色，且一般在场景中，存在与主体有直接关系的陪衬，设计为与主题相近的色调，用以与主体的对应，这样既突出了主体又突出了主题；二是根据主题设计场景色，用主题色画龙点睛，这类图片，偏向于广告创意类，画面中一般不直接出现主体，而是用场景或者其它创意间接渲染主体、表达主题，给人想象空间，这类图片的拍摄自由度更大，摄影师根据设计师创作主题与风格，可以更大地发挥摄影师的主观意愿去创作，在画面的黄金位置有个点题的部分，这部分的设计起到画龙点睛的作用，一般赋以主题色，这样的设计很巧妙地体现了主题，又保持了设计风格；三是注意配色的对比，突出主体，前面讲了两种常见的色彩设计方法，在设计色彩时，在确定主题色调的前提下，要注意主色调与辅色调之间的量的关系，不仅仅是色彩之间的明暗关系，主要是注意色彩设计符合不符合人的正常的视觉心理，有没有在保持设计风格的前提下突出主体，这时就要注意色彩的冷暖组合、搭配、对比和谐，包括色相、饱和度、亮度、色彩的位置等。

篇5

以云南民族化风格的平面设计为例。可以将云南少数民族服饰图案的元素符号化繁为简，使之可作为平面设计的元素或符号。语言既然可称之为是一种符号，是因为语言既可以物理形式存在于世界，如音频。也可以形成与之相辅相成的语义，语言是构成虚拟世界的基础。与语言相类似，平面设计也可看作以物理形式存在并具有与之相应的抽象意义，因此它也是一种符号。这些符号也不一定是约定俗成的，同样也不是肆意存在的，它的存在必然有其“动机”和意义。云南少数民族元素与西方元素巧妙融合，又自成一格，可以让云南的民族精华走向世界，这对发扬传统文化的意义不言而喻。

二、以民族化风格推进平面设计的国际化发展

1、民族化元素是现代设计之源

同志曾经指出：“人民生活中本来存在着文学艺术原料的矿藏，这是自然形态的东西，是粗糙的东西，但也是最生动、最丰富、最基本的东西，在这点上说，它们使一切文学艺术相形见绌，它们是一切文学艺术的取之不尽用之不竭的惟一源泉。”民族化风格的融入是创新的起点，也是云南平面设计的发展趋于国际化的发展源泉。在时代潮流大变中，民族文化资源已经成为珍贵的历史资源，所以，我们要抓住云南桥头堡发展的机遇，发展文化创意产业，使其以各种各样的视觉形式，通过生动的表现云南元素来增强设计文化的生命力和影响力，来体现云南特色现代设计的人文气氛。随着科学技术的进步，现时代的视觉形象、媒体和信息流动、媒体使用方便和多样化，也对平面设计和消费市场具有重要影响。在这样的环境中，要充分利用传统文化资源，对云南传统文化进行本质发展和扩展，使其对现代平面设计创意服务，有一个更广泛的视觉艺术表现效果，形成一个新的和独特的视觉形式，为图形设计在国际化发展过程中提供生机和活力。

2、以民族化风格推进平面设计的国际化发展

民族化风格具有鲜活的生命力，永远是现代平面设计创作的灵感之源。中国如此，世界也是如此。纵观世界发展史，尽管世界各国的经济文化发展水平不同，风土人情迥异，各国设计的形式水平参差不齐，但在挖掘本民族优秀底蕴上却有其共通性。即便是发达国家也无不以自身的文化精神而骄傲，也非常注重从民族化元素中吸取营养，来发展现代平面设计。在一定程度上讲，民族文化的特质就是以它的民间文化为主干。民间文化同外来文化相区别的特质，也正是一个欲自立于世界民族文化之林的民族文化精髓。因此，云南的现代平面设计更应走民族民间之路，增强民族文化精神的自信心，把民族风格放在重要的地位。这就要求设计工作者必须到民族化元素的矿藏中去筛选学习，发掘精华之处，努力设计出具有民族化的现代平面设计作品，以独有的姿态走向国际舞台。在人类漫长的历史过程中，不同地区有不同的生活习惯，不同的民族具有不同的思维方式，不同文化背景和文化心理的沉淀，使其具有独特的个性。民族化平面设计的发展和国际化是相互影响相互促进的，它们之间存在辩证统一的关系。民族化的独特个性，在国际化中是常见的，是一个国家或一个地区的具体历史和文化特性，是国际化的一个组成部分。国际化是在民族化的国际视野中得以呈现出来的，是在继承民族传统精神的基础上，保持设计的本土文化，即保留他们的根，在世界舞台上得以展现。

3、民族风格对现代平面设计的启示

从本质上讲，民族化元素与现代平面设计二者之间潜藏着一种天然的关系，这种关系在社会高度工业化、信息化和商业化的外因催化下相互之间必然会产生巨大的影响。在现代文明高度发达的今天，大胆地探讨民族化元素与现代平面设计之间的关系，完全符合建立现代文明多样化的客观需要。现代设计形式，确实给人以美的感受。但从反映人的本能情感的意义来看，又不如传统的民族化元素更感人、更生动。民族元素以少胜多、将虚化实、含表求里、移花接木，强调自我意识和对事物内在本质认识的鲜明造型特征以及艺术形式的多样性、不规则性与现代设计理性的造型观念形成了有机的互补。传统的民族化元素造型特征中存在着现代平面设计的许多因素，而现代平面设计中也同样存在着民族化元素的很多基因。由此可见，现代平面设计需要民族元素来充实和丰富其底蕴，同时又要创新，使设计作品既有民族感，又兼具现代感。

三、结语

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平面设计作为一个专有名词来使用，在我国内大约仅二三十年的时间。随着社会文化生活和商业信息活动的发展，平面设计越来越显示出卓越的生命力了和广阔的发展前景，尤其是在室内装饰装潢中的应用尤为广泛。作为一个包容性较宽泛的领域，面对着现代社会的多媒体环境，平面设计运用视觉语言传播信息时，往往是以美学和视觉心理学的规律为依据来表达的，这就使得室内装饰装潢平面设计的创意尤为重要。

1.当代室内装修设计的发展趋势

1.1注意虚与实的结合

在家庭装修中追求优美的构思意境，还有一层意思，就是它不仅可以陶冶人们的情趣，甚至可以起到潜移默化教育后代的作用。居住空间设计对我们来说是物质享受也好，精神生活情趣也好，都还不能显示出设计的重要和神圣。我们真正需要的是下一代能在优雅的环境中培养出优雅的气质。看到优良的家装不仅可以提高人们的精神文明，还可以起到净化灵魂、陶冶情操的作用，这应是当今家装的一个具有时代性的特色。当然强凋室内设计“虚”的重要性，并不等于说“实”的方面就不重要了，在家庭装修过程中应提倡先虚后实、虚实结合、虚中有实、实中有虚的正确创作途径，也只有坚持了这样的创作思路，才有可能创造出较为理想和有一定水平的家庭装修。

1.2注意的形式美

在家庭装修中，选择哪种风格形式，经常是人们较为关注的问题。是现代的，还是古典的；是欧风的，还是中国的；是后现代的，还是巴罗克的；是返璞归真，还是地方特色的等不胜枚举。这就是说在家庭装修中，切忌乱套各种形式，应注重观念的新颖别致、空间体形的组合、新型材质的择优选用、先进技术的采纳，结合各自的意趣，探求既有文化历史底蕴，又具时代特性的家庭装修的作品。

2.平面设计的创意过程

平面设计的创意过程，总的来说就是把所想做的事物加以组合构成，然后研究、策划，用开拓、创新的思维表现方法和生动恰当的艺术手段真实地表现。

概括超来，平面设计的创意思维过程有以下几方面特点：第一是感觉性，感觉往往存在于直觉的瞬间，强调直观与悟性，不强调主观的观点和认识。第二是趋向性，对直觉感受加以整理转为思想或搂理，选择某种目标，从而引发态度的改变。第三是想象性，任何创意都需要想象与探索，所有的优秀作品的创造性活动都是这样开始的。在平面设计中应避免模仿，善于打破常规，设计出富有创新观念和想象力的作品。第四是情绪性，将想象富于激情，运用形象图形、文字的技巧是没有特定规范性的，多以即兴的思绪进行叙述。第五是逻辑性，理智概括和分析，对积累的事实进行加工处理，以达到诉求目的。

3.平面设计中创意策略的技能

3.1平面设计技能

一幅优秀的作品往往能够给人一种很舒服的感觉。从专业的角度来看，创意是设计者思维水准的体现，是评价一件设计作品是否优秀的重要标准。因此，在学习具体设计制作之前。首先要学习平面设计创意的基础知识。具有一定的平面设计表现能力、新颖别致的设计理念、灵活调动视觉元素的技巧、巧妙选择表现手法的能力、良好的视觉平衡能力、独特的自我设计风格、项目设计综合能力。有创意，有思想，这样才能创作出新颖的作品，任何作品都要有多种特点，只要抓住其中最突出的一点，一经表现出山来，就必然形成一种感召力，促使顾客产生冲动，达到所要的目的。

3.2计算机应用技能

掌握从素材扫描、电脑处理到打印输出的完整流程。熟练掌握电脑平面设计行业的主流设计软件，并具有独立完成平面作品的设计与制作能力。能使用Photoshop和CorelDRAW等主流设计软件制作出于变万化的图像特效，并将其融合到设计方案中。

3.3具有较强的学习能力

设计水平的提高必须在不断的学习和实践工作中进行。只有不断的学习，吸收有益的元素，不断地在实践中总结经验，才能够提高设计水平。才能给大家一个有创意的、大家都认同的作品。多看优秀作品，不但会给我们灵感，也会教给我们一定的设计原则。

执着，专一，坚持不懈，把设计融入生活。设计不是会软件那么简单，设计是门复杂的科学，只有不断地深入，沉淀，才会和设计的距离更近一点。

3.4具有超前的思维能力

在平面设计上。正如“文无新变，不能代雄”一样，需要在意识、思维上有一个创意。因为创意不仅能准确折射现代火热的生活、人们的开放意识，而且也能给人以灵魂上的震撼，情操上的洗礼。但是要想有一个让人们都能理解、接受的平面创意，必须在“融”上下功夫。此处所说的在平面设计上的“融”，一是指对古老的中国元素的传承与创新，另外也是指对西方设计精髓合理的“拿来”而非机械仿作。俗话说“模仿等于自杀”，过度的模仿只能让自己的作品在模仿中灭亡，没有自己创新意识，只顾模仿，就失去了创作的灵魂。所以要想在平面设计中站稳脚步，就要发现新东西，挖掘新思想、意识，在意识、思维上首先有个惊人的创意之笔。

总之，创意是设计的最高境界。不可否认，室内设计师不可能改变建筑结构和风格，但可以通过对室内格调的营造，用更鲜明的风格，更丰富的个性，映衬出建筑物的神韵，展现出一脉相承的、无法割裂的创意之美。

参考文献

[1] 祝婷. 试论室内装潢设计的基本原则及常见设计风格. 企业家天地，2010（11）.

[2] 张圣华. 室内设计的创意与升华. 太原教育学院学报，2008（22）.

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关键词：留白；简洁；现代平面设计

现在，很多设计师喜欢用留白突出作品主题，简洁的设计让作品更加干净利落，让受众接受内容信息。在平面设计中，将不同形式的留白应用到设计作品中，符合视觉审美的需要。留白是优秀设计师不可忽视的设计表现手法。

一、留白的内涵与应用意义

设计中的留白不局限于白色，而是指空白区域，在这个区域中没有多余的元素与装饰。留白，留下一片广阔的思考空间而非实质上的空白。留白是为了使作品画面更加精美、协调，更富有想象空间，而且不会使观者产生视觉疲劳。留白是一种简洁的设计风格。日本的无印良品掀起了一场设计简单化、生活质朴化的设计风潮。此外，以宜家等品牌为代表，兴起了一种回归自然、以人为本的设计方式，它们着力于环保、简约，形成了简约设计风格，简约成为各路设计师共同推崇的目标。以无胜有，以意写实，更加引人思考，因此设计也选择了以简洁为主。

二、留白的重要性

留白在平面设计中是一种构成法则。留白属于平面构成中的一种元素，有着重要的作用。在版面中，留白区域即使没有任何色彩、文字，它的形状、比例大小也会直接影响整个版面的质量。人机工程学里，留白带给用户视觉和精神上的享受与愉悦，能够引起用户的注意，强调所要表达的重点。这样的信息层次感更加明确，用户指引效果更好，帮助设计师实现信息传达的目的。构图留白可以烘托主题。摄影构图画面中放入太多内容会让人找不到主体。其实，内容的缺失并不意味着关注的缺失，反而会引起注意。它能让拍摄对象更为凸显，留下画面中想要表达的主体。画面中的留白，对于观者理解画面的美感很有用。以中国画为例，留白是中国画的构图方法之一，画家往往在画纸上留出一定面积和形状的空白，用来表现空间距离、白云、天空、水面等，与墨、色、线、形等构成对比，增强了画面的形式感。中国画中空灵、雅致的意境常常以简练、概括的造型搭配别具匠心的留白来表现，作为构图中的一部分，留白是画中之画，也是画外之画，可以获得“此时无声胜有声”的效果，越是神秘越让人有探究的欲望。

三、留白在平面设计中的应用与建议

基于上文的分析，我们可以认识到留白在设计领域应用的可行性与重要性。接下来，笔者从平面设计几个领域探究留白与设计的关系，并提出一些个人建议。1.留白与版式设计版式设计是视觉传达设计的重要形式。版式设计讲究美感，是关于一种编排的学问，实现技术与艺术的高度统一。在版式设计中，常见的问题有：排版内容多，设计者在排版中增加各种形式的排版手法，版面过于花哨；图片与文字之间没有相对的留白，看起来相对混乱；留白格式与排列方式不统一，版面视觉效果不强，没有节奏感；图片画面太过饱满，没有视觉中心。针对上述版式设计中存在的问题，笔者提出以下建议：其一，减少排版形式的手法，避免烦琐、复杂；其二，利用留白让文字间形成一种规律；其三，画面不要太过饱满，主体物旁边不要放入太多内容。在版式设计中，留白可以创造空间感。2.留白与网页界面设计网页界面设计信息量承载大，最忌讳色彩花哨、元素繁杂。简洁的背景可以让整个页面更加出众，文字分层处理更显专业。利用留白是提升页面可读性的一种必要途径，可以引导读者在合适的时间阅读合适的位置。日系风格设计往往偏爱冷色、留白与简单的线条分割页面框架，使用干净整洁的大色块。留白在页面框架布局中的使用要毫不吝啬，给人带来一种恬静的感觉。豆瓣、无印良品等网站以灰白定调，简单的实物元素使整个画面突出主体，留白的部分激活页面上的主体内容，此类设计显得高雅简洁而不失内涵。网页设计中重点留白的地方有很多，如LOGO周围，导航按钮或图标周围，文字主体部分与边栏之间，每页滚屏之间，不同元素之间，照片和文字之间，主体内容与页尾之间。结语现代社会科技飞速发展，对设计的要求也越来越高。留白是一种设计的境界，一个页面上如果没有充分的留白，就无法让用户轻松阅读，无法有效传递信息。留白是为了突出画面的层次，留白要保持一致性、连续性，让设计更加简洁、大气，从而创作出更好的设计。

参考文献：

[1]（美）马克纳.源于自然的设计：设计中通用形式和原理.樊旺斌，译.机械工业出版社，2012.

[2]李杰臣.谱写永恒的黑与白.电子工业出版社，2014.

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中国传统文化中的水墨元素源于唐朝时期，并于五代时逐渐成形，水墨艺术的鼎盛时期为宋元年间，直至近代中国水墨元素仍有发展。在千百年的历练与传承过程中，水墨艺术的时代气息更加浓厚，无论是艺术表现风格还是技法展现都别具特色，将中国画中的水与墨元素表现得淋漓尽致。水墨多以宣纸作画，通过对水与墨浓度的控制来表现出对应的浓淡色彩，独具传统艺术魅力。欧洲工业革命之后，现代平面设计逐渐兴起，作为实用美术的一种，现代平面设计与市场因素之间的联系较为紧密。相较于欧洲现代平面设计而言，中国的平面设计发展相对较晚，受制于西方设计思想的影响，中国平面设计与本民族之间的关系并不融洽。伴随上世纪初期水墨动画的出现，现代设计中水墨元素的渗透逐渐被关注，设计师纷纷探讨如何能更好地实现水墨艺术与现代平面设计的完美融合。上世纪八十年代之后，水墨艺术凭借自身独特的艺术设计风格风靡一时，成为了众多设计领域炙手可热的宠儿，现代艺术设计领域刮起了水墨热潮。视觉是设计的开端，视觉的目的是美感。现代平面设计中水墨元素的融入兼具典雅、含蓄及浑厚特征，是民族风格与现代审美艺术的有效结合，这对于现代平面设计而言也是文化内涵的丰富过程。现代平面设计中诸多水墨作品的呈现不仅令国人顿生亲切之感，同时也使得地域性特征在现代平面设计中得到彰显，民族个性成为了现代平面设计的发展主流。在民族文化日趋多元化的今天，现代平面设计除了本身的艺术审美元素之外，更多追求的是个性的解放，在传统民族文化元素中汲取有效的设计灵感，进而实现艺术创作的审美创新，可见传统水墨元素的应用在现代平面设计发展中已然成为一种不可逆转的趋势。

二、水墨元素在现代平面设计中的应用路径

1．水墨元素中笔墨技法的应用

笔墨技法作为水墨艺术创作的艺术精髓，这一“笔情墨趣”是水墨元素区别于其他艺术创作手法的核心内容，同时这也成为了现代平面设计丰富自身艺术内涵的主要借鉴方面。笔法是中国传统水墨艺术尤其重视的方面，针对不同的物象特征，对应笔法的曲直、刚柔以及粗细都截然不同，甚至水墨艺术来讲究根据不同的创作题材来对应不同的运用笔法，人物特征描绘方面一般采用行云流水描或是铁线描的方式，而山水效果则通常会选用相对应的皴法技巧，至于画干、勾花或是拓叶则主要适用于对花鸟虫鱼的描绘。此外，水墨艺术创作还尤为注重艺术呈现效果与运笔方式的选择，“笔断意连”是水墨艺术尤为突出的效果呈现。运笔力度方面，水墨艺术强调轻重缓急对于艺术效果的影响，这与现代平面设计中的造型式样如出一辙。现代平面设计中设计师往往从水墨的线条表现力和用笔技巧出发，从水墨元素中的情感与性格对应到平面设计效果当中，以此来促进作品情感表达的效果。在作品风格特色方面，水墨元素中的用墨技法像是泼墨法、淡墨法、积墨法以及宿墨法等都是现代平面设计常用的风格设计技巧。水墨艺术强调“墨分五色”，分别为浓、淡、清、重、焦，在水与墨相互调和之后配之以平面处的留白，这就形成了所谓的“六彩”。现代平面设计中正是从这样的“六彩”出发，并以此建构单色明度之间的关系。作为一种极其特殊的造型模式，水墨元素在想象空间的营造方面也是无限的，这就赋予了艺术作品更加广阔的文化内涵。从墨法角度分析，现代平面设计中针对水墨墨法的借鉴也是极为明显的，这不仅表现在水墨艺术的简洁与单纯方面，同时也巧妙避开了细枝末节对于艺术呈现的干扰，整个作品演绎显得浑然有力。最后，在笔墨技法方面现代平面设计还充分体现出对水墨艺术本质特征的运用，无论是物象造型、用墨技巧、运笔方式还是情感底蕴都与传统水墨元素如出一辙。

2．水墨元素构图章法的运用

传统水墨创作中构图章法与现代平面设计中的布局有着相似的涵义，这是对物象位置的设计过程。巧妙的构图和章法不仅能够给人以更加丰富的情感体验，同时在审美意境方面也会带来截然不同的心理感受与艺术熏陶效果。水墨艺术惯用透视及散点技巧，通过移步换景的方式来突破现有的视觉限制，让整个画面呈现更加饱满、灵动。这一构图章法的运用除了能够突出画面的意境效果之外，也为现代平面设计创设了更加广阔的设计空间，从疏密布置、聚散程度及虚实相称等方面突出了平面设计的空间呈现效果。传统水墨艺术在设计思想方面尤为重视“计白当黑”，也就是说在作品设计过程中通过空间留白的方式来展示作品意蕴的主次与疏密，而由此所产生的独特视觉感受也不禁令人连连称赞。现代平面设计中，空间留白的手段也时常见到，是对水墨构图章法的有效借鉴，这一独具韵味的平面设计作品，也成功地拓展了我们的艺术现象空间。

3．水墨元素意境美感的渗透

水墨元素放弃了对斑斓色彩的追逐，在黑白间尽情抒发着内心的真实艺术感受，这一独善其身令人对之赞叹，黑白两色的运用不仅从繁琐的现实枷锁中逃离出来，同时也使得现实的束缚不再出现在艺术作品当中，自由与现象成为水墨元素在意境美感方面的集中呈现。在黑白墨色间我们品味着墨迹的高远与空灵，这也是我国传统水墨艺术的“墨韵”之所在。简约和含蓄是水墨艺术的主要特征，在寥寥数笔间展现出物象的生动气韵，这与当前现代平面设计中追求的作品欣赏价值有着相同的特性，试图在作品设计中能够给人以最为直接的艺术审美体验和心理感受。由此可见，突出作品的意境与美感是当前平面设计在借鉴水墨元素时需要考虑的重要方面之一，不仅需要从思想意识中抛弃原有功利思想的制约，还需要置身于高远境界中切身感受意境美感呈现的重要性，在作品设计中留出必要的回味与想象空间。

三、结语

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一、教学目标清晰多层，学生兴趣有的放矢

任何课程都有既定教学目标并在教学大纲中给予明确表述。在高职美术教育中，由于教师对史论课程重视不足，教学目标经常会在教学过程不断模糊并发生偏移。常见的情况有两类:一是过度理论化，教师忽略了高职美术教育不是培养学术型研究人才而是培养能够将史论消化吸收并转化成作品的设计型人才。这会使学生将平面设计史误解为一门单纯的历史课，与设计和其他课程无关，教师只是简单的历史复述人。学生很快会陷入疲倦和乏味，对课程完全丧失兴趣。二是过度娱乐化，教师为提高学生听课兴趣，把设计师的逸闻趣事贯穿始终，将平面设计史演变为历史人物故事课，完全偏离了教学目标。笔者认为平面设计史课程可以设置三种不同层次教学目标，以适应不同程度学生的需求，让他们在了解课程的基础上找到自己可以驾驭的范围，提高对课程的兴趣。(1)基本知识要求:对平面设计史主要发展阶段、设计特点、代表人物及作品可以做到基本的辨识;(2)知识记忆、重现和整理要求:熟悉平面设计史主要发展阶段、历史背景、设计特点、代表人物及作品并能对上述内容进行梳理、表述及总结;(3)知识与审美的转化、提升及设计要求:掌握平面设计史主要发展阶段、历史背景、设计特点、代表人物及作品，既可熟练复述史实又能对经典作品进行模仿创新设计。以上三种层次目标也可简单归纳为:眼睛认清楚、嘴巴说明白、手脑能设计。任何学生看到这个教学目标，都能做到一目了然、有的放矢，同时也能意识到平面设计史课程与其他手绘、软件类课程的相互关系。

二、教师重视单次教学，学生期待积累兴趣

高职平面设计史教学通常安排为每周2节，18周完成，所以每2节可以算作一个单次教学，具有相对的独立性。单次教学可以充分抓住青少年求新求变的心理特征，将形式多样的教学手法引入传统的史论课堂。笔者根据个人经验将部分教学方法归纳如下:(1)教师主导的教学方法:1)专题讲授，也称之为“以点带面”，通常用来讲授重要的设计阶段、设计流派或大师级的平面设计师。例如:“新艺术”运动时期的平面设计，“交通招贴画之王”爱德华德•迈克耐特•考弗(EdwardMcknightKauffer)，美国现代平面设计师保罗•兰德(PaulRand)等。2)对比赏析法，重在进行平面设计作品历史性的横向或纵向对比。例如:一战和二战时期的战争海报对比，波兰三代平面设计师的作品对比，以女性造型见长的朱里斯•谢列特(Julescheret)、阿尔封斯•穆卡(AphonseMucha)和查尔斯•吉布森(CharlesDanaGibson)的设计作品对比等。(2)学生主导，师生共同参与的教学方法:1)学生授课法。教师预先设定几个授课专题，要求每位学生制作可以讲解10分钟左右的PPT，课堂抽2人讲课，教师现场评价，其余学生上交PPT纸质打印版。此方法可以确保全体学生参与，并能避免个别学生偷懒和侥幸逃避的心理。2)资料分享法。教师设定资料收集范围和要求，调动学生收集资料的兴趣，考查学生收集和处理资料的能力，在课堂上进行分享和辨析。资料收集可包括限页文字、设计图例、相关视频等。3)现场设计法。选择多位设计师作品作为讲课内容，讲授完毕师生自行选定作品进行模仿，当堂绘制草图。师生在动手操作的过程中不单可以加深对设计师设计风格的印象，体会到学以致用的魅力，还能增进师生的互动、交流和理解。4)结合现实法。选取有代表性的当代平面设计作品，让学生寻根溯源进行辨析，考查学生对平面设计史的熟悉程度，锻炼学生纵向比较今昔差异的能力。5)专题讨论法，选择有针对性的专题。譬如:包豪斯教学模式和当前高职美术教育的共性，多国公共标识系统的设计风格及文化内涵等。6)分组制图法。将历史阶段、主要设计师和设计风格以树状图的模式绘制出来，锻炼学生梳理历史脉络和合作学习的能力。7)参观赏析法。在课余时间积极组织学生参观一些平面设计展，做到提前了解资料，之后讨论观感等。好的开始是成功的一半。如果学生的兴趣在第一次课上被调动起来，就会为下一次学习积累期待心理。这种期待心理使学生的学习兴趣逐渐提升，渐次渐强。虽然单次授课存在相对独立性和完整性，但学生的学习兴趣却是存在于单次教学间的重要有效的连贯因素，并可以使整个课程环节构成良性循环。所以教师选定恰当的教学方法上好每一次课，就能产生逐层推进的教学效果并对整学期教学产生重要意义。

三、阶段授课前后呼应，学生兴趣稳固提升

平面设计史课程虽只有36学时左右，但完全可以将之分出前期、中期和后期。教学前期，学生对平面设计史认知甚少，是知识的积累期。教师以精讲为主，图例为辅，内容贵在精炼准确、代表性强。学生课外作业重点由教师指导学生学习如何收集资料。教学中期，学生储备了基本的知识，可以让他们在收集资料的基础上进行单人演示、合作讲课、分组辩论等，参与教学可以有效提高学生学习兴趣。教学后期史论讲述过半，学生不仅有历史知识和观念，还具备了一定的辨别和赏析能力，教师可以设计简单命题让学生从模仿设计入手，将理论与设计相结合，将史论与手绘、软件课结合。一旦学生可以将史论知识转化为丰厚的设计资源及文化内涵，学习的主动性就会大幅提高，学习兴趣也会日渐浓厚。

四、认知情感决定兴趣，教书育人师格在先

学生对一门课程产生兴趣的原因很多，归根结底却不外乎两种:认知与情感。认知，就是学生在课程中感觉可以学到知识，而且是有用的知识，这样的课程往往对他们有着巨大的吸引力。作为教师不仅要能把握当代平面设计的新动向，随时将新设计引入课堂，为平面设计史增加新内容;还要有遵循学生兴趣特点、学习效果而打破常规教材内容和教学进度的胆量;更重要的是教会学生找准课程间承前启后的关系，把握课程间的共性和合作，使用本门课程的知识解决其他课程中遇到的设计问题;这样的教学才符合学生的认知需求和整个专业教学进度的一致步伐。情感原因，即是所谓的爱屋及乌。一位教师如果在课堂上下都充满人格魅力，他的课程必定令学生充满兴趣。教学认真、热情饱满、评价客观、风趣幽默、教法灵活、要求严格、情感真诚都是学生最认可的教师素质。教书育人，育人为首，言传身教，身教为先。教学认真的教师可以培养出学习认真的学生;热情饱满的教师总能得到学生热切的回应;评价客观的教师可以赢得所有学生的尊敬;风趣幽默的教师可以轻松化解课堂上的不利情绪;教法灵活的教师让学生看到了课前充足的准备和良苦用心;要求严格的教师，学生也必会严格要求自己;情感真诚永远是人和人的相处的第一要素，师生如此，教学如此。

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关键词：传统字体；平面设计；发展；双重性；价值

中图分类号：J05 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2014）02-0063-01

一、平面设计中字体设计发展简况

平面设计中字体设计隶属平面设计中的一大设计门类，它是人类在生产发展中意识形态的结晶，是思想与现实相互沟通和发展的桥梁与纽带。字体设计，要本着人文关怀的发展思想来实现平面设计中的字体设计，它是人类在生产和生活过程中把使用功能和艺术相互结合的最早产物之一。在人们的生活里，它简单明了地把生活日常物体融入了文字符号并达到传播和记载的功能。而字体设计最简单的地方，也就是人们最容易忽略和最难实现设计目的的地方。

字体设计的主要要求包括两个大的方面，也就是它的可识别性和艺术性两大类。可识别性包括人们在设计中的字体的统一、设计字体与文字本身的清晰程度、没有给阅读者带来视角和思维上的阅读障碍等三个方面的设计内容。艺术性指的是否能够使读者获得内心愉悦的设计、和字体轮廓的原创性，并且不能够给读者带来混淆的视觉感。在字体设计上将会给设计加大不少难度，因为文字本身就具有很长的历史发展时期，思维的积淀和不断变化给字体的设计带来极大的难度。无论是汉字还是拉丁文字，都具备了历史积淀和思想变化的发展过程，因为现在我们所用的文字是由最初的记事图案或者简单的物体图形发展变化为极其简单又非常精炼而抽象的文字符号，要实现这些抽象且非常精炼的文字符号进行设计和外形包装，要实现其独有的艺术性且达到通俗易懂不夸张的程度，难度就不言而喻了。

在这些文字的设计上，无论是字母还是常用的汉字，都离不开字体的形象和所要传达的思想符号，笔者认为，人们最常见到的字体――对于汉字来说就是宋体字，对于拉丁文来说就是罗马体。设计师设计的字体的外形轮廓要在人们的理解范围之内，以便能使得读者快速阅读，综上所述，在设计新的字体的同时也要注意文字的原貌，创造出来的文字必需具有文字的基本特征而非图形。

二、传统字体的存在价值与竞争优势

传统字体的标志的个性化特征在平面设计中具有独特的魅力，没有了个性的设计也就是没有了存在的价值。自我国加入WTO后，企业之间的竞争非常激烈，目前，企业最终是的就是标志的设计，独特的标志就是为了塑造品牌，营造自身的企业价值。与此同时，海外设计进军中国市场，中国设计也将走向国际化，因此，传统字体的设计具有非常严峻的竞争局面。这种局面即使挑战又是机遇，传统字体的设计不能停滞不前，要保留充分的民族特色，融合世界艺术文化，这才是政工的做法。

三、平面设计中传统字体的再创价值

平面设计中的字体设计，本着传承历史发展思想，在历史发展的基础上推陈出新，研究和设计出一种新的广告字体，以悦人眼目，达到广泛宣传的设计效果。传统字体在平面设计中字体设计的再创价值研究直接关系到传统的字体设计和后现代字体设计思潮两方面的相互沟通和转变。传统字体具备典雅、极具艺术魅力，可创造性极强等方面的特点。笔者认为，在字体设计上应本着传统的设计理念来迎合现代社会新视角下的发展趋势，实现传统字体的再创价值，更加彰显汉字字体的古典美和艺术魅力。在设计方面应不遗余力的不断推陈出新，深度挖掘传统字体的艺术潜能，实现传统字体的再创价值。设计师从古典的字体中发掘符合现代审美标准的元素，加以改造，形成新的字体，如Jey体、Ball体、Loki cola体等等。所有这些字体都抛弃了现代主义那种庄重、刻板的风格，更加趋向于轻松、活泼、人性化的方向。这些设计风格的不断出现，就是不断实现传统字体的创新设计。

四、总结

字体设计是一门综合艺术，既要求字体规范，又要求打破传统姿态不断尝试创新。在当今信息网络时代，字体设计不仅要做到字形规范，而且在字型上不断创新显得尤为重要。在字体设计的指导思想方面，我认为应当处理好主体化和多元化之间的关系，既要能保证设计的字体符合国家的规范，又要给字体创新，留下足够的空间，使得新的字体不断增加，以满足日新月异的社会应用的需求。换而言之，就是在符合国家字体规范的同时，又要使字体设计努力推陈出新，百花齐放，使得中国传统文字艺术发扬光大，提高大众的对字体设计的审美情趣。

今日的字体设计并非意味着放置，而是意味着去表现，去创新。字体设计是对言辞交流的视觉化传译，字体设计不仅要便于阅读，也是视觉的表现。文字设计的目的是传达、刺激和活化。字体设计存在的理由就是要传达的信息，远不止字面上的意思。真正的设计师是可以让信息自语，改变文字的刻板形象。

总而言之字体设计应顺应时展的潮流，在本着原来设计要求的基础上不断创造出新的设计风格，实现传统字体的再创价值，为平面设计的字体设计方面创造出更多的新天地。

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关键词:中国风;传统元素;现代;设计

一、近代“中国热”，现代“中国风”

(一)近代“中国热”早在欧洲十七世纪末至十八世纪末，这段时间中国元素在欧洲的许多方面都得到了体现，中国元素受到欧洲的追捧，这种追捧曾经是当时欧洲社会的大众时尚，成为在当时欧洲长时间的流行“中国热”，在十七世纪至十八世纪的巴洛克、洛可可风格的设计中，巴洛克的家具设计受到中国传统漆绘家具和雕饰屏风的影响，而陶瓷设计是受到了青花瓷的影响，这些设计中的色彩表达还有装饰手法都具有浓郁的中国元素特点。洛可可风格中受中国风格影响的有伸展的枝蔓纹样以及奇彭代尔式的家具等。中国风体现在当时整个欧洲社会及欧洲人生活的各个层面。中国式园林以及受中国风影响的洛可可风格也在欧洲各国王室流行。欧洲的中国风流行在十八世纪中叶达到顶峰，到十九世纪才消退。在20世纪二三十年代，这一时期的珠宝设计、陶瓷设计以及室内设计等都受到了“中国风”的影响。总的来说，“中国风”的设计风潮使中国元素及中国风格进入西方人的视野中并且产生了影响，同时也开启了国人本土设计的探索之路。

(二)现代“中国风”中国风格也称“中国风”，“中国风”是建立在中国传统文化的基础上的一种表达中国元素的设计风格，这种风格能够适应全球流行趋势，并有自身独特的魅力的一种艺术形式或生活方式。提到中国风，就必须要提到中国的传统文化，正是中国的传统文化造就了中国风。随着时代的发展，传统文化并没有在我们的眼中消失，反而越来越走进我们的视野中，成为独树一帜的中国特色。中国风被广泛应用于各个领域，如电影、广告、音乐、服饰、建筑等，应用领域之广，使在我们的生活中可以更多的接触到中国风。中国传统文化经过了中华文化五千年的历史沉淀，形成了具有中国特色的文化。汉字、书法、篆刻、皮影、戏剧、传统建筑等，这些传统元素具有浓厚的审美价值和历史文化价值，是中国历史文化的传承。传统文化是形成中国风的重要源泉，中国风在时展的过程中融合到现代艺术设计形式，这是传统文化的回归，其流行是一种必然的趋势。在新时展的同时，如何更好的将中国风设计推向世界是本国设计师需要认真思考的。

二、这些“中国风”

(一)平面“中国风”平面设计，也称为视觉传达设计，“视觉”呈现作为沟通和表现的方式，透过多种方式来创造平面视觉来传达想法或讯息。在平面设计中，常见的有标识、出版物、海报、平面广告、标志和产品包装等。平面广告中传达的是一种信息，通常我们所接触到的平面设计作品中有许多都运用了“中国风”元素，这些设计中带着浓浓的民族气息，让每一个人闻之会思索设计背后的文化内涵。

(二)建筑“中国风”21世纪上半叶，也是中国建筑设计风格发生重大转变的历史时期。一方面受西方建筑影响，出现了许多模仿欧洲古典主义风格、装饰艺术风格的建筑，大量采用钢筋混凝土结构。上海外滩的英国汇丰银行建筑就是这一时期模仿古典主义风格的代表。1933年设计的上海百乐门舞厅和美琪大戏院、永安公司新楼则受到了装饰艺术风格的影响。另一方面，从二三十年代开始，中国建筑师开始将西方建筑和中国建筑交互相融，产生了一批带有民族自强精神的设计作品。如吕彦直设计的广州中山堂等建筑，是对中国传统建筑继承而又创新的比较成功的作品。

(三)产品“中国风”中国风的产品设计也是将传统文化展现的一个重要的途径。传统文化在产品设计上体现时，与消费者的交流也更加直观，给设计师留下了极大的设计创意空间，设计师会通过自己对中国传统文化元素的合理运用而达到自己最终的设计目的。前些年流行的青花瓷翻盖手机就是一个例子。外观简洁的青花瓷图案设计和大气的手机外观相得益彰，更像一款唯美的工艺品。这款手机融入的中国元素，使得手机在实用之外更多了中国的传统特色。但目前中国风产品的应用比较“标签化”，对一些传统元素符号运用得不是很恰当，造成了“中国风”的产品太偏向于表面化，注重形式。

三、中国风“风”云人物

(一)“风”云人物之靳埭强靳埭强，华人设计师中闻名的国际平面设计大师，专业精神是他特别强调的作为设计师的一种品质，他主张把中国传统文化的精髓通过平面设计作品融入西方现代设计的理念中去。这种相融并不是简单相加，而是建立在对中国传统文化深刻的理解上而进行的融合。只有深刻的理解，才能对现代艺术设计本身加入自己的诠释。靳埭强中西结合的设计作品有很多，其中最常见的当属中国银行的标志。中国银行的标志整体简洁流畅，中国古钱的元素巧妙地运用在了标志上，极具中国特色。现代造型中又有民族的韵味，很好的表达出了中国银行的信息内涵，凸现中国银行的招牌。这个标志是融贯东西方理念的经典之作。靳埭强在1970－1980年的水墨画中糅合了许多设计元素，后来转变为写实风格，画面多取材自中国山水。他的作品既有文字的实用性又能够感受到艺术性，参考行草书法，将设计和书法与山水融合，作出充满浓浓的中国风韵味的设计作品。在九十年代靳埭强寻找到自己的艺术个性，在内地的名山大川写生、感应，然后将在自然环境中找到的灵感运用到他的作品中。靳埭强认为无论设计师或艺术家，都不要忘记自己的根。他要在中国的文化中寻回自己的根，所以他常回内地，接触当地的艺术、文化与人，这样有亲身体验创作起来便意念无穷。年轻一代的设计师都应该学习这种精神，不仅要知根且要深知，将中国风通过设计传播到世界各地，让更多的人领略到中国文化的风采。

(二)“风”云人物之陈幼坚陈幼坚是中国最著名的设计师之一。他的设计公司曾被美国GRAPHIS杂志评为全球十大设计公司之一，是唯一获此殊荣的华人设计公司。他在1991年、2002年在东京举办了“东方汇合西方”“东情西韵”的个展。陈幼坚深爱中国传统文化，对中国文化遗产有着一份执着和骄傲，但这份执着与骄傲并没有使他变成固守传统的设计师。他的设计理念是将东西文化更为合理地融合在一起，既赋予作品传统神韵又兼具现代时尚。在东京的新宿高岛屋一家名“茶语”的茶馆，从茶馆的标志设计和室内设计再细致到茶具的选用，都非常的讲究，堪称陈幼坚设计艺术的精髓。除此之外，东京三菱银行的CI、NIKKO现代中国餐具、奥迪艺术与设计大奖赛都让人看到了东西合璧的魅力。在国际的舞台上，他不仅是一个设计师，更是中国传统文化的传承人，将中国传统文化之风用设计展示给全世界的人。

四、“风”向标设计源

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水利工程建筑设计主要由总平面设计、平面设计、造型风格设计、建筑材料等部分组成。

1.水利工程建筑总平面设计

日常生活中最常见的水利工程建筑莫过于泵站，下面以泵站为例对总平面设计进行说明。泵站枢纽一般由主厂房、副厂房、办公楼等主建筑物以及职工宿舍、食堂、车库、锅炉房、大门传达室等附属建筑物组成。泵站一般建立在距离城市比较远的郊区或者城乡结合部，职工人数不是太多，有时候会与某些风景区相结合。这就要求我们在总平面设计时要统观全局合理规划：不但满足最基本的使用要求，还应注意建筑物之间的交通便利，内部线路简洁畅通。以及考虑环境保护，留出相应的绿化带。重视职工生活休息娱乐需要，保证足够的休息空间和体育运动场。至于建筑物布局采取集中还是分散的方式，则应结合当地的地形地貌等实际情况而定。

2.水利工程建筑平面设计

在整个设计过程中，水工专业设计人员主要负责确保建筑物设计能够满足水利条件和机泵设备安装的要求。而建筑专业设计人员主要负责建筑物能够安全投入使用和建筑物内部空间的有效使用以及建筑物的综合功能利用。在平面设计过程中，两方面要在各自专业的基础上多角度进行研究和探讨。这样不但能够促进两方面的关系融洽，最大程度发挥水利工程建筑的艺术性，同样也能让水利建筑物节约成本、美化环境。要大胆创新、勇于进取，集合两个专业的智慧和力量，为建设我国现代化水利工程的事业不断探索。

3.水利工程建筑造型设计

一幢建筑的性格特征往往体现在建筑造型的设计之中，建筑性格特征多种多样，不一而足。或厚重质朴，沉稳大气。或飘逸灵动，别具匠心。或紧跟时代潮流，或重视历史传承。但不管在设计时选择表现何种性格特征，都应该立足于它所处的具体环境，要与周围环境协调一致。不能不切实际、凭空想象，脑子一热、单纯为追求某一效果而不顾周围实际环境。而且需要注意的是，即使是处于同一个环境下的建筑物，也会由于各自体量的不同而表现出性格上的差异，当然这种差异统一于这组建筑物。还以泵房举例：泵房一般来说都是体量大、高度高，平面为简单矩形，表现出来的性格特征就比较呆板沉闷。而这类建筑又不同于其他公共建筑物，无法构造大的形体上的组合、对比关系。所以在设计中要注意“内部解决”：结合其体量比较巨大的特点通过运用开窗方式、墙面与柱子关系的进退等手法使细部生动活泼起来，让整体看起来不再像以往一样单调。如果设计中的泵房紧邻配电房，就可以泵房、配电房一起考虑。

通过互相之间的形体组合和对比，取得比较好的视觉效果。而对于起闭机房加两侧桥头堡类的建筑物，结合机房长度特别长的特点。设计时可以借鉴音乐上韵律的表现形式作为造型手段，以每跨作为一个造型单位，按照韵律的节奏感和流畅型构筑形成机房的线性体量。而在桥头堡部分则借鉴交响乐中收尾的形式，使用较高的体量作为端部收尾。这样也能很容易让人留下深刻印象，也可用来作为整个工程中标志性的建筑。涉及到具体的建筑风格，无论是现代风格，古典风格还是异域风格。除了呼应时代流行趋势和满足个人喜好之外，建筑设计师还应该更主要立足于当地的地形地貌和风俗人情等实际情况，设计出最适宜当地环境的建筑物。在设计之前，一定要亲自实地考察，深思熟虑，对于要达到的设计效果了然于胸。

4.建筑材料

建筑造型的表现很大一部分决定于建筑材料。诸如建筑的色泽和质感。一般来说，水利建筑选址都会选择旷远野外的地方。那么在这些地方对建筑材料的耐脏性和抗风性提出更高要求。所谓耐脏性是指用于水利建筑表面装饰的材料，应该选择诸如铝塑板、饰面砖、石材以及优质外墙漆等不易积土、耐雨水冲刷的材料。而抗风性是指门窗结构的建筑材料能否承受超过常规的风荷载。此外，还有建筑颜色的选择、应用。根据水利工程建筑物的的特点，一般我们在设计时会选择冷色素，诸如白色、蓝色。但有时候添加点暖色系也会出现意想不到的效果，这些都不是绝对的。

二、水利工程建筑设计中常见的问题

1.水利工程建筑设计时需先同业主协商

建筑设计不能理解为设计人员单方面的工作。在市场经济环境下，设计人员要与工程建筑的方方面面深入探讨，特别是工程甲方。很多时候，工程甲方也就是业主会对水利工程建筑物的外观和特点提出明确要求。例如某项水利工程建筑设计，设计前甲方明确提出外观和装饰要采取仿古风格，以使建筑物能够与当地的风土人情和自然景观相契合。于是在具体设计中，我们对于主厂房的屋脊线采用飞檐翘角的造型，对屋顶采用金黄色琉璃瓦的造型。然后其他附属建筑物在设计时也参考主体建筑物的设计风格，使之成为协调一致的整体。最终整个建筑物落成之后，与当地环境契合得十分紧密，得到各方好评。当然有些时候，工程甲方对于建筑物外观和装饰设计并没有特别明确的要求。但在设计过程中会提出很多要求。一般来说，这些业主都有比较雄厚的经济实力，也具备一定的艺术鉴赏力和审美追求。这时，我们的建筑设计人员就应该加大与业主沟通的强度，按照业主的描述多设计几个不同的方案。然后与业主一起研究、论证，看那个方案才是最符合业主想法的设计。

2.水利工程建筑设计时还必须考虑经济效益

设计师要对于不同材料的价格差异，相同材料的不同品质、色泽的价格差异了然于胸。在工程建筑设计中，一定要遵循节约简朴的原则。不铺张浪费，每一块钱都用到实处。由于经济因素而不能全部满足原先设计要求时，则应先抓住主副厂房等重点，兼顾附属建筑物。在建筑材料的选择上，可以加大当地原材料的使用力度。这样不但能节约成本，从外观效果考虑，也能与当地环境更加契合。

3.把水利工程建筑设计当做一种艺术来对待

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关键词：平面设计；简约；主义

中图分类号：J022 文献标识码：A 文章编号：2095-4115（2013）07-51-2

简约，是国人新造的词语，从“辞海”、“辞源”等典籍中无法找到其解释。“简约”一词，事实上是“简化”在新时代的时尚称呼。“简化”在辞海中的解释为：一是使复杂的变为简单的；二是艺术品的一个特征。即在洞察本质的基础上以聪明的组织手段和节省原则把丰富的意义和多样化的形式组织在一个统一的结构中。“简化”一词更偏重于过程和动作；而“简约”从字面上理解，“简”是简单、少的意思；“约”有大略、简单、节俭和条约等含义。“约”的使用，使简化又加入了节俭、条约和约束的含义，更加丰富和明确了“简约”在艺术方面的特质。“简约”一词更偏重于形容词，可以更确切地来形容一种艺术方式或设计风格。

一、简约色彩

色彩与我们的生活息息相关，它是人们感知外部世界的一个重要媒介。我们通过视觉感受各种各样的色彩，并通过主观的判断对所见的色彩进行分析，例如，我们通过天空的色彩来判断天气、通过食物的色彩来判断味道、通过皮肤的色彩来判断健康与否、通过衣服的色彩来判断喜好等等。所以，色彩是人们在生产和生活中，对事物进行分析的重要指标。同时，色彩也是设计中的重要因素，在设计中占据了相当大的比重。一个在色彩上使用正确或者绝妙的设计作品，可以说是成功了一半。而在简约主义的平面设计中，常常会结合色彩的脾性和规律，采用具有创新意识的技术方法来表现作品的主题和情感，往往起到令人惊奇的效果。

在简约主义的色彩使用中，简单、单一的色彩搭配方案受到了设计师和观者的推崇，因此人们往往选择使用单一的色彩来，或者选择在色环中相邻的二到三种色彩来搭配使用。例如可口可乐的标志色彩――红色，除了在产品包装上使用大量的红色之外，在电视广告、专营店招牌、产品海报、货物运输车的车厢外皮等等跟可口可乐相关的事物中也大量地使用红色，无形中大大地提升了产品辨识度，使得红色成为可口可乐带给人们的第一印象。因此，在现代的商品标志设计中，大部分设计师都采用了简约主义中的单一色彩设计原则，在提高商品辨识度的同时，也给人们留下了深刻的印象，方便进行再次联想。

二、简约字体

随着人类文明的进步，平面设计的进程中字母和汉字的发展起着标志性的作用。纵观我们的现实世界，现如今各种各样的字体无处不在，各类印刷品设计、网络设计以及服装设计是它们的出处。独特的信息传播力量是字体所具有的，如罗伯特・费罗斯所说的：“只要看一眼，就明白是什么。”

随着字体设计不断的发展，在设计中更多变化和创新。事实证明，人们简单的字体更是愿意接受和喜欢的。

简单的字体更容易被人们记住和使用，大概大陆把繁体使用为简体也是出于方便而设定的吧。在设计领域，平面设计系的专业课一直都有字体设计，从中我们对简约设计的影响力也是可以感觉得到的。比如，用简约字体对中国美术学院的标志进行设计，把中国的“国”字两边的框架去掉而形成的就是其标志。

三、简约招贴设计

所谓招贴设计跟海报设计是基本相同，招贴跟海报的使用功能和要达到的目的都是广播宣传，只是在方式上略有差别，因此招贴同海报一样，都是通过一定的方式将特定的寓意直接或间接表现出来的符号的集合。

简约主义又叫“稀缺的艺术”，跟我国书法中的“留白”意义相同，因此，要利用简单的形象和鲜明的色彩来进行招贴设计，招贴内容简明扼要，不可繁琐，以达到夺人眼球的目的，同时也能引起观者的进一步联想。具有趣味性、寓意丰富、内容简单，这些都是成功的招贴设计案例所不可或缺的因素，具有了这些特点，才能使得招贴所表达的意思清晰地传递到观者的眼中去。其它方面则需要展示较长时间才能为观众所了解，还可能只是对某一部分的观众。

好的招贴应当把观者当作有智慧的人来加以尊重，给他们一种视觉体验。只要有机会，招贴就应该简短、有力、富于个性地表达它要表达的意念。

招贴是我们视觉文化的一部分。作为极常见的“符号”，它们改变着我们的环境，述说着我们的时代。即使如此，招贴这种表达方式是国际性的，在所有文化中都能被人理解。

四、结论

简约主义的精髓就是摒弃粗陋、奢华与繁琐，以简约凝练的手法来引领现代生活，在空间、资源有限的情况下，通过高品质的内涵、恰如其分的表现形式来获取最大的发展空间。

参考文献：

[1] 徐红.平面设计中的简约主义[J].大舞台，2011，（10）：144-145.

[2] 蔡峰.平面设计中的简约主义[J].艺海，2008，（08）：120-122.[3] 欧阳丹.浅析现代平面设计中色彩的简约化趋势[J].当代医学，2009，9（1）：93-94.

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>> 论原研哉关于“白”的设计理念 对原研哉“白”的设计理念的认识 以原研哉的“白”设计理念为例，浅谈设计的美学力量 设计师原研哉的设计理念以及作品赏析 简论原研哉设计理念中的东方美学传统 “设计中的设计”之原研哉 原研哉的设计之道与道 浅析原研哉设计的美学特点 原研哉:设计应隐隐透出批评的味道 原研哉 设计在于文化的自信 原研哉,延伸设计的地平线 原研哉与日本设计中心 原研哉平面广告设计理念研究 和原研哉一起追寻“设计中的设计” 日本设计师原研哉再设计的岁月静好 从原研哉的作品解读“似少而多”的设计魅力 探析中国道家思想与原研哉现代设计的结合 由原研哉引出对于本土性设计的研究 负空间：留自在原研哉海报设计中的应用 “印象派”的原研哉 常见问题解答 当前所在位置：中国 > 艺术 > 论设计大师原研哉的设计理念 论设计大师原研哉的设计理念 杂志之家、写作服务和杂志订阅支持对公帐户付款！安全又可靠！ document.write("作者： 侯敏")

申明:本网站内容仅用于学术交流，如有侵犯您的权益，请及时告知我们，本站将立即删除有关内容。 摘 要：原研哉是日本著名的平面设计大师，同时也是国际级的设计大师，其设计理念在一定程度上都代表着日本这一时期在平面设计方面的成果。原研哉于1982年致力于平面设计，随后以其独特的设计理念，成为备受瞩目的设计大师，在平面设计领域独树一帜。原研哉作为日本中生代国际级平面设计大师，主张将自己本民族的传统文化应用到平面设计传播到全国各地。他说;“作为一个有悠久历史的国家，我们并不热衷于成为全球化的一分子，过分单纯化的普及是我们必须避免的。”这都表明了他的立场，并不赞成盲目的追求国际化，而应保有自己的本土特色。他将东方的禅意哲学思想运用到平面设计中去，提倡设计的简约化，大家对他设计的简约、虚空、再设计等理念评价很高，无印良品已成为家喻户晓的品牌。因此对原研哉设计理念的研究，可以对日本设计有一个全新的认识，对我国平面设计的发展有着重要的借鉴作用。 关键词：传统元素;平面设计;本土化 中图分类号：J505 文献标识码：A 文章编号：1672-8122（2015）08-0121-02

一、原研哉的生平

原研哉，出生于1958年6月11日，是日本中生代国际级平面设计大师、日本设计中心的代表、武藏野美术大学的教授，同时也是家喻户晓的无印良品的意识总监。

作为在全球瞩目的平面设计大师，原研哉于1982年投身于平面设计。他在立冈山操山高等学校学习期间，就对平面设计有着浓厚的兴趣，在自己的课余时间，他花费大量的精力研究当时设计师们的艺术作品，并开始决心从事平面设计。在他坚持不懈的努力之下，考入了武藏野美术大学――当时日本最为权威的艺术设计学院，在那里他学习设计学和设计符号学，师从井周太郎，在学习期间通过他不懈的努力，1983年以优异的成绩取得武藏野美术大学硕士学位。在他入学的第二年，开始了他的设计生涯，开始设计“Nikka CIDER”的包装。在之后的几年里，他先后接任米其林轮胎公司的企业广告设计艺术指导，设计白兰“Alembic”的包装等，取得了一定的成绩。但在他看来，这些都是他对当时的平面设计大师的借鉴和学习，少有自己的个性，这并不是他所追求的。于是他开始寻找属于自己的平面设计风格，开始借鉴永井一正和田中一光等设计大师的设计风格，在学习的基础上，将民族化融入进去，取得了很大的成就。他对平面设计的热爱和他敏锐的观察力使得他的设计在1998年的长野冬季奥运开、闭幕式的手册中展现出一种新的风格，将传统与现代融合、民族与国际接轨，获得了一致好评。在这时，他开始了他真正意义上的平面设计之路。

二、原研哉的设计理念

日本是一个好学的民族，这与它的文化起源是分不开的。从地理位置上来看，日本作为一个岛国，面积狭小，人口众多，在公元 7 世纪到公元 9 世纪，主要学习中国的文化，明治维新之后，向德国人学习先进的工程技术，学习英国的制度和社会管理体系，在之后的发展过程中又加入自己本民族的文化，形成了独具特色的日本文化。日本的平面设计也是，在学习外国优秀的平面设计的基础上，融入民族元素，形成了独具民族特色的日本设计。日本传统的平面设计与现代的平面设计是有区别的，它是基于日本传统美学的，与宗教、信仰和他们的生活休戚相关，是日本传统的体现。它不仅仅是产品设计，更多的是文化的体现，这点在原研哉的设计理念中也可以体现出来，比如无印良品的设计，省去了所以不必要的设计，甚至去掉了商标，极其简洁，体现了朴实的品质，蕴含着日本的传统文化。

原研哉的设计理念来源于生活，利用他敏锐的观察力在日常生活中汲取灵感，将日本的传统文化与人们的生活联系起来，将日本传统的禅意精神融入到设计中。禅学最初从印度传入中国，又经中国传入日本，经过不断的继承和发展，与日本文化相融合，对当地人们的生活和日本的民族性格都产生了很大的影响。禅文化注重简约、摒弃形式，这在原研哉的设计作品里都有体现。原研哉曾说过，他认为文化的关键本质乃是“本土Locality”，文化是有地域性的，全球性的文化是不存在的，文化应该与历史和地域共存，这是文化的本质。只有在不破坏文化本质的前提下，将它搬上国际舞台，它才能绽放光彩。

原研哉追求设计的日常化、虚空、白、崇尚万物有灵，这种“空”和“白”都和日本传统的“禅”有关，原研哉用符号和象征性的方式表达他的“无中生有”的空灵境界。原研哉认为在生命刚开始的时候都是“白”的，随着长大而变得浑浊，“白”是基本的、简单的、纯净的一种状态而不是一种颜色，这都体现了禅意。“空”体现了日本的禅意，这和日本的历史背景有很大的关系，在室町时代，日本发生了战乱，持续了十年之久，很多历史名城都被毁坏。在那次变故之后，人们开始醒悟，他们发现生活中完全不需要那些华丽奢华的东西，可以满足生活需要就好。也在这一时期，“禅”的概念从中国引入日本，人们意识到没有那些奢华的东西，物质上虽然十分匮乏，但精神却十分充实。原研哉将日本传统的禅宗思想中的“留白”在设计中发挥的淋漓尽致，他大部分的设计作品都采用单一的白色，除了不可缺少的元素之外，其它的空间都留给受众自己想象。他的设计作品虽然采用了很多白色，但并不会给人单调感和冷漠感，相反让人觉得这一切本就应该这样。

原研哉的设计理念在无印良品里面得到了充分的体现，它的品牌理念是这样就好，与商业社会的刺激消费背道而驰，它的品牌中蕴含着日本传统文化中的禅意，不娇柔做作，质朴纯粹。无印良品的设计目的不是单纯的为了去迎合消费者喜好，而更多的是去激发消费者的思考，引导消费者，带有一定的教育目的。作为无印良品的设计总监，用一种零杂质的眼光去审视无印良品，去审视自己的设计。无印良品最大的特点就是极简，它去掉了商标，省去了一切不必要的设计，颜色也是一样，最后简单只剩素材和功能。无印良品的商品上也很难找到标记，在店里，它的主色调都是白色、米色、黑色，都是产品的主色调。这都是他的“空”和“白”的设计理念的体现，都是日本传统的禅宗思想的体现。

三、原研哉的设计理念对设计界的启示

日本设计在国际上有着很大的影响力，这都离不开日本国内政策的支持。日本现代设计发展初期，也出现了很多问题，但是日本政府采取了一系列的措施，扭转了发展中出现的错误。中国处于设计的转型时期，如何将各国的经验变成我国设计发展的推动力，需要设计师们进行探索。我们应该向成功转型的日本学习，日本设计受战争的影响起步较晚，从一开始的照搬照抄发展到今天的独具特色的日本设计，这值得我们学习。我们可以发现，田中一光和原研哉对日本本土文化的探索最为深入，原研哉又是对田中一光理念的继承和发展，成为国际著名的设计师，研究他的设计理念对推动我国设计的发展和促进我国设计风格的形成有着重大意义。

文化最大的魅力在于它的特色，没有特色，它的价值也就没有了。各个国家都有自己不同于其他国家的特色，才使得文化各具魅力。比如2008年的申奥标志，设计师不仅要考虑奥运精神的国际性，还有表现它的运动特质，还要结合中国的民族特征，它将这些因素和谐的融合到了一起，将中国的传统元素融入到现代设计中去，向世界展示中国文化的魅力，这展现了设计师的独具匠心。原研哉的冬奥运节目宣传册也是如此，将日本的本土文化应用到他宣传册的设计中去，在突出奥运精神的同时，向人们展示了日本的本土文化。从这里我们可以看出来，一个出色的设计必须要是与众不同的，必须是有代表性的。在原研哉和陈绍华的设计中我们不难发现他们都是将本国的元素应用到现代设计中去，当然这不仅仅是简单的引用，而是将传统文化的内在精神与现代设计相融合。中国元素作为传统文化精华的一部分，它不仅仅是一个图案，它本身蕴含着深厚的文化内涵，再与当代生活和审美观念相结合的。每个时期的传统文化都是根据当时的社会背景不断的发展变化的，传统元素也是，会随着时代的变化产生新的形式。没有文化价值，传统元素只会是一个简单的图案，丧失了它的魅力。保持传统并不是简单的复制粘贴，而应在借鉴传统的基础上结合当时的审美需求进行创新，彰显它的当代魅力，彰显中国精神。而不应将传统元素作为一个标签，只是迎合一定时期内人们的需求。只有让传统元素展现一种与时俱进的时代精神，这样我国的设计才能在国际舞台上绽放光彩。

日本设计的发展与它们民族的国情是分不开的，日本是一个在保有本民族传统的基础上善于向别国学习的民族。二战后，日本学习欧美国家的先进经验，加强与别国的文化交流，将外国的经验转化为本国设计发展的动力，在本国传统文化的基础上，走出一条独具日本特色的设计之路。中华民族有着五千年的历史，传统文化资源比日本更为丰富。这是我国现代设计发展的灵感源泉，也是我国的优势所在。在全球化背景下，单纯的模仿很难在世界设计之林立足，发展出具有中国特色的设计之路显得更加重要和迫切。但是应注意，在探索中国设计本土化的道路上，不能只是表面的应用，应该表达的是中国精神和思想，而不是简单的中国符号。这点需要向原研哉学习，我们可以看出，他的作品中并没有非常具体明确的日本元素，但他作品中却无不流露出日本风韵，这是需要我们学习和借鉴的。中国现代设计的发展面临许多问题，如何在学习别国先进经验的同时，走出独具中国特色的设计之路是我们面临的一个挑战。

四、结 语